Spoiler Movies

Deleite seus olhos...

2008-03-27T10:08:00.001-03:00

Spoiler em seu 5º ano de vida finalmente em endereço definitivo!!!!

Atualizem seus links e Feeds:

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Dr. Jivago

2008-03-20T13:03:00.004-03:00

DR. JIVAGO é uma meditação profunda sobre vida e morte, amor e ódio, dedicação pessoal e ideologia de massas, liberdade e escravidão, guerra e paz. Trata-se de um fenômeno. A simples menção de Jivago imediatamente evoca imagens de Omar Shariff fugindo de comunistas e traindo Geraldine Chaplin com Julie Christie ao som do meloso "Tema de Lara", de Maurice Jarre.

Baseado no romance homônimo de Boris Pasternak, o filme narra os "anos terríveis" da vida do médico e poeta Iuri Jivago que vão de 1903 a 1943. A fita acompanha de perto momentos cruciais da história de seu país, como a Primeira Guerra Mundial e a Revolução Russa, na qual deposita uma esperança que logo se converte na mais amarga das decepções. A política, porém, é apenas pano de fundo. A ideologia jamais passa para primeiro plano.

Apesar disso, e apesar de nos enfiar a toda hora o tema de Lara goela abaixo, a visão poética de Lean oferece imagens inesquecíveis. São marcantes cenas como a da estrela vermelha brilhando sobre a entrada do túnel de trabalhadores, outra em que uma criança surge através da vidraça gelada na qual galhos batem, o ataque da cavalaria contra os bolcheviques ou a maneira que os flocos de neve se transformam em flores, e uma flor se transmuta no rosto de Lara.

As vicissitudes da história unem e separam Lara e Jivago diversas vezes. O labirinto de encontros e desencontros vai sendo reconstruído pouco a pouco e mostram a História como uma força moldada pelo homem que, por sua vez, é capaz de moldar a vida de cada indivíduo.

O filme concorreu a nove Oscars e ganhou cinco: Melhor Roteiro Adaptado, Direção de Arte, Figurino, Fotografia e Trilha Musical.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

2001: Uma Odisséia no Espaço

2008-03-19T10:07:00.002-03:00

A genialidade de Stanley Kubrick em 2001: UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO não consiste no que ele mostra, mas sim no quanto é despojado. Esta é a obra de um artista tão sublimemente seguro que não inclui uma só tomada para manter nossa atenção. Ele reduz cada cena à sua essência e a deixa na tela o tempo suficiente para que a admiremos, para que ocupe nossa imaginação. 2001 é uma raridade entre os filmes de ficção, pois não está preocupado em nos excitar, mas inspirar reverencia.

Boa parte desse efeito deve-se a trilha musical que existe além da ação. Ela exalta e busca o sublime e dá seriedade e transcendência ao visual. O filme cria seus efeitos essencialmente sobre o visual e a musica. É meditativo. Não mata nossa fome, mas quer nos inspirar e nos engrandecer com seu balé visual.

O filme, também, é em vários aspectos um filme mudo. Há poucos diálogos, o que o torna um filme difícil e eles estão ali simplesmente para indicar que as pessoas conversam entre si. Não deixa de ser curioso que os melhores sentimentos provenham de HAL 9000, um computador que apela por sua vida entoando “Daisy”.

2001 é um filme transcendente. Passados 40 anos, ainda é atual. Conta a lenda que Stanley Kubrick, o mais cerebral dos grandes diretores norte-americanos, sempre teve o sonho de realizar a obra-prima definitiva dos vários gêneros que freqüentou. Filmes de guerra, como GLÓRIA FEITA DE SANGUE; de terror, como O ILUMINADO; reconstituições históricas, como SPARTACUS e BARRY LYNDON; filmes de assalto, como O GRANDE GOLPE - se não atingiu sempre o seu objetivo, Kubrick esteve muitas vezes próximo de concretizá-lo. Ele deixou uma obra marcante, uma das mais notáveis da história do cinema, mas foi na chamada ficção científica que Kubrick se excedeu e se imortalizou.

Spoiler Rating: 90
LBC Rating: ~

Cleópatra

2008-03-18T11:22:00.003-03:00

CLEÓPATRA foi o Waterloo das superproduções dos anos 50/60. Era para ser o máximo. Mas as filmagens demoraram muito mais do que se imaginava, Elizabeth Taylor teve pilhas de chiliques, o filme custou uma fortuna e, na bilheteria, deu muito menos do que se esperava.

Com Richard Burton e Rex Harrison no elenco, o filme narra a lenda da Rainha do Nilo e seu romance com Júlio César e Marco António, dois dos mais poderosos soldados do império romano. A produção descreve o Egito como uma civilização extremamente luxuosa, e talvez por isso o público não tenha aderido: Há um peso excessivo em tudo aquilo, em cada imagem barroca, que nem Joseph L. Mankiewicz conseguiu contornar.

Apesar de excessivamente longo (250 minutos na versão final, embora na TV foi editado para 194 minutos), vale pela ótima interpretação da dupla Taylor e Burton.

O filme recebeu nove indicações para o Oscar, incluindo Melhor Filme. Levou as estatuetas de melhor Direção de Arte, Fotografia, Figurinos e Efeitos visuais.

Spoiler Rating: 60
LBC Rating: ~

Dançando no Escuro

2008-03-18T10:41:00.003-03:00

Escrever logo após uma primeira visão de DANÇANDO NO ESCURO é escrever em estado de choque. Um filme que, ao terminar, deixa o espectador sem fala, suscita mais do que a análise e, antes dela, a tentativa de ordenar e consolidar o que aconteceu e o que se percebeu, para saber por que o impacto é tamanho.

São muitas as entradas possíveis no filme de Lars von Trier, muitas as camadas de sentido que ressoam; porém talvez convenha começar pela impressão mais saliente: sente-se que se trata de um filme-limite numa época-limite. Como se o passado, o presente e o futuro do cinema convergissem numa obra para encenar a paixão do homem do século 20 - e o modo como o cinema pode contribuir para redimi-lo. Como se a visão da nossa época e na nossa época, mas também como se a cegueira dela e a nossa, fossem inseparáveis da experiência do cinema e só pudessem ser apreendidas no escuro de uma sala, diante de uma tela em que imagens e sons elaboram a crise e o renascimento dessa arte enquanto crise e renascimento do homem contemporâneo.

DANÇANDO NO ESCURO nos co-move não só por causa de seu enredo ou mesmo do modo como Trier filma um melodrama; não só pela interpretação de Björk, que atualiza, sem no entanto procurar imitá-la, a Joana d'Arc de Falconetti, na obra-prima de Dreyer; nem pelo magistral emprego da tecnologia digital, que permite a Trier imprimir às imagens e à trilha sonora ritmos e tratamentos diferenciados, fazendo-nos passar da vida ao sonho e novamente à vida de modo nunca visto.

DANÇANDO NO ESCURO nos co-move porque nele alguém se sacrifica no presente para que a geração futura possa ver. Essa é, no meu entender, a questão fundamental tratada por Trier. Como lidar com a cegueira que progressivamente toma conta de nós? Como fazer para que nosso legado não seja uma herança negativa, mas a possibilidade de recuperação da visão? Como aceitar o sofrimento agora para que o outro seja salvo no futuro? Como saber morrer para libertar o outro da condição que o aprisiona e compromete? Como salvar-se por meio da salvação do outro?

Spoiler Rating: 78
LBC Rating: ~

Por Laymert Garcia dos Santos

Horton e o Mundo dos Quem!

2008-03-11T12:33:00.001-03:00

HORTON E O MUNDO DOS QUEM! é um deleite. Repleto de cores e sagacidade, o filme transporta o público para o interior da incrível imaginação do Dr. Seuss (“Grinch”), por meio de uma obra-prima de computação gráfica.

O filme, tal como o livro de Seuss, apresenta um elefante cheio de imaginação chamado Horton (Jim Carrey), que vive na selva de Nool e ouve um pedido de ajuda vindo de uma partícula de poeira que flutua no ar. Embora Horton ainda não saiba, tal partícula abriga toda uma cidade chamada Quemlândia, habitada por seres microscópicos, liderados pelo Prefeito (Steve Carell). Apesar de ridicularizado e ameaçado por seus vizinhos, que acham que ele ficou maluco, Horton está determinado a salvar a partícula, pois “uma pessoa é uma pessoa, não importa o tamanho que tenha”.

Horton é diferente de qualquer elefante já visto anteriormente. Ele é extraordinário e, sob muitos aspectos, vai além de seu corpanzil; possui um grande coração, uma grande personalidade e um grande senso de humor. Horton se distingue por sua gentileza, confiabilidade e perseverança. Apesar da imensa adversidade, do ridículo, da condenação e das ameaças, a determinação de Horton em garantir a segurança de Quemlândia permanece intacta. Ele é sempre fiel... cem por cento.

E assim o filme dá oportunidade de cada personagem mostrar seu valor e seu ponto de vista original. Um belo trabalho dos cineastas Jimmy Hayward & Steve Martino que impregnam cada experiência surreal entre os dois mundos paralelos com muito suspense, comédia e ritmo. Do conceito de arte até a música e som de John Powell e Randy Thom, tudo contribui para tornar HORTON E O MUNDO DOS QUEM! num deslumbrante passeio entre a imaginação fértil de Seuss e a glória dos desenhos animados.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Jumper

2008-03-11T11:16:00.001-03:00

JUMPER trata de um jovem, David Rice (Hayden Christiansen), que descobre um dom: O teletransporte. David pode ver 20 pores-do-sol em apenas um dia, levar a sua namorada pelo mundo inteiro num piscar de olhos e agarrar milhões de dólares em minutos. Entretanto, existe uma organização secreta que jurou matar “Jumpers” que o descobre e o persegue por todo o globo. Do centro dos Estados Unidos para as ruas de Tóquio. De Londres às ruínas de Roma, a odisséia mundial de David é uma aventura épica.

E JUMPER é apenas e somente isso, um espetáculo visual, por vezes pobre, onde reinam a desordem, o roteiro confuso e mal-concebido e os atores totalmente mal aproveitados, com especial ênfase para Hayden Christiansen que tecnicamente sempre foi um ator ruim. Além de não conseguir expressar qualquer tipo de emoção, ainda tenta enveredar para o humor, onde tropeça brutalmente, só parando no fundo do poço. Também Samuel L. Jackson está fraquinho. Jamie Bell, o outro jumper, pelo menos, consegue ter algum carisma e expressar alguns sentimentos de forma verossímil.

O diretor Doug Liman (INDENTIDADE BOURNE, SR & SRA. SMITH) tinha uma boa premissa em mãos, mas acabou pecando pela pressa com vários erros de argumento e soluções fáceis levando a fita ao lugar comum.

Apesar de tudo, JUMPER é um bom filme. Daqueles de se ver e rapidamente esquecer, ideal para uma sessão da tarde. Vale pelos efeitos especiais, a beleza estonteante de Rachel Bilson e um pouco de Jamie Bell e nada mais.

Spoiler Rating: 70
LBC Rating: ~

O Orfanato

2008-03-07T11:45:00.003-03:00

O ORFANATO é um “terror à espanhola”. Um gênero que vem ganhando espaço, sucesso e público. Não se trata de um filme de terror, mas um drama sobrenatural. Uma estória com crianças, fantasmas e casas lúgubres.

Vindo de Cannes, coberto de elogios, o filme caminha com bastante elegância por onde muitos perderiam as estribeiras num festival de sustos baratos: Seu foco definitivamente firmado no curioso drama da história (que, ao estender a questão da orfandade e incluir o ângulo do HIV, poderia ganhar toda uma nova carga de urgência) deve ter feito a festa de um público inteligente carente de filmes de suspense igualmente inteligentes.

Laura (Belén Rueda) passou os anos mais felizes de sua infância num orfanato à beira do mar, onde recebeu cuidados de funcionários e outros órfãos que amava como irmãos. Trinta anos depois, ela retorna com seu marido Carlos, e Simon, o filho de sete anos, com o sonho de restaurar e reabrir o orfanato há muito abandonado como abrigo para crianças inválidas.

O novo lar e seus mistérios despertam a imaginação de Simon e o menino cria uma teia de histórias fantásticas e jogos pouco inocentes. São brincadeiras perturbadoras que começam a incomodar sua mãe que adentra o estranho universo do garoto e com isso resgata memórias incômodas e há muito esquecidas de sua própria infância.

Bem cuidado, bem produzido e fotografado com o mesmo porte elegante que o roteiro se carrega, o diretor Juan Antonio Bayona trabalha nos detalhes, usa o poder de sugestão, mas não se furta a filmar os fantasmas, até porque eles podem ser produtos de uma imaginação doentia. O quadro é sugestivo e coerente com os filmes de Guillermo Del Toro (e mais com A ESPINHA DO DIABO do que com O LABIRINTO DO FAUNO).

Não se trata de um filme de terror explicito. Terrores como O ORFANATO são chamados de slow burning nos EUA, mas nesse caso a queimadura arde tão lenta que nada se sente, nada se marca. Nada acontece. Enquanto filme de terror, é como olhar para um aquário por seis horas, mas enquanto drama psicológico é um colírio de se encher os olhos.

Spoiler Rating: 89
LBC Rating: ~

Por Luiz Carlos Merten (Estado) & Bernardo Krivochein (Zeta Filmes)

10000 AC

2008-03-07T11:12:00.003-03:00

Roland Emmerich é o tipo de diretor que os críticos têm prazer em odiar. Alemão, fascinado por Hollywood e por superproduções (INDEPENDENCY DAY, GODZILLA, O DIA DEPOIS DE AMANHÃ) ele próprio considera inimaginável fazer um filme de baixo orçamento. Agora por tradição, seu novo filme repete as velhas fórmulas de sua filmografia e, os mesmos defeitos...

10000AC é puro cinema pipoca. Repleto de ação, aventura, centena de efeitos e uma narrativa épica (e mítica), o diretor volta-se para a aurora do mundo, recuando cem séculos no tempo para debruçar-se sobre a saga do primeiro herói, D'Leh (Steven Strait).

O público logo é convidado a acompanhar uma faminta tribo de caçadores que convivem com a iminente extinção de sua principal presa, o mamute. A certa altura, a tribo ainda sofre com o seqüestro de alguns de seus jovens e de uma bela menina de olhos azuis. Cabe ao herói resgatá-los.

Trata-se de uma aventura séria, mas com certa veia cômica e certo estilo kitsch. Os habitantes tribais – quase selvagens - falam um inglês sem restrições. Têm dentes branquíssimos e perfeitos. São todos solenes, com vocabulário e empostação de voz típicos dos clássicos hollywoodianos dos anos 50.

Por outro lado, a direção de arte é espetacular, criando com força faraônica, gigantescas civilizações perdidas. Virtuais, é claro. Fora uma debandada de mamutes e um tigre virtual ainda melhor que o leão Aslan de CRÔNICAS DE NÁRNIA. O que não é pouco.

O diretor usa todos os recursos do cinemão para construir uma história de redenção, com direito a segunda chance e volta ao lar, temas essenciais de Hollywood. Sem preconceito, é possível embarcar na magia de sua fábula. Mas ao vê-lo só nos obriga a dar crédito a Mel Gibson pelo semelhante e infinitamente superior APOCALYPTO.

Spoiler Rating: 63
LBC Rating: ~

Por Pedro Butcher (Folha), Luiz Carlos Merten (Estado) & Celso Sabadin (Yahoo Movies)

Os Falsários

2008-03-07T09:46:00.002-03:00

OS FALSÁRIOS (THE COUNTERFEITERS/DIE FALSCHER) é um filme que remonta aos tempos da segunda guerra mundial. De origem austríaca, este excelente trabalho do diretor Stefan Ruzowitzky conta a história verídica de Solomon Soeowitsch que em 1936 era considerado o rei das falsificações e portanto muito requisitado por muitos vigaristas de Berlim.

Infelizmente, tal fama não ajudou muito e ele teve que lidar com a temível Gestapo de Hitler. Sendo judeu e criminoso, foi preso e levado para um campo de concentração. Graças aos seus talentos únicos foi poupado da temível câmara de gás, desde que colaborasse com os nazistas numa mega operação que envolvia outros falsificadores de renome e que consistia em produzir séries de notas para alimentar a guerra. Obviamente que Solomon e os outros estavam perante um dilema moral: Se não ajudassem os seus inimigos eram mortos sem piedade mas se ajudassem prolongariam a guerra e compactuariam com a morte de milhares de pessoas.

Houve muitos filmes sobre o Holocausto como pano de fundo, contudo OS FALSÁRIOS aborda o tema de modo diferente. Aqui, não se foca especificamente o triste e horrível ato que foi o holocausto mas sim um momento especifico, uma operação que apesar de muito badalada raramente foi mencionada em filmes ou documentários. É uma história que no fundo tem como objetivo contar a estória desse grupo de prisioneiros e os dilemas morais que tiveram de enfrentar, refletindo apenas em alguns traços as atrocidades da época.

O filme é um verossímil retrato humano, de uma década de abstração de regras onde a lei do mais forte imperava, onde nem mesmo os vigaristas estavam a salvo de uma tirania superior. Contem algumas seqüências bastante duras mas que evidenciam da melhor forma possível a violência e a crueldade daqueles tempos, contudo acaba por ser uma das representações do holocausto mais fáceis de digerir não focando excessivamente nem exaustivamente o extermínio dos judeus, logo é uma versão mais simples e não tanto explicita.

Em tempos negros e de aflição, até os ladrões têm honra e são capazes de ter valores positivos, esta é a mensagem principal. O filme levou (com certo louvor) o Oscar de Filme Estrangeiro.

Spoiler Rating: 84
LBC Rating: ~

A Outra

2008-03-07T09:04:00.003-03:00

Baseado no best-seller de Philippa Gregory, A OUTRA é uma fascinante e sensual história de intriga, romance e traição, tendo como pano de fundo um momento chave da realeza britânica.

Duas irmãs, Ana (Natalie Portman) e Maria (Scarlett Johansson) Bolena, são manipuladas pelos seus ambiciosos pai e tio para reforçar o poder e status da família, através da conquista dos favores do Rei de Inglaterra (Eric Bana). Abandonando a simplicidade da vida no campo, ambas entram na perigosa e excitante vida da corte - e, o que começa como uma simples iniciativa para ajudar a família, torna-se numa rivalidade impiedosa entre Ana e Maria pelo amor do Rei.

Inicialmente, Maria ganha os favores de Henrique VIII e torna-se sua amante, dando-lhe dois filhos ilegítimos. Mas Ana, esperta, intriguista e destemida, consegue afastar tanto a sua irmã como a mulher do Rei, a Rainha Catarina de Aragão. Embora os sentimentos de Maria por Henrique sejam genuínos, a sua irmã Ana tem os olhos postos no grande prêmio: Ser Rainha da Inglaterra. E enquanto as irmãs lutam pelo amor do Rei - uma levada pela ambição, outra pela afeição genuína - a Inglaterra divide-se.

Tanto livro e filme são baseados em fatos verídicos e mantêm-se fieis ao contexto histórico. O roteiro minucioso de Peter Morgan (A RAINHA), perito nos filmes do gênero, contribui e muito para a imersão no filme do estreante Justin Chadwick
Mas o filme se sustenta apenas no foco romântico. Deixando de lado outras questões importantes como a personalidade do Rei Henrique VIII, o que ele representou para a Inglaterra e os grandes problemas religiosos e políticos do seu reinado. Basicamente, a história inglesa serve como mero pano de fundo para a intriga amorosa, com algumas leves referencias à alguns problemas ingleses.

Natalie Portman é o grande destaque do elenco. Sua interpretação é malévola e calculista. Scarlett Johanson aparece um pouco aquém das expectativas e Eric Bana simplesmente está perdido no filme.

O conceito é convencional mas eficaz. Justin Chadwick peca um pouco por sua experiência em televisão mas no fundo, A OUTRA é um bom romance repleto de intrigas romântica e jogadas.

Spoiler Rating: 73
LBC Rating: ~

Drácula de Bram Stoker

2008-03-06T10:05:00.003-03:00

Houve muitos filmes sobre Drácula. Muitos mais ou menos baseados no best-seller original. Houve Lugosi, Lee e Karloff, descendentes de uma estirpe romântica e gótica. Mas nenhuma tão fiel quanto a versão de 1992 de Francis Ford Coppola: DRÁCULA DE BRAM STOKER demonstra um desejo de fidelidade ao texto de origem, tentando apagar toda a tradição sem rigor e cheia de variantes dos antigos Dráculas para obter uma versão fidedigna.

O romance de Bram Stoker é escrito de um modo incomum. Repleto de anexos com varias anotações, notas, registros de diários e outros documentos usados como meios de mover a estória que é basicamente sobre um jovem negociante, um corretor de imóveis (Keanu Reeves) que é incumbido pela sua empresa de ir à longínqua Romênia, no leste europeu, numa região chamada Transilvânia, para concluir um negocio com Drácula (Gary Oldman). Que por acaso, além de Conde, é vampiro e por acaso está (e sempre esteve) apaixonado por sua noiva (Winoma Ryder) que o espera em Londres para casar.

O conceito aqui foge de outros Dráculas. Grande parte é ilusão teatral, uso de sombras e manipulação de imagens. Drácula flutua por cada detalhe. E em seu castelo, na presença de um fenômeno metafísico como um vampiro, as leis da natureza não funcionam corretamente. As sombras parecem livres de quem as gera. Sobem ao invés de caírem. Você sabe que esta no domínio do sobrenatural porque sutilmente as coisas não ocorrem como de costume.

A fotografia sempre flerta com o surreal. Uma historia que abusa do uso de bonecos, marionetes e efeitos antigos como cenas com vidro, imagens ao contrário e miniaturas penduradas. Tudo combinado de forma artesanal como se fazia antigamente. Um filme todo feito à mão. E todo gravado em estúdio.

Curioso que em parte o filme está interessado também em tecnologia. Toda hora surge novas máquinas e dispositivos cinematográficos. Era a virada do século: Repleto de telégrafos, telefones e microscópios, além de cinemas baratos, mágicas e pequenas ilusões. O cinema como é conhecido hoje começou como um hall de maravilhas e a película de Copolla celebra esse casamento entre a data de criação do mito “Drácula”, perto de 1900, com o nascimento do cinema.

Com grandes figurinos de Eiko Ishioka, incomuns e elaborados, a sensualidade inerente à lenda dos vampiros é confundida com sexo, romance, amor e morte. DRÁCULA DE BRAM STOKER é cheio de vida, um pequeno tesouro de efeitos estranhos.

Spoiler Rating: 85
LBC Rating: ~

Por Francis Ford Coppola

A Sombra do Vampiro

2008-03-06T09:56:00.002-03:00

A SOMBRA DO VAMPIRO deve agradar os cinéfilos mais nostalgicos. Trata-se de uma fita de baixo orçamento (Nicolas Cage assina como co-produtor), mas extremamente inventiva e original, brincando com algumas figuras lendárias da História do Cinema e que deu vários prêmios e até indicação para o Oscar para Willen Dafoe, que tem um grande momento de sua carreira fazendo o papel do ator Max Schrek.

O argumento é realmente interessante e se baseia nos bastidores da filmagem de NOSFERATU, de F. Murnau, feito durante o Expressionismo Alemão em 1922 e estrelado por um certo ator chamado Max Schreck. Segundo esta fita, o diretor Murnau encontrou Schreck e o utilizou sabendo que ele realmente é um vampiro e seu amor pelo cinema era tão intenso, ou tão doentio, que o deixou realmente atacar de verdade seus parceiros de filmagem.

Quem faz Murnau com toda a ambigüidade necessária (ele era assumidamente homossexual) é John Malkovich, que agora vive na Europa e está ficando cada vez mais interessante como figura e ator. Mas é Dafoe quem constrói uma imagem memorável, com ajuda de maquiagem, imitando a composição original do filme. Em 1979, Werner Herzog chegou a fazer um Nosferatu imitando Murnau. Com Klaus Kinski no papel central. Mas não chega a se comparar com este filme muito mais modesto, mas superinteressante.

Também procurando reproduzir os planos e cenas do original, mas sempre sem esquecer o senso de humor, ele mistura lenda, fantasia, terror, ao mesmo tempo em que tem um visual muito particular e diferente. Denotando uma extraordinária paixão pelo cinema por parte do diretor desconhecido para nós (a fita passou na Quinzena dos Realizadores de Cannes 2000, mas só foi descoberta mais tarde).

Só para ninguém ficar na dúvida, o verdadeiro Schreck não era vampiro, apenas um obscuro ator de teatro, que fez outras fitas imemoráveis, tudo é ficção mesmo. Porém feita com tanta verdade, de forma tão interessante, que a gente acaba acreditando. Mérito sem dúvida de uma brilhante performance de Dafoe. Repito: não é fita para grandes platéias, mas para cinéfilos mais até do que fãs adolescentes de terror.

Spoiler Rating: 80
LBC Rating: ~

Por Rubens Ewald Filho

Drácula

2008-03-06T09:39:00.003-03:00

O Conde Drácula é o mais clássico dos vampiros, e o DRÁCULA de Bela Lugosi, estreado em 1931, permanece o clássico dos clássicos. Cinéfilos preferem o NOSFERATU de Murnau (1922), que serviu de inspiração também para o filme de 1979 de Werner Herzog.

Mas na imaginação coletiva é o húngaro Bela Lugosi que encarna o vampiro romeno. Sua voz é envolvente, seus olhos são sedutores. Mas ninguém se engane: o encanto do personagem criado por Lugosi vem de sua incrível ambiguidade, da capacidade de transmitir, ao mesmo tempo, as idéias de dor e de terror.

Pois Drácula é um demônio noturno, um pesadelo -e, se o filme hoje é um clássico, é em boa parte porque Lugosi conseguiu lhe dar a densidade e a intensidade que os pesadelos requerem.

É verdade que sozinho Lugosi não faria tudo o que fez, e o filme não seria o que é se a Universal não tivesse providenciado a iluminação de Karl Freund, um alemão saído das sombras do expressionismo -e um dos maiores fotógrafos do cinema. Ou ainda se não tivesse a dirigi-lo Tod Browning, que formava com James Whale a grande dupla de mestres do horror dos anos 30.

O terror é um gênero estranho e difícil, pois convoca plenamente o imaginário, mas só o faz na medida em que acene com a hipótese de tudo aquilo nos afetar realmente. É um gênero que nos agita inteiramente, corpo e alma, idéia e matéria. Poucos chegaram a isso e mantiveram por tanto tempo sua eficácia quanto esse DRÁCULA.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Por Inácio Araujo

Nosferatu

2008-03-06T09:16:00.005-03:00

Assistir a NOSFERATU, de 1922, de F.W. Murnau é ver o filme de vampiro antes que ele tivesse realmente visto a si mesmo. Aqui está a história de Drácula antes dele ser enterrado vivo em clichês, piadas, esquetes, caricaturas e mais de trinta filmes diferentes. O filme reverencia o seu argumento. Parece acreditar de verdade em vampiros.

Max Schreck, que faz o papel do vampiro, evita a maioria dos toques teatrais que viriam a confundir o espírito em todos os desempenhos subseqüentes, de Bela Lugosi a Christopher Lee, A Frank Langella e a Gary Oldman, O vampiro não é um ator extravagante, mas um homem sofrendo uma terrível aflição. Schreck faz o papel de conde mais como um animal do que como um ser humano; a direção de arte lhe dá orelhas de morcego, unhas em formato de garras e caninos que estão no meio da sua boca, como um roedor, em vez de pelos lados, como uma máscara de Halloween.

O filme mudo de Murnau se inspirou no livro de Bram Stoker, todavia o titulo e o nome foram modificados, pois a viúva de Stroker reclamou, não sem razão, que o patrimônio do seu marido estava sendo dilapidado. Todavia “Nosferatu é, de qualquer forma, um titulo mais apropriado do que “Drácula”. Pronuncie “Drácula” e você acabara rindo. Diga “Nosferatu” e parece que você mordeu um limão.

Mas será que NOSFERATU de Murnau ainda é assustador no sentido moderno? Não para mim. Eu o admiro mais pela sua arte e pelas suas idéias, sua atmosfera e sua imagens, do que pela habilidade de manipular minhas emoções como um hábil e moderno filme de terror. Todavia o filme continua eficiente: Não nos assusta, mas nos persegue. Mostra que os vampiros não podem sair de dentro das sombras, mas que o diabo pode vicejar ali, alimentando-se da morte.

Spoiler Rating: 83
LBC Rating: ~

Por Roger Ebert

Rambo IV

2008-03-02T10:34:00.002-03:00

Quem já conhece a série de filmes protagonizada por Sylvester Stallone já sabe o que esperar de RAMBO IV. Porém, obviamente, seria impossível fazer um herói igual ao de 20 anos atrás. Afinal, nossa estrela está com 61 anos e até confessou o uso de hormônios durante as filmagens para ganhar massa muscular. Para compensar a idade do astro, uma enxurrada de sangue invade a tela, tornando o filme mais violento da franquia – o que não é sinônimo de qualidade. Além de protagonizar, Stallone está à frente da direção, roteiro e produção do longa-metragem.

O solitário John Rambo (Stallone) parece ter desistido de lutar contra seus conflitos interiores e vive isolado no norte da Tailândia, levando uma vida simples e solitária nas montanhas. Apático e alheio aos problemas que o cercam, como a guerra civil na Birmânia, ele sobrevive pescando e capturando cobras venenosas para venda. Um grupo de missionários fica sabendo sobre as habilidades do herói norte-americano e pede para levá-los pelo rio Salween até os refugiados da tribo Karene, já que o caminho por terra se tornou extremamente perigoso por causa das minas terrestres.

Rambo reluta em aceitar por não acreditar que alguém possa acabar com uma guerra civil que já dura 60 anos. Mas Sarah (Julie Benz) consegue acender o espírito de justiça que estava adormecido no desiludido herói e finalmente consegue o melhor guia da região. Porém, o grupo é seqüestrado pelo exército birmanês e Rambo é o único capaz de resgatá-los. Para isso, conta com a ajuda de um grupo de mercenários formado por soldados americanos, contratados pelo pastor da igreja dos missionários.

Como você pode ver, o enredo não é nada complexo, sobrando espaço – aliás, muito espaço – para a matança que imortalizou o personagem de Stallone. Afinal, os filmes podem ser ruins, fracos, sem sentido, com péssimas atuações, mas quem nunca assistiu? Quem nunca soltou alguma frase dita por Rambo? Ou mesmo o imitou de alguma forma, mesmo que fosse amarrando uma faixa vermelha na cabeça quando criança? Pois é esse o efeito que o personagem causa. Muitos falam mal, mas não deixam de conferir as aventuras do herói. Nem que seja na televisão, sem gastar nenhum dinheiro com isso. RAMBO IV não é o tipo de filme que entra na lista dos melhores, longe disso, mas é a continuação de um clássico.

Uma coisa não dá para negar: os efeitos visuais são bem-feitos, fazendo com que o público feche os olhos para cabeças voando, pernas explodindo e corpos dilacerados. Também não podemos tirar o mérito da direção de Stallone. Pois, por mais simples e vazio que o filme seja, não é tão fácil criar seqüências de ação com explosões e tiros para todos os lados sem atropelar as cenas e confundir a cabeça de quem assiste.

Se você acredita que o velho Rambo merece seu prestígio, é bom se preparar para cenas fortes e cruéis. Não somente por conta de seus brutais ataques ao inimigo, mas pela dura realidade de uma guerra civil, com direito a pedaços de corpos voando o tempo inteiro, inclusive de mulheres e crianças. Lembrando que o banho de sangue, associado a uma situação real, é muitas vezes chocante.

Spoiler Rating: 53
LBC Rating: ~

Por Livia Brasil - Yahoo Movies

Chega de Saudade

2008-02-27T08:31:00.006-03:00

Laís Bodanzky gosta de fazer filmes como quem olha pelo buraco da fechadura. Foi com este espírito que a cineasta realizou CHEGA DE SAUDADE, seu segundo longa-metragem – o primeiro foi BICHO DE SETE CABEÇAS - que teve sua estréia (ovacionada) no Festival de Brasília, onde ganhou os candangos de Melhor Filme pelo Júri Popular, Melhor Direção e Melhor Roteiro.

CHEGA DE SAUDADE conta, numa única noite, várias histórias vividas pelos freqüentadores de um salão de baile da terceira idade. Com muita música e dança, os acontecimentos fazem o espectador se sentir dentro da vida pulsante do baile.

Circular como o salão, a trama gira em torno de Marici (Cássia Kiss), e Eudes (Stepan Nercessian), que vão junto ao baile. Marici faz amizade com Bel (Maria Flor), uma jovem "estrangeira" no salão, que namora o rapaz que cuida do som, Marquinhos (Paulo Vilhena). Eudes tira Bel para dançar, o que provoca reações diversas.

Enquanto isso, Alice (Tônia Carrero) e Álvaro (Leonardo Villar) enfrentam as limitações da idade, sem abandonar o salão. E Elza (Betty Faria) chega excitada ao baile, cheia de expectativas e com uma amiga de primeira viagem a tira colo - Nice (Mirian Mehler).

As histórias se misturam com outras, não menos vibrantes. A libido de um par de dançarinos de tango quase transborda a tela; duas mulheres (a esposa e a amante) duelam pelo mesmo dançarino; um gordo dança sozinho; o garçom costura tudo, como quem usa linha e agulha.

A trilha transita do circuito samba-rock ao bolero dos salões tradicionais. Do forró, ao fox-trot, com grande estilo. CHEGA DE SAUDADES são vários bailes, como são vários os personagens misturados no filme. "Trata-se de uma grande salada, bem temperada", comenta a diretora. E cada canção, conduzida com maestria por Elza Soares e Marku Ribas, explicita a narrativa, direta ou indiretamente

A fotografia de Walter Carvalho é pulsante. Com a câmera amarrada ao corpo, ele e seu equipamento dançaram junto com os atores. O resultado é imersivo. Autonomia de 360 graus o tempo todo.

Sutil e empolgante, o filme, aos poucos, faz o espectador se sentir íntimo dos personagens. Um filme convidativo que ganha o público rapidamente. CHEGA DE SAUDADE cria uma sensação de euforia, de descoberta, de liberdade. Uma sensação deliciosa de ver, ouvir e, porque não, dançar...

Spoiler Rating: 90
LBC Rating: ~

Os Indomáveis

2008-02-18T09:16:00.003-03:00

O western volta a ter um encanto especial e surpreendentemente emotivo com OS INDOMÁVEIS (3:10 TO YUMA). E apesar de ser um faroeste, quem não gosta do gênero também tem bons motivos para ir ao cinema, pela história de dois homens (brilhantemente interpretados por Russel Crowe e Christian Bale) que optaram por caminhos distintos na vida, mas que o destino se encarrega de juntá-los.

Dan Evans (Christian Bale) é um homem honesto que sobreviveu à Guerra Civil com uma lesão na perna e uma pequena pensão. Contra as adversidades, Dan luta pelas suas terras, que vai sendo massacrada pelos credores locais, e vai perdendo o respeito do seu filho adolescente - que vê nos bandidos e vilões a bravura que não vê no pai.

Quando o implacável e lendário bandido Ben Wade (a quem Russell Crowe dá um certo charme, carisma e mistério) é capturado num assalto, Dan Evans voluntaria-se para ajudar o grupo de escolta para a cidade de Contention - de onde parte o trem para Yuma, às 3:10, onde Ben será entregue à justiça e julgado.

Os homens de Ben, onde está o temível Charlie Prince, tudo farão para tentar resgatá-lo e, apesar de capturado, Ben é ameaça letal. Confiante e astuto, ele tira partido da mais ínfima fraqueza humana. Mas a viagem infernal será também de autodescoberta para o bandido e o homem honesto que irão se ver numa encruzilhada.

Trata-se de uma historia conhecida, um remake do filme homônimo de 1957. Mas aqui, o diretor e roteirista James Mangold (JOHNY E JUNE) usa um argumento soberbo, envolvente e humano. Unido com um ritmo rápido e uma trilha musical intensa de Marco Beltrami (Indicado ao Oscar, assim como o filme pela mixagem de som).

Como um bom faroeste de Howard Hawks, OS INDOMÁVEIS acerta ao contar a história de uma amizade torta, com ótimos coadjuvantes, como o veterinário que entra para o grupo da escolta (Alan Tudyk) ou o velho caçador de recompensas vivido por um magistral Peter Fonda. Mas, ao tentar imitar a grandiosidade de Sergio Leone, Mangold se dá mal.

É a extrema indecisão de registros que prejudica OS INDOMÁVEIS, esvaziando-o da pulsação que alterna tempos mortos e ação - e que tornou grandes os melhores faroestes.

Spoiler Rating: 81
LBC Rating: ~

Cherry Blossoms - Hanami

2008-02-14T16:23:00.003-02:00

Um filme alemão de baixo orçamento promete ser um dos maiores sucessos do ano. CHERRY BLOSSOMS – HANAMI (Flores de Cerejeira - Hanami) foi apresentado em competição em Berlim e nele a conhecida diretora Doris Dörrie ajudou a fazer praticamente de tudo na produção. O principal suporte artístico do filme está na extraordinária interpretação de Hannelore Elsner. O seu par no filme é também o ótimo (e desconhecido em cinema) Elmar Wepper, que Doris Dörrie foi buscar da televisão onde atuava em produções igualmente baratas.

O curso da história é muito comovente ao mesmo tempo em que faz críticas ácidas ao jeito do ser alemão, em especial sobre os alemães da Bavária, considerados mais metódicos e tradicionalistas. Quem quiser pode ver também referências ao passado alemão nazista, onde a Bavária foi o principal ‘berçário’, e cujo cinema mitificava os símbolos derivados das montanhas. O fetiche da montanha é transferido aqui ao monte Fuji do Japão.

Começa o filme com um médico revelando a uma mulher que o seu marido está com uma doença terminal. Ela não vai contar nada para o marido. Vai tentar estimulá-lo a realizar seus últimos sonhos enquanto é tempo. Aí entra o espírito alemão, regrado, metódico. Ele prefere esperar mais um ano até se aposentar. E "montanha por montanha, na Bavária também as temos, para que ir ao Fuji, mesmo que seja a pretexto de ver o filho que está lá a trabalho?", ele argumenta.

Aos poucos vamos entrando nesta viagem iniciática. A primeira viagem que ele aceita fazer é para Berlim, onde vivem seus dois outros filhos e netos. Os pais, Trudi e Rudi, são considerados um estorvo para os filhos e ninguém tem tempo para sair com eles. Mas Trudi consegue ao menos ver uma performance de teatro Butô, que ela adora e Rudi não suporta. É quando acontece o inesperado. Na segunda viagem que ele aceita fazer com a mulher, ir a um hotel beira-mar no Báltico, Trudi morre. Que ninguém fique zangado com a leitura deste resumo. A própria Doris Dörrie é quem revela estes acontecimentos na sinopse do filme.

O que realmente está em questão são os elementos emocionais que o espectador irá compor a partir de então. Com Rudi sozinho, sem saber que também está para morrer, ele decide viajar finalmente ao Japão. Mais para realizar o desejo da mulher já morta, do que para ver o filho. Veremos então a transformação de um homem seco e rude em um ser emocional que aos poucos irá perceber o que fez de errado e estúpido na vida. Coisa rara na vida de pessoas que envelhecem aguçando mais que tudo suas contradições. Por isso a comoção que provoca nos espectadores.

O estímulo de Doris Dörrie é como dizer "faça antes de seja tarde". E o tratamento respeitoso que ela dá à cultura japonesa, mesmo sendo crítica, corrige os desvios do filme anterior de choques culturais com o Japão, a comédia de Sofia Coppola ENCONTROS E DESENCONTROS. Mas o filme alemão também é cruelmente realista. As últimas palavras dos filhos sobre os seus pais fazem ver que os ciclos de insensibilidade seguem se repetindo. Mesmo que o jeito de mistificar uma montanha em nossos dias seja distinto.

Spoiler Rating: 75
LBC Rating: ~

Por Leon Cakoff

Caos Calmo

2008-02-14T15:56:00.003-02:00

CAOS CALMO não seria o novo filme de Nanni Moretti. Foi dirigido por Antonello Grimaldi e adapta um romance de Sandro Varonesi, mas poderia ser.

A fita de Antonello Grimaldi é uma espécie de “variação” sobre a matriz do luto e da dor dO QUARTO DO FILHO. Poderia se chamar O BANCO DO PAI, porque é num banco de jardim que Moretti passa o filme, como um executivo de televisão, cuja mulher morreu inesperadamente. Ele internaliza o vazio passando os dias sentado no tal banco de jardim.

É uma espécie de “Moretti light”, igualmente inteligente no modo como trabalha com sutileza a convenção do melodrama, mas um pouco convencional, mais enfabulado e menos inspirado - talvez seja injusto fazer a comparação, mas a presença do ator/diretor no papel principal (bem como sua colaboração no roteiro) a torna inevitável.

E a verdade é que o filme de Antonello Grimaldi não desmerece os pergaminhos de seu ator, atento e generoso, impecável na placidez do seu homem que reage à maior dor da sua vida recolhendo-se para dentro de sua concha. Sem dúvida, é um filme que merece um olhar mais atento.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Standard Operating Procedure

2008-02-13T08:30:00.004-02:00

Depois que fotos dos abusos cometidos pelo Exército americano com prisioneiros de Abu Ghraib (Iraque) se tornaram um escândalo internacional, uma investigação determinada pelo governo dos EUA separou-as em dois grupos.

De um lado, ficaram as que configuravam inegavelmente um ato criminoso, caso das imagens de abuso sexual. Na outra parcela foram parar as fotos com práticas consideradas aceitáveis nos padrões de interrogatórios. Eram as cenas de operação padrão (STANDARD OPERATING PROCEDURE), expressão que o cineasta Errol Morris tomou como título de seu novo documentário, sobre os eventos de Abu Ghraib.

O filme foi exibido em competição no Festival de Berlim e é provavelmente o mais impactante título da disputa. Morris entrevista alguns dos principais personagens (abusadores) das fotos, que foram julgados, condenados, cumpriram sentença por seus crimes e hoje estão livres.

Eles comentam suas vidas antes, durante e depois de Abu Ghraib. A soldado Lynndie England, célebre pela pose em que subjuga um prisioneiro nu, atado a uma coleira, diz que tomou parte nos abusos porque estava cega de amor.

England namorava o soldado Charles Garner, apontado como mentor dos abusos. Condenado a dez anos de prisão, Garner é proibido pelo governo dos EUA de dar entrevistas, conforme informa o filme. "Garner sabia falar o que você queria ouvir. Eu tinha 20 anos, e ele, 39. Ou seja, 19 anos de experiência a mais do que eu", afirma England no filme.

A soldado Sabrina Harman comenta uma "operação padrão" que ela conduziu e registrou em foto. Ela coloca o preso encapuzado de pé sobre um caixote de madeira e ata fios às suas mãos. Avisa que, se ele descer do caixote, será automaticamente eletrocutado. "É garantido que ele continuaria ali, de pé. Mas os fios não estavam ligados à energia. Eram só palavras", diz.

Trechos do diário que Harman mantinha em Abu Ghraib e seguiu escrevendo durante seu processo pontuam o filme, lidos por ela, que não se arrepende, mas desabafa: "O foda disso tudo é que todo mundo [no Exército] sabia de tudo".

Morris fez um documentário em que os abusos de Abu Ghraib são narrados em primeira pessoa. E fez também um filme sobre como os sujeitos mais graduados dessa história mantiveram-se ocultos.

Spoiler Rating: 90
LBC Rating: ~

Por Silvana Arantes (Folha de São Paulo)

Happy-Go-Lucky

2008-02-12T18:37:00.003-02:00

HAPPY-GO-LUCKY é o nome do filme de Mike Leigh - Uma expressão idiomática britânica que descreve o tipo de pessoas que passam pela vida sem preocupação, sem problemas, sem "ralação", como se vivessem no melhor dos mundos.

E Poppy é assim: Uma professora solteira em Londres que nunca se contagia pelo mau-humor de seu rabugento diretor, sua dominadora professora de flamenco, um balconista mal-humorado numa livraria ou sua irmã, grávida e infeliz. Sempre vestida de cores berrantes, sacolas friques, brincos vermelhões e botas de pele de cobra, ela anda por Londres como quem salta por campos floridos. E quando lhe roubam a bicicleta (logo no começo do filme) o pior que ela consegue dizer: "Ora bolas. Nem tive tempo de me despedir dela."

Poppy tem tudo para nos irritar - Como é possível que alguém seja tão irresponsável? Pensamos que Mike Leigh, cansado do niilismo rebarbado de seus filmes anteriores, começa a envelhecer... Mas não vale a pena... No final, percebe-se que Leigh não envelheceu, nem ficou sentimental

O segredo é que a aparente cabeça no ar de Poppy mascara os pés bem assentados na terra. É uma estratégia de sobrevivência tão válida como qualquer outra: Aproveitar cada dia, ver sempre o lado bom das coisas, deixar-se deslumbrar pelos pequenos nadas do quotidiano. De cabeça levantada e sorriso nos lábios.

Poppy é Sally Hawkins que brilha muito, muito, muito alto com uma interpretação extraordinária que escora todo o filme sem esforço. À sua volta temos o habitual círculo de coadjuvantes impecáveis. E, como no melhor Leigh, temos a sensação de não assistir um filme mas sim o cotidiano; não vemos personagens, mas gente de carne e osso.

Spoiler Rating: 90
LBC Rating: ~

Plus Tard Tu Comprendras

2008-02-12T18:23:00.000-02:00

A atriz francesa Jeanne Moreau, 80 anos, diz que trabalhar em seu novo filme sobre a luta de uma família para falar do Holocausto trouxe de volta memórias de sua própria infância durante a ocupação nazista.

PLUS TARD TU COMPRENDRAS ("Mais Tarde Você Entenderá"), do diretor israelense Amos Gitai, conta a história de Victor, um homem de meia idade que tenta convencer sua mãe (Moreau) a falar sobre sua infância e a morte de seus pais em Auschwitz.

"Foi muito intenso", disse a elegante Moreau. "Eu nasci em 1928. Vivi a ocupação. Na escola, eu tinha amigas que usavam a estrela amarela na roupa e que desapareceram. Isso fazia parte do cotidiano."

Sua personagem no filme, Rivka, tem dificuldade em colocar em palavras o horror do passado, apesar de seu filho pressioná-la para isso.

Uma cena inicial mostra Rivka em 1987, preparando uma refeição enquanto a televisão mostra o julgamento de Klaus Barbie, o "açougueiro de Lyon", considerado responsável pela tortura e morte de centenas de civis na era nazista, quando foi chefe da Gestapo em Lyon.

O filho de Rivka, Victor, acompanha o julgamento pelo rádio em seu trabalho. Mas, quando mãe e filho se encontram para jantar no apartamento de Rivka, no mesmo dia, o assunto do julgamento vira tabu.

O escritor Jerome Clement, cujo romance autobiográfico serviu de base para o filme, disse que este mostra como gerações diferentes se esforçam para encarar determinados capítulos do passado.

"Não é uma história da guerra. É uma história de hoje. Uma história do silêncio, sobre como, após a guerra, os pais não quiseram falar sobre certas coisas, e sobre como falamos com nossos próprios filhos, hoje", disse ele.

Enquanto Victor e Rivka se esquivam da questão da morte pavorosa dos pais dela, o filme também mostra como o resto da sociedade francesa encarou esse capítulo na história do país.

O ex-presidente Jacques Chirac reconheceu oficialmente em 1995, pela primeira vez, a cumplicidade francesa na deportação de judeus durante a guerra. Mas foi apenas após uma decisão judicial de 2001 que se tornou possível processar as autoridades francesas, pedindo indenização.

Amos Gitai disse que a questão da colaboração de franceses com os nazistas não foi muito tratada no cinema francês até hoje. "Se este filme puder contribuir para que esse assunto seja aberto, será bom. Seria tarde, mas nunca é tarde demais."

Spoiler Rating: 70
LBC Rating: ~

Da Agência Reuters

My Winnipeg

2008-02-12T17:12:00.000-02:00

Para o cineasta autodidata e professor universitário Guy Maddin, o tempo não afeta o cinema. Pelo menos não o seu cinema que segue fiel às linguagens experimentadas pelos pioneiros na virada do século 19 para o 20. O tempo, nos filmes de Maddin tem influência e decisão somente sobre as questões da memória. E é este precioso elemento que dá vida aos seus filmes quase mudos. Desta vez, Guy Maddin ousou ainda mais ao narrar ao vivo o próprio filme MY WINNIPEG.

No ano passado Guy Maddin ousou igual com o longa BRAND UPON THE BRAIN!, que teve em Berlim a narração de Isabella Rossellini e, em São Paulo, ainda melhor, de Marília Gabriela. Rossellini, aliada ao produtor de Guy Maddin, Jodi Shapiro, abriu a sessão de MY WINNIPEG com uma série de curtas GREEN PORNO, com sátiras bem humoradas sobre a vida sexual dos insetos.

Winnipeg é a cidade natal de Maddin. "Antes de se falar em mudança climática, Winnipeg era considerada a segunda cidade mais fria do mundo; espero que volte a ser de novo com a Sibéria uma das primeiras cidades congeladas", disse o cineasta depois da exibição do filme em Premiere em Berlim. Mas não é só do frio que MY WINNIPEG tem saudades. Como sempre Guy Maddin faz um filme triste e espirituoso como quem alerta também sobre os malefícios da velocidade que altera o tempo natural das coisas e das cidades que se imolam com símbolos da modernidade. Maddin reclama da ausência dos valores simples da vida e, sobretudo, da perda de inocências. Com o seu cinema único ele sugere resgatar a simplicidade da vida olhando para as gerações passadas, com respeito à natureza, à memória e aos sentimentos como valores essenciais e suficientes. Guy Maddin, mais que um cineasta narrando ao vivo seu filme no palco do antigo cine Delphi, mostrou-se um comovente missionário.

Spoiler Rating: 88
LBC Rating: ~

Por Leon Cakoff

Sparrow

2008-02-12T14:20:00.000-02:00

Que outro diretor ousaria fazer um filme policial em que a música substitui o diálogo, tudo fica por explicar no fim e o público ainda sai com um sorriso idiota de felicidade?

Pois assim é Johnnie To. E assim é seu cinema, cuja filmografia competiu nos últimos 12 meses nos três principais festivais de cinema: SPARROW (Em Berlim), TRIANGLE (Em Cannes) e MAD DETECTIVE (Em Veneza). E SPARROW é o mais deslumbrante momento de cinema que Berlim viu esse ano.

SPARROW é a cristalização de uma ideia: Puro fluir, Puro movimento, Pura narrativa visual. Mais: o domínio escandalosamente virtuoso que Johnnie To tem do écrã panorâmico, a precisão da sua encenação faz de SPARROW uma espécie de bailado cinético coreografado ao milímetro, herdeiro direto dos grandes musicais escapistas da MGM. Embora não haja canções. Nem bailados. Mas há muita música (uma espécie de sinfonia lounge-retro a cargo de Xavier Jamaux e Fred Avril) - e To nos dá também muita música.

Uma música que faz nos interessar por uma história que praticamente não existe e serve apenas de pretexto para uma série de "tours-de-force" visuais de cortar a respiração. SPARROW ("Pardal") é um cartão postal nostálgico de Hong Kong.

O filme, em competição em Berlim, trata de um bando de batedores de carteiras liderados por Kei, que se fascinam por uma jovem, bela e misteriosa, que está sempre fugindo de alguém. Quando descobrem que ela foge de um grande chefão da máfia, não conseguem resistir à tentação de ajudá-la, não importando o risco.

SPARROW é um cinema raro com heróis e vilões e mulheres fatais. É Fred Astaire deixado à solta numa Hong Kong tão artificial como se tivesse sido reconstituída em Hollywood, filmada como Steven Soderbergh a homenagear Vincente Minnelli: elegância, leveza, graça, agilidade, descontração, deslumbramento. É uma sensação de permanente deslumbramento - como se Johnnie To estivesse a inventar o cinema à nossa frente. Não está, mas não faz mal: o que interessa é a imagem.

Spoiler Rating: 87
LBC Rating: ~

CSNY, Déjà Vu

2008-02-11T10:12:00.000-02:00

A música em Berlinale não foi só Rolling Stones. Muito longe dos holofotes da fama e das capas dos jornais, passou em Berlim um tal de Bernard Shakey, um dos maiores compositores de toda a história do rock.

Bernard Shakey é o pseudonimo que Neil Young usa quando decide, de tempos em tempos, brincar de cinema. CSNY, DÉJÀ VU é, muito sucintamente, uma "collage" de imagens da bombástica turnê que os Crosby, Stills, Nash & Young fizeram em 2006 contra a Guerra do Iraque e o presidente Bush. Também sexagenários, como os Stones, os CSNY (David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash e Neil Young) foram à estrada com sua turnê, declarando guerra aberta ao governo de Washington, recuperando velhas canções anti-guerra do Vietnã misturadas com canções recentes, como a muito sugestiva "Let's Impeach the President", escrita em 2006 por Neil Young para o seu álbum de estúdio "Living With War".

O filme é o que é, sem muitas pretensões. Diz o que tem a dizer sem papas na língua, como Young sempre o fez. É suficientemente educado e democrático para deixar no ecrã a divisão do público que a turnê provocou nos EUA e suficientemente terno para dar a perceber que os CSNY serão adorados pela América para sempre.

Spoiler Rating: 63
LBC Rating: ~

Por Francisco Ferreira (Expresso)

Gardens of the Night

2008-02-11T09:22:00.000-02:00

Leslie está em San Diego, California, é uma adolescente de 15 anos e com medo, se dirige a um centro de abrigo. Ao funcionário do centro (John Malkovich), ela diz que não vê os pais desde os 8 anos e fala de um tio, Alex, e de um irmão, Donnie. O "flashback" é terrível e vem logo depois, esclarecendo o mistério: Alex, afinal, é um "falso tio". Um pedófilo que raptou Leslie a caminho da escola quando ela tinha 8 anos, convencendo-a que seus pais não a queriam ver mais.

E assim, dos 8 aos 15, Leslie será escrava dessa rede de pedofilia que o filme se encarrega de mostrar e exibir em todas as suas nuances, tornando-se obsceno demais para o público que já estarrecido pelo tema, se choca mais ainda com as cenas ardentes.

É claro que tudo pode ser filmado pelo cinema, mesmo algo tão repugnante como a pedofilia: Tudo depende de como se filma. Damian Harris quis deixar um documento de denúncia sobre crianças raptadas nos EUA e redes de pedofilia, sublinha as suas boas intenções, defende-se com realidade (foi isso o que fez na conferência de imprensa) mas o "olhem, isto existe!" não chega.

GARDENS OF THE NIGHT é, afinal, um filme lamentável, com um olhar tão sórdido quanto o seu tema.

Spoiler Rating: 69
LBC Rating: ~

Por Francisco Ferreira (Expresso)

Julia

2008-02-11T08:56:00.000-02:00

JULIA do francês Erick Zonca apresenta uma perseguição policial repleta de ritmo e drama. Esse é o segundo filme assinado por Zonca, dez anos após A VIDA SONHADA DOS ANJOS, um retrato desencantado e perturbando de dois jovens, que deu a Natacha Régnier e Elodie Bouchez o prêmio de interpretação feminina no Festival de Cannes.

A britânica Tilda Swinton, indicada para o Oscar de melhor atriz coadjuvante por CONDUTA DE RISCO, vive o personagem-título do filme, uma comédia dramática que dá lugar a um thriller quando uma mulher que já foi bela e sedutora, mas que se encontra à beira de um colapso físico devido ao alcoolismo - papel que cai como uma luva a Swinton -, seqüestra e maltrata uma criança de oito anos, de mãe mexicana. Kate del Castillo é a mãe que, após perder a guarda do filho também devido ao alcoolismo, pede a Swinton que o seqüestre.

As duas se conhecem em sessões de alcoólatras anônimos e a princípio não simpatizam uma com a outra, a não ser por um motivo: cada uma vê na outra um meio - para ganhar dinheiro e recuperar a criança - respectivamente.

Zonca foi duramente criticado na entrevista coletiva em relação à originalidade do filme, tido por alguns especialistas como derivado de GLORIA, de John Cassavetes. O filme é um fiasco completo, mesmo assim, Swinton salva várias cenas, decidida a ganhar um Oscar.

Spoiler Rating: 67
LBC Rating: ~

Das Agências EFE e AFP

Lake Tahoe

2008-02-11T08:30:00.000-02:00

Tudo começa com um carro que bate num poste e um motorista adolescente que vai à procura de uma mecânico para o consertar. Daí em diante, temos uma odisseia burlesca em câmara lenta quase-quase-parada onde nada parece acontecer.

LAKE TAHOE, segundo filme do mexicano Fernando Eimbcke (TEMPORADA DE PATOS), é um daqueles filmes que nenhum distribuidor sabe como vender... Os diálogos são monossilábicos e a câmera fica estática durante 99,99% do tempo.

É uma receita para o desastre ou para a seca. Mas nas mãos de Fernando Eimbcke, é uma revelação. Nada nos 85 minutos do filme é casual, tudo faz parte do empenho de refletir como cada um transporta sua dor.

A mão da mãe aparecendo atrás da cortina da banheira, fumando, chorando e rodeada de álbuns de família, bastam a Eimbcke para refletir o desespero da mulher. Para a projeção no cinema do bairro de um filme de Bruce Lee, o diretor recorre a outra representação mínima: a tela escura, com os ruídos de kung-fu ao fundo.

E assim Eimbcke retorna à Berlim com sucesso. Uma cidade que havia visitado antes, como convidado do Talent Campus, oficina para jovens, onde rodou seu primeiro longa. Berlim não errou em convidá-lo...

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Da Agência EFE

Elegy

2008-02-11T08:09:00.001-02:00

ELEGY tem direção da espanhola Isabel Coixet e conta com a musa Penelope Cruz no elenco. Aqui ela faz o papel de Consuelo, uma rica estudante, filha de cubanos exilados nos EUA, que se apaixona por seu professor de literatura (Ben Kingsley), trinta anos mais velho.

Como Almodóvar em VOLVER, Coixet faz de Cruz uma atriz muito mais radiante e sedutora na tela. E como se fosse uma confidência entre amigas, o ambiente escuro e paranóico da casa do professor serve para desinibir Penélope fazendo cair o queixo do espectador com tanta generosidade íntima. A atriz é comparada a "Maya Desnuda", do famoso quadro de Velázquez. Seus seios são cantados como os mais lindos do mundo e um dos quadros abusa do ridículo ao imitar revistas masculinas. A atriz aparece despida, de bruços, enquanto a câmera passeia sua lascívia por seu corpo até... terminar nos seus pés que calçam sapatos de saltos finos cor de vinho.

Quem leu o livro do americano Philip Roth ("The Dying Animal") diz que o original é mais picante. Ben Kingsley e Dennis Hopper interpretam dois amigos que se aconselham o tempo todo como agir com mulheres, mas nenhum segue o conselho do outro. E eles também estão ótimos no filme de Coixet. O professor imagina sempre que vai perder a namorada e o complexo da idade começa a corroer a sua mente. A reviravolta final, bem do estilo da diretora, segue parecendo uma boa oportunidade para alçar ainda mais Penélope Cruz ao altar das grandes musas do cinema.

ELEGY não consegue evitar um certo ar burguês acomodado, mas há pequenos papéis cruciais de Peter Sarsgaard, Patricia Clarkson e Dennis Hopper, um sábio uso da trilha musical (muito Bach e Satie) e, sobretudo, há Ben Kingsley...

Spoiler Rating: 70
LBC Rating: ~

Por Leon Cakoff e Agência Reuters

Black Ice

2008-02-10T02:38:00.000-02:00

Todo ano Berlim inclui na seleção oficial filmes sobre casais disfuncionais, para discutir relações amorosas e familiares. MUSTA JÄÄ (BLACK ICE), do finlandês Petri Jotwica, é sobre um triângulo amoroso. Um filme, no qual o motor da ação são as mulheres, enquanto os homens estão subordinados à sua vontade...

Trata-se de uma mulher de 40 anos traída pelo marido que, ao descobrir o caso dele com uma jovem aluna, finge ser outra pessoa, tornando-se a melhor amiga da amante, onde passa a manipular a vida dos dois.

Em coletiva, o diretor comentou que sempre buscou uma identidade entre o público e a personagem que, de início, parece odiosa. Mas os aplausos reduzidos e meramente protocolares que o filme recebeu dão a medida de um filme decepcionante, para se dizer o mínimo.

Spoiler Rating: 75
LBC Rating: ~

In Love We Trust

2008-02-10T02:05:00.000-02:00

O drama na vida de um casal de meia-idade ZUO YOU (IN LOVE WE TRUST ou LEFT/RIGHT) de Wang Xiaoshuai (BICICLETAS DE PEQUIM) teve Premiere Mundial em Berlim, durante sua 58º Edição.

No filme, os personagens "vêem suas vidas invadidas pela catástrofe", conforme define o diretor, no momento em que a garota Hehe (Zhang Chuqian), de cinco anos, é diagnosticada com leucemia. A esperança de cura reside num transplante de medula. Mas há um problema: Divorciados desde que a filha era bebê - e vivendo em novos casamentos -, os pais de Hehe descobrem que não são doadores compatíveis.

A mãe decide engravidar novamente do pai de Hehe, com o intuito de que o irmão seja o doador da filha. Com a restrição do número de filhos permitidos por casal vigente na China, se tiver uma segunda criança com seu ex-marido, a mãe de Hehe não poderá dar ao atual marido o filho que ele quer.

O impacto dessa decisão no quadrilátero amoroso interessa mais ao diretor chinês do que o drama da personagem com a vida em risco. "Não quis mostrar brigas e exaltações no filme, porque é o que eu mais procuro evitar na minha vida. Acho que a solução do conflito pode se dar pela via do amor”. A história é digna de uma novela de Manoel Carlos, mas na corda-bamba da emoção, o diretor consegue tratar com sutileza uma realidade chinesa.

Spoiler Rating: 71
LBC Rating: ~

Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

Os Infiltrados

2008-02-09T18:27:00.000-02:00

Em OS INFILTRADOS, Scorsese trabalha com uma história dupla: Collin Sullivan (Matt Damon) é um informante do chefão da Máfia de Boston, Costello (Jack Nicholson), infiltrado na polícia. De outro lado, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) vê-se em situação inversa. Forja-se um crime que justificaria a sua expulsão da polícia e, logo em seguida, ele se vê integrado à gangue. Na verdade, é um informante da polícia, plantado junto a Costello. Os Infiltrados é, portanto, uma história de lealdades e traições. De agentes duplos que têm de fingir ser o contrário do que são. Mas que, fingindo, descobrem que os dois extremos curiosamente se tocam, e em mais de um ponto.

A estratégia de Scorsese não é dizer que não existem fronteiras entre a lei e o crime, posição tão niilista quanto simplificadora. Mas é discutir onde estão os limites entre um domínio e outro e por que motivo eles parecem se interpenetrar mais de uma vez. Por outro lado, existe um substrato que costuma borrar e confundir essas fronteiras móveis - a violência que aparece na base de formação da sociedade americana, talvez mais do que em outras. Esse tema, que aparecia com tanta clareza em Gangues de Nova York (e talvez uma das fraquezas deste filme estaria em explicitá-lo tanto), é lido aqui nas ações cotidianas dos seus personagens. A certa altura, alguém diz: 'Neste país parece que todos se odeiam' e com esta frase define-se o espírito da coisa.

Scorsese não precisa fazer sociologia, ou mesmo buscar explicações muito profundas para entender que, quando se elege a competição como motor principal da vida em sociedade, a violência surge como decorrência natural. Aceitando-se um termo da equação será preciso aceitar outro. Isso sabemos. O grande cinema, como o de Scorsese, tem o dom de dramatizar a constatação óbvia. Torná-la narrativamente convincente e emocionalmente impactante.

Spoiler Rating: 91
LBC Rating: ~

Crash

2008-02-09T18:16:00.000-02:00

Alguns podem dizer que esta produção traz alguns resquícios de MAGNÓLIA (1999), elogiado filme de Paul Thomas Anderson, o que é bem verdade. Mas CRASH, com seus personagens transpirando conflitos, questionando dogmas, ética e moral, tem irreverência e qualidade de sobra para andar com as próprias pernas sem ser comparado com qualquer outro filme.

A questão do racismo é complexa e sua abordagem no filme pode soar agressiva em primeira instância, mas é analisada com um realismo e coragem impressionantes, somando mais pontos a CRASH, seja junto aos negros americanos, como os latinos ou árabes - principalmente após os fatos acontecidos após 11 de setembro. O preconceito acaba sendo um tema incessantemente abordado durante toda a película, que marca a estréia do canadense Paul Haggis - roteirista do premiado MENINA DE OURO (2004) - na direção.

Haggis trabalha com esperteza a insegurança e o olhar superficial que se tem ao viver em uma metrópole como Los Angeles. A história, escrita pelo diretor em parceria com Bobby Moresco, não mostra um retrato maniqueísta da realidade. Não há culpados, nem vítimas: todos estão à mercê do medo e da imprevisibilidade. O cineasta usa a superficialidade das relações na era moderna para despejar personagens em busca de sentidos e emoções, nem que para isso seja preciso um violento esbarrão no trânsito.

A narrativa começa em um desses acidentes de trânsito. A partir daí, são mostradas as 36 horas que antecedem o momento da tragédia. Entram no contexto do enredo Jean (Sandra Bullock), uma dona de casa egocêntrica, e seu marido Rick (Brandan Fraser), um influente promotor público; Graham (Don Cheadle) e Ria (Jennifer Esposito), um casal de detetives avessos à corrupção; o renomado diretor de televisão Cameron (Terrance Howard) e Christine (Thandie Newton), sua esposa; Daniel (Michael Pena), um chaveiro mexicano; Farhad (Shaun Toub), um lojista persa desmiolado; Peter (Larenz Tate) e Anthony (Chris "Ludracris" Bridges), dois ladrões de carros da periferia; e Tom Hansen (Ryan Phillippe), um policial novato aprendendo as lições da rua com Ryan (Matt Dillon), um veterano racista. Suas histórias são entrelaçadas em uma montagem flexível e empolgante.

A atuação do elenco é excelente, representando convincentemente os papéis difíceis reservados, desde os atores menos conhecidos até os medalhões como Sandra Bullock, Brendan Fraser, Matt Dillon, Ryan Phillippe e Don Cheadle. Afinal, não são apresentados protagonistas. Todos os personagens são obrigados a integrar e interpretar o balaio da discórdia.

Um brilhante debut de Paul Haggis, fazendo muito com pouco orçamento (US$ 6,5 milhões), CRASH entra seguramente, e com folga, na lista de melhores filmes de 2005.

Spoiler Rating: 88
LBC Rating: 48

Menina de Ouro

2008-02-09T18:08:00.000-02:00

Não sou especial admirador de Clint Eastwood como diretor, faço restrições a muitos de seus filmes que parecem ter sido feitos às pressas, de forma descuidada e com muitas cenas escuras. Mesmo SOBRE MENINOS E LOBOS não achei nada de especial, apesar do delírio da crítica americana. Pois agora eles elogiaram mais ainda este MENINA DE OURO, indicado a sete Oscar e vencedor de 4: Melhor Filme, Diretor, Atriz (Hilary Swank) e Ator Coadjuvante (Morgan Freeman).

MENINA DE OURO é até um filme relativamente pequeno e modesto. Como a maior parte da crítica, não vou contar toda a história e estragar a surpresa do enredo. Basta dizer que não é uma versão feminina de ROCKY. É um filme pesado, humano, trágico e, por isso mesmo, possivelmente o que Eastwood fez de melhor em toda sua longa carreira.

Aqui, a discrição, sua marca registrada, é muito bem-vinda e eleva o filme para algo mais do que uma mera história de boxe feminino.

Já houve uns poucos outros filmes sobre o tema, mas o bom de MENINA DE OURO é que tudo é feito com a maior dignidade, sem demagogia, sensacionalismo ou exageros.

Eastwood faz um velho treinador - muito envelhecido, também melhor ator do que nunca - que, com relutância, aceita treinar uma garota ambiciosa, Hilary Swank, que depois do Oscar de MENINOS NÃO CHORAM finalmente voltou a acertar; não está nem mesmo masculinizada demais. Ele é ajudado por outro veterano, que se torna o narrador da história, Morgan Freeman, num papel que pode lhe render o Oscar de ator coadjuvante.

Juntos eles se tornam amigos e fazem uma boa carreira até chegar a vencer o campeonato. E mais não digo. Basta ressaltar como se evita o dramalhão, como no conflito com a família vulgar e pobre, que deseja apenas se aproveitar da boxeadora e quer ficar com o dinheiro, sem ao menos disfarçar a desaprovação pela escolha dela.

E a amizade do velho com a moça é feita com muita ternura e delicadeza. O único problema que vejo no filme é comercial, já que parece ser "filme de homem", quando na verdade é "de mulher"; Precisou mesmo dos prêmios para ser mais bem vendido e apreciado. E também merece o prestígio que conseguiu.

Spoiler Rating: 90
LBC Rating: 83

O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei

2008-02-09T17:58:00.000-02:00

Quando nos foi apresentado a visão de Peter Jackson para a Terra Média e os acontecimentos de O SENHOR DOS ANÉIS: A SOCIEDADE DO ANEL; Ficamos fascinados... Assistimos à perfeição com que foram reproduzidas a casa de Bilbo e a festa de seu aniversário, assim como entristecemos com a exclusão do trecho sobre Tom Bombadil.

Em AS DUAS TORRES, comprovamos que o diretor sabe muito bem como fazer cenas de guerra, apesar de contermos a risada com algumas habilidades exageradas de Legolas, como "surfar" em um escudo.

Agora, no último e maior dos filmes (com três horas e 20 minutos!), descobre-se que este é o menos cansativo da trilogia e, principalmente: O melhor dos três. Pudera... Nele, tudo se conclui, mantendo o público ligado à tela. E a expectativa, para quem leu o filme, reflete-se em como o diretor conduziu o final da história, tão conhecido sob a pena de Tolkien.

Em se tratando de adaptações, o que era esperado aconteceu. Saruman foi excluído dO RETORNO DO REI, mas as brechas foram bem preenchidas e o vilão não faz falta para quem não conhece o texto original. Aos leitores do livro, leves contorções na cadeira foram previstas, mas nada que os impeça de se maravilharem com a obra, ainda mais porque as soluções dadas para essa e outras partes eliminadas foram palpáveis.

Assim como os dois primeiros, este mantém o primor em direção de arte, de fotografia e de som, efeitos visuais e especiais, que renderam muitas referências e prêmios aos seus antecessores. Destaque para a transfiguração de Frodo, muito mais desgastado pelo fardo que carrega e pelo difícil caminho nas terras de Mordor.

Sem dúvida, os pontos altos são os das batalhas, principalmente as realizadas nos campos do Pelennor. Com muita ação e ótima condução de câmera, nos leva lado-a-lado aos combatentes em meio à luta, em seqüências de tirar o fôlego.

Os cortes que intercalam a jornada de Frodo com a dos outros heróis estão mais suavesdo que os do segundo filme, não deixando o público furioso com interrupções em momentos decisivos.

Após três anos, a versão para os cinemas ainda impressiona pela perfeição com que reproduz Minas Tirith e suas cidadelas. Não incomoda tanto a liberdade tomada pelo roteiro ao transformar e retirar ou acrescentar trechos na história, com modificações que deram certo, acompanhadas de outras talvez não tão necessárias.

O sucesso dO SENHOR DOS ANÉIS em condições tão adversas (basta se ver a quantidade de erros e fracassos que Hollywood produz a cada ano), adaptando uma obra tão difícil e monumental, é realmente algo a ser louvado e celebrado. Tanto que certamente os fãs, antigos e novos, ainda vão querer assistir às outras edições (por uns anos ainda teremos filhos dele, até um dia chegar a um único filme unindo os três episódios).

É curioso como se tem menos a dizer quando se gosta de um filme. Malhar é até mais fácil. De qualquer forma, O SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI é uma perfeita conclusão para uma grande trilogia.

Spoiler Rating: 95
LBC Rating: ~

Chicago

2008-02-09T17:44:00.000-02:00

CHICAGO seguiu MOULIN ROUGE na revitalização dos musicais. Não é tão radical nem tão ousado quanto MOULIN ROUGE. E por isso fez mais sucesso e escandalizou menos. Francamente, tirando MOULIN ROUGE, que é um caso a parte, é um dos melhores musicais em muitos anos, talvez desde CABARET.

A referência ao filme de Bob Fosse é proposital, já que foi ele quem criou a montagem original nos anos 1970 com Chita Rivera (surpresa, ela faz uma pequena pontinha na fita como homenagem a única sobrevivente do original) e Gwen Verdon (que era a Sra. Fosse na época). Não foi um grande sucesso nem fracasso, apenas médio na época, talvez porque as pessoas não estivessem preparadas para entender o que era basicamente uma sátira ao sistema judicial americano (é bom lembrar que, por sua vez, o musical CHICAGO, composto por Ebb e Kander, a mesma dupla que criou CABARET, foi inspirado num filme chamado ROXIE HART, do começo dos anos 1940, de William Wellman, com Ginger Rogers.

Qualquer um que conhece melhor a cultura americana sabe muito bem que tudo nela é show. Aparência, performance, competição e nunca substância, conteúdo. No sistema judiciário, a palhaçada é ainda mais chocante. Claro que o filme, embora trate de coisas sérias, não tem pretensões de pregar moral. É tudo na base da ironia, ao mostrar como a jovem Roxie (Renée Zellweger) mata o amante que a enganava e vai para a cadeia, onde fica aprendendo que é preciso ter um bom advogado (e procura então o melhor deles, o mais vigarista, feito por Richard Gere) e se dar bem com a carcereira (Queen Latifah, ótima, que pelo papel concorreu ao Globo de Ouro e ao Oscar).

Em Chicago, na década de 30, tudo é uma questão de cair no gosto da imprensa, que promove a criminosa como se fosse uma estrela. Foi o caso de Velma (Catherine Zeta Jones), que matou a irmã que a traía com o marido e naquele momento é a sensação da imprensa. Mas Velma perde seu momento quando chega Roxie e aprende, depressa, com a ajuda de seu marido transparente (John C . Reilly, outro grande ator, fazendo aqui a canção "Mr. Cellophane"). Claro que a fama corre o risco de acabar quando aparecer uma nova criminosa e uma outra novidade.

O filme tem um excelente roteiro de Bill Condon que acrescenta toques certos, aumentando o papel de Velma (que agora tem uma aparição surpresa no julgamento). Ela também diz uma frase genial, inédita, quando propõe uma parceria para Roxie e esta diz: "Mas eu te odeio!". Velma responde: "O show business é o único lugar onde isso não faz a menor diferença" - É, no show business e na política, faltou dizer.

Dirigido por um estreante, Rob Marshall (que era mais coreógrafo do que diretor na Broadway), o filme conseguiu resolver o problema de como transpor para a tela um show muito cantado e dançado, sem ficar chato. Ele simplesmente seguiu as lições de Fosse em CABARET: todas as canções ou sucedem num palco ou então são imaginárias, fantasiadas na cabeça de alguém, Ou seja, não-realistas. Ou comentam os fatos, ou os criticam, ou dão passagem para alguma situação. Portanto, nunca fica falso, fica inteligente. Ao sacar isso, Marshall finalmente conseguiu realizar o filme que estava há anos na geladeira como um projeto para Liza Minnelli e Goldie Hawn.

Spoiler Rating: 93
LBC Rating: ~

Uma Mente Brilhante

2008-02-09T17:19:00.000-02:00

UMA MENTE BRILHANTE é um drama que tem justamente a cara de “filme que ganha Oscar”. Levou o Globo de Ouro de Melhor Filme, assim como os Oscars de Filme, Diretor (Ron Howard), Atriz Coadjuvante (Jennifer Connelly) e Roteiro Adaptado – e ainda indicado a Ator (Russel Crowe), Edição, Maquiagem e Trilha Musical.

Russel Crowe até merecia ganhar um novo Oscar, apesar de sua comprovada antipatia. Seu trabalho aqui é melhor que em GLADIADOR, compondo um tipo convincente, inteligente e misterioso. Ele interpreta John Forbes Nash Jr, cuja tese de Doutorado em Matemática, intitulada Nash Equilibrium, revolucionou o universo acadêmico com uma teoria que aplica jogos e relações de rivalidade na compreensão de questões econômicas complexas.

No enredo, depois de formular a sua tese, Nash passa a sofrer o assédio do serviço secreto norte-americano, ao mesmo tempo em que se envolve com Alicia (Jennifer Connelly). Apresentado ao misterioso agente William Parcher (Ed Harris), o matemático descobre que o seu dom de decifrar enigmas pode auxiliar no combate aos comunistas soviéticos. Arrogante – e brilhante – Nash entra no jogo, sem conhecer o risco real da empreitada.

O filme consegue envolver o espectador de tal maneira que entramos completamente na história e aceitamos o personagem. Quando temos a revelação do que seria a doença é um choque, mas também, como dizem os americanos, ''uma epifania'', ou seja, uma revelação, a chave para entender o filme.

UMA MENTE BRILHANTE certamente não é um grande filme. Mas é um bom filme que cumpre o que pretende. De forma limpa e extremamente competente. Seu Oscar não foi injustiça.

Spoiler Rating: 94
LBC Rating: ~

Gladiador

2008-02-08T11:04:00.000-02:00

O que acontece quando se junta Steven Spielberg, Ridley Scott e muito dinheiro (US$ 103 milhões, para ser mais exato)? Resposta: GLADIADOR. Nas duas primeiras semanas em cartaz nos Estados Unidos, este épico de espadas e sandálias arrecadou mais de US$ 73,6 milhões.

O neozelandês Russell Crowe é o ator principal, interpretando Maximus Decimus Meridias, um general do exército romano muito querido pelos seus soldados, respeitado por seu povo e amado pelo seu Imperador, Marcus Aurelios (Richard Harris). Tudo o que ele queria era voltar para casa após a sangrenta batalha na Germânia. Porém, César - já muito velho e doente -, tem outros planos e o quer como novo governante do Império Romano. Quem não gosta nada da idéia é Commodus (Joaquin Phoenix), filho do Imperador, que mata seu pai para poder assumir o trono. Seu primeiro ato como novo César é mandar matar Maximus e sua amada esposa e filho.

Numa das inúmeras batalhas com espadas (todas muito bem coreografadas por Nicholas Powell, de CORAÇÃO VALENTE), o ex-general consegue escapar e começa o regresso ao seu lar. Ao chegar lá, encontra sua propriedade destruída e sua família morta. O cansaço da viagem somado aos ferimentos das batalhas fazem Maximus desmaiar e só acordar quando já é um escravo. Proximo (Oliver Reed), mercador e dono de um pequeno "ringue", compra-o para que lute como gladiador. Grande estrategista e guerreiro, o "Espanhol", apelido com o qual Maximus passa a ser chamado, destaca-se dos demais e ganha a chance de combater no Coliseu de Roma.

Os "jogos" tinham sido proibidos por Marcus Aurelius cinco anos antes, mas seu filho retomou a estratégia de satisfazer a população com "pão e circo". O Coliseu que se vê na telona custou US$ 1 milhão e poderia ser ainda mais caro, não fosse a computação gráfica utilizada. Através dos efeitos especiais foram "construídos" três dos cinco andares do circo romano, e os dois mil figurantes transformaram-se em 33 mil pessoas lotando o palco das sangrentas batalhas.

GLADIADOR traz de volta, com méritos, os filmes sobre a era romana. Ridley Scott conseguiu remontar uma cidade e uma época como poucos poderiam fazer. Crowe está muito bem no papel principal e a bela Connie Nielsen (Lucilla - irmã de Commodus) dá o toque feminino que coroa as belíssimas cenas do extinto Império Romano. Seguindo a onda, novos filmes com sandálias, espadas, togas e batalhas pintaram por aí.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Beleza Americana

2008-02-08T11:01:00.000-02:00

BELEZA AMERICANA ganhou cinco dos oito Oscar a que foi indicado: Melhor Ator, Fotografia, Diretor, Filme e Roteiro Adaptado.

O filme traz Kevin Spacey como Lester Burnham, patético chefe de uma típica família suburbana americana. Desprezado por sua filha Jane e sua mulher Carolyn (Annette Bening), prestes a perder o emprego, a vida de Lester começa a mudar quando conhece Angela, a provocante ninfeta amiga de sua filha.

O fascínio de Lester pela atraente loira rende cenas tão surreais quanto cômicas. E marcam o início de uma mudança no personagem. "Quando não há nada a perder, você pode arriscar tudo", diz ele. A partir deste mantra, Lester passa a buscar a felicidade que faltava na sua vida.

Auxiliado por Ricky, um jovem vizinho, Lester decide desencanar do emprego enfadonho, deixar de agradar a esposa e aproveitar a vida que lhe resta. Fuma maconha (que compra de Ricky), passa a malhar e arranja um emprego numa lanchonete fast-food, se livrando do maior número possível de preocupações. Ricky se torna muito importante também para Jane. Sustentado pelo tráfico e com o hábito de filmar tudo que o cerca, o rapaz é um verdadeiro apreciador da beleza das pequenas coisas da vida.

O filme marca a estréia no cinema do diretor teatral Sam Mendes, ganhador do Globo de Ouro 2000 e responsável pela peça "The Blue Room", cuja versão na Broadway foi estrelada por Nicole Kidman. O mérito de Mendes reside no equilíbrio das críticas contidas em BELEZA AMERICANA.

O tema tão abordado, o "american way of life", é colocado sob diversos pontos de vista; o do quarentão desapontado com sua rotina tragicômica e sem energia, o da adolescente fechada e com problemas de auto-estima, o da esposa que gosta de tudo no lugar e o do "outsider" Ricky, que rejeitou e arranjou uma alternativa para as pressões do dia-a-dia.

Com este grupo de personagens, Mendes passa a mensagem de que as coisas que mais nos incomodam são coisas bobas; ao mesmo tempo, as coisas mais bobas são as mais bonitas e importantes. De que a vida é mais do que a aparência ou o sucesso comercial. De que não podemos nos esquecer que uma rosa, um dia de sol, ou até mesmo um saco plástico dançando ao vento podem ser vistos como poesia.

Spoiler Rating: 88
LBC Rating: ~

Shakespeare Apaixonado

2008-02-08T10:57:00.000-02:00

SHAKESPEARE APAIXONADO é um filme simpático, inteligente, com um ótimo roteiro e um elenco de apoio notável. Mas nunca mereceria ganhar sete Oscars, mesmo num ano fraco. Principalmente não poderia ser o melhor filme do ano (é um bom filme, boa diversão inteligente, mas se é o "the best" estamos mal arranjados), nem a melhor atriz (Gwyneth Paltrow - Ugh!)

Mereceu sim ganhar o de melhor roteiro original, porque a história é esperta e bem desenvolvida, a partir de uma sacada: em 1593, Shakespeare, o maior escritor de todos os tempos (realmente um gênio, em algum momento disse tudo sobre todos os assuntos, de uma sabedoria definitiva) estaria com um bloqueio artístico, não consegue mais escrever. Está trabalhando numa peça a que deu o título de Romeo e Ethel, a Filha do Pirata (que obviamente viraria depois o clássico Romeu e Julieta), mas está cheio de problemas.

O empresário deve dinheiro a todo mundo, tem um caso com mulher casada e não consegue completar o texto. A situação se complica quando Viola (Gwyneth), apaixonada por seu trabalho, resolve se passar por rapaz (na época não era permitido às mulheres pisarem no palco, e os homens faziam todos os papéis) e ele naturalmente se interessa por ela.

O texto original de Marc Norman havia sido comprado pela Universal, que o pretendia rodar com Julia Roberts e Daniel Day Lewis. Mas não o acharam comercial e a Miramax assumiu o projeto para sua amiga e afilhada Gwyneth (desde EMMA) depois de ser reescrito pelo especialista em Shakespeare, Tom Stoppard.

O resultado é uma fita cheia de referências e citações, algumas fáceis de sacar (principalmente as que se referem ao Romeu e Julieta), outras nem tanto (as que se referem a personagens daquela época, como o autor rival Marlowe). Ou seja, para curtir direito exige do espectador uma certa dose de cultura e conhecimento.

Antes de tudo, o filme é uma declaração de amor ao teatro. Tudo que se refere a ele, sua magia, encanto, dificuldades. Feita em tom de comédia romântica, bem dirigida (por John Madden, o mesmo de SUA MAJESTADE, MRS. BROWN com a mesma Dama Judi Dench, que aparece por apenas oito minutos como Rainha Elizabeth I).

Spoiler Rating: 79
LBC Rating: ~

Titanic

2008-02-08T10:48:00.000-02:00

TITANIC, a superprodução de 200 milhões de dólares escrita, dirigida e produzida pelo canadense James Cameron bateu alguns recordes. Antes mesmo de sua premiação como o melhor filme do ano, já aparecia como a maior bilheteria de todos os tempos: 1,25 bilhão de dólares em todo o mundo. No Oscar, foram 14 indicações (mesmo número de A MALVADA, de 1950) e onze estatuetas (mesmo número de BEN-HUR em 1960 e SENHOR DOS ANÉIS em 2003), incluindo filme e diretor.

Os nove Oscars restantes foram técnicos: direção de arte, fotografia, figurino, montagem, trilha musical, canção, som, efeitos sonoros, efeitos especiais ou visuais. Hollywood então premiou a técnica de TITANIC? É verdade, mas isso não elimina de maneira alguma os méritos do filme.

TITANIC tem todos os elementos do cinemão hollywoodiano. E aqueles, inclusive, vistos em clássicos como E O VENTO LEVOU. O filme de James Cameron é, em resumo, um dramalhão romântico que mostra a paixão avassaladora e incontrolável que surge entre dois jovens de classes sociais distintas.

Leonard Maltin, um dos mais famosos críticos de cinema nos Estados Unidos, escreve sobre E O VENTO LEVOU: "A história da roteirista Margareth Mitchell é, de fato, um novelão sobre a Guerra Civil (...)". É simples entender o que Maltin quer dizer. E O VENTO LEVOU é daqueles produtos lacrimejantes, mas com uma história tão bem contada que passa longe do incômodo. "Se não o melhor filme já realizado, é certamente um dos grandes exemplos do cinema capaz de manter o interesse por quase quatro horas", afirma Maltin. É bom lembrar que TITANIC tem mais de três horas de duração.

Em ambos os filmes, desenvolve-se uma estrutura narrativa muito semelhante. E não por pura coincidência, mas simplesmente porque o cinema americano tenta seguir uma cartilha que dá certo para atingir seu objetivo - entende-se público ou, melhor, dinheiro. O esquema é assim: num primeiro momento, o par central da história parece não combinar. Existem diferenças tão grandes entre eles que seria impossível imaginá-los juntos. Como estamos falando de cinema, a arte da imaginação, vão surgindo elementos que colocam os dois frente a frente. Mais ainda, situações que tornam os personagens dependentes um do outro. E como o cinema tem por regra subverter a realidade, fazendo qualquer espectador dobrar-se diante da fantasia, tudo o que é mostrado acaba convencendo. O final desse primeiro capítulo é o casal já apaixonado, vivendo momentos inesquecíveis e que se espera eterno.

Mas como requer um bom drama, uma desgraça aparece para acabar com a felicidade. Em E O VENTO LEVOU era a Guerra Civil. Em TITANIC, um iceberg. No primeiro, americanos do sul e do norte lutam pela sobrevivência. No segundo, homens de todas as partes do mundo lutam por um lugar num bote para não ver afundar o sonho de conquistar a América.

Em TITANIC premiou-se a técnica, sim. Mas o som, os efeitos especiais e toda a pirotecnia que vemos são justificáveis. O diretor James Cameron soube, e sempre soube, utilizar a técnica a favor do desenvolvimento argumentativo e dramático. Em 1999, E O VENTO LEVOU completou 50 anos. Posso apostar que em bem menos tempo TITANIC também será lembrado como clássico e uma obra de referência histórica no cinema.

Spoiler Rating: 85
LBC Rating: ~

O Paciente Inglês

2008-02-08T10:44:00.000-02:00

Indicado para doze Oscars, venceu em nove categorias, inclusive a de melhor filme. O PACIENTE INGLÊS é um daqueles filmes românticos, grandiosos, bonitos, de que todo mundo parece gostar. O curioso é que é uma produção independente de Saul Zaentz (que quase faliu ao rodar no Brasil o filme BRINCANDO NOS CAMPOS DO SENHOR, de Hector Babenco), que teve de ser salva pelo dinheiro da distribuidora Miramax. Ou seja, ninguém acreditava nele, até se tornar um sucesso. Até mesmo aqui no Brasil, onde as mulheres voltam a chorar no cinema (o que convenhamos é sempre um prazer).

Comparado com LAWRENCE DA ARÁBIA, o filme nunca procurou essa semelhança ao se passar num deserto. Inclusive, por isso é que não foi rodado em formato Scope-Wide Screen, mantendo a proporção normal mais adequada para uma história de amor onde o deserto é apenas o pano de fundo.

Vagamente inspirado em fatos reais, o livro de Michael Ondaatje (disponível nas livrarias brasileiras) se passa no Norte da África, durante a Segunda Guerra Mundial. Já começa com um velho avião bimotor caindo no deserto com um casal dentro. O sobrevivente (o inglês Ralph Fiennes) fica gravemente doente, com amnésia e seu rosto deformado pelas queimaduras, portanto irreconhecível.

Daí em diante o filme segue duas linhas narrativas, ambas tocantes e românticas. Na primeira, uma enfermeira dedicada (a francesa Juliette Binoche, vencedora do Oscar de coadjuvante e votada como melhor atriz no Festival de Berlim) procura cuidar desse paciente e se refugia numa velha igreja, onde está também um sujeito misterioso (Willien Dafoe) e sinistro, que aparentemente procura vingança. E um oficial indiano, especialista em desmontar bombas, com quem ela inicia um relacionamento romântico, muito discreto e delicado.

Aliás, toda essa parte funciona principalmente pelo encanto de Binoche, de tal forma que a seqüência mais memorável é quando ela, levada por uma corda e segurando uma vela, descobre pinturas antigas da igreja toscana. Em paralelo, fica se sabendo da outra história: aos poucos o paciente vai recordando do que sucedeu com ele, através de um livro que carrega e que vai lhe dando pistas. Ele é o Conde Laszlo de Almasy, um aristocrata que liderou uma expedição ao deserto em busca de cavernas pré-históricas, o que, portanto, lhe dá um mapa detalhado da região que será útil depois quando estourar a guerra.

Dentre o grupo, há um aviador inglês (Colin Firth) que é acompanhado por sua bela esposa (Kristin Scott Thomas, indicada também ao Oscar). Eventualmente os dois iniciarão um romance proibido e complicado, que chegará ao seu clímax quando ele faz de tudo para tentar salvar a vida dela em perigo. Se envolvendo com os alemães e tudo...

Bastante longo, o filme é impecavelmente dirigido por Anthony Minghella, um filho de italianos mas nascido na Inglaterra. Com uma excelente parte técnica, não chega nunca a cansar ou aborrecer. O único possível defeito é a frieza do protagonista Fiennes, que não é exatamente uma pessoa por quem a gente torceria ou se apaixonaria.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Coração Valente

2008-02-08T10:42:00.000-02:00

CORAÇÃO VALENTE conta a vida épica do rebelde escocês do século XIII, William Wallace, que se levantou contra a tirania do rei inglês Edward I.

Foi a segunda fita dirigida por Mel Gibson e vencedora dos Oscars de Melhor Filme, Fotografia (John Toll), Direção, Maquiagem e Efeitos Sonoros.

Embora nunca tenha sido grande sucesso de bilheteria nos EUA, talvez por sua violência, é muito bem realizado, equilibrando os momentos de amor com as cenas de batalha realistas e inovadoras (foi um dos primeiros a usar efeitos digitais para aumentar o numero de figurantes).

Um filme forte e grandioso que teve uma edição em DVD valorizada por dois trailers, comentários em áudio do astro-diretor e making of ("A Filmaker´s Passion)

Spoiler Rating: 83
LBC Rating: ~

Forrest Gump

2008-02-08T10:39:00.000-02:00

Filme que foi uma verdadeira surpresa no ano de sua exibição. Forrest é um garoto com problemas de QI, que recebeu muito carinho e orientação da mãe. Saindo de casa para o exército, Gump passa a fazer, sem querer, parte dos acontecimentos mais importantes de uma recente e explosiva história americana, mas sempre levando consigo os preceitos da mãe, que sempre fez questão que o filho tivesse as mesmas chances que todos, recomendando que ele nunca baixasse a cabeça ou fosse humilhado. A mãe é Sally Field num de seus melhores papéis até hoje.

Dentre muitos outros prêmios, a história levou os Oscars de Melhor filme, melhor ator para Tom Hanks (que no ano anterior vencera por FILADÉLFIA) e melhores efeitos visuais, em cenas de um ótimo Gary Sinise sem pernas (quem não conhecia o ator jurava que ele não as tinha) e de Gump interagindo com personalidades importantes da história já falecidos, como Nixon, Kennedy e John Lennon.

Spoiler Rating: 85
LBC Rating: ~

A Lista de Schindler

2008-02-08T10:35:00.000-02:00

Spielberg parece ter realizado seu maior sonho com este maravilhoso A LISTA DE SCHINDLER. Não porque seja seu filme mais sério (ele já havia experimentado outro gênero senão a aventura com A COR PÚRPURA, por exemplo, filme que recebeu onze indicações ao Oscar e injustamente não recebeu nenhum). É porque se trata de um drama da qual conhece bem a história e finalmente conquistou a conservadora Academia de Hollywood.

O filme é baseado na biografia de Oskar Schindler (escrito por Thomas Keneally), um polonês que durante a Segunda Guerra Mundial salvou a vida de mais de mil judeus, empregando-os em sua fábrica, evitando assim que eles fossem para os campos de concentração de Hitler. Spielberg realizou sua obra-prima. Do roteiro à direção, a interpretação do elenco, da excelente fotografia em preto-e-branco à trilha musical, tudo é perfeito.

O filme conquistou sete dos doze Oscars a que concorreu, incluindo direção (o primeiro de Spielberg), filme, roteiro (Steven Zaillian) e fotografia (Janusz Kaminski).

Mas é um filme sobre o Holocausto. E nas ruínas da pior história do século XX, Spileberg não encontrou um final feliz, mas ao menos a afirmação de que é possível resistir ao mal e até vencê-lo. O filme começa com uma lista de judeus que estão sendo confinados num gueto. Termina com uma lista dos que conseguiram se salvar. A lista é um bem absoluto. A lista é vida. Tudo à sua volta é aterrorizador...

Spoiler Rating: 93
LBC Rating: ~

Os Imperdoáveis

2008-02-08T10:32:00.000-02:00

Clint Eastwood esperou toda a vida para ser reconhecido pela Academia de Hollywood. O Oscar chegou tarde, mas merecidamente. E irônico, justamente produzindo e dirigindo um gênero de filme que marcou o início de sua carreira.

Rotulado por alguns como o anti-faroeste, Eastwood realiza o mais intimista dos seus trabalhos. Primeiro altera o conceito do bom e velho western: seu personagem é um matador aposentado, viúvo e que quer apenas cuidar dos filhos. Largou a bebida e não pega mais em armas.

Trata-se, assim, de um personagem mais humanizado. Principalmente porque toda a ação de que ele participa é para ajudar uma pobre e indefesa prostituta que teve o rosto retalhado.

O diretor também muda a estética do gênero: o velho oeste não vive apenas debaixo de sol quente, com a típica vegetação seca. A fotografia de Jack N. Green (o preferido de Eastwood e que com ele já trabalhou em BIRD e MUNDO PERFEITO) dá plasticidade perfeita ao filme, que evidencia as cores escuras e frias (há sequências com chuva), tudo feito de forma a caracterizar ainda mais a amargura do personagem.

Não era preciso, mas Eastwood provou que seu nome é importante para a história do cinema. OS IMPERDOÁVEIS levou os Oscars de melhor filme, direção, ator coadjuvante (Gene Hackman) e montagem.

Spoiler Rating: 83
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O Silêncio dos Inocentes

2008-02-08T10:25:00.000-02:00

Um psicopata conhecido como Buffalo Bill está sequestrando e assassinando jovens mulheres. Acreditando que um bandido pode reconhecer outro, o FBI envia a jovem agente Clarice Starling (Jodie Foster) para entrevistar e se aproximar de outro psicopata que está preso, o psiquiatra Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), um perigoso canibal que se afeiçoa a ela.

Um caso raríssimo na História do Cinema: Apenas o terceiro caso em todo o Oscar em que todos os principais prêmios foram para o mesmo filme - Melhor Roteiro, Direção, Filme, Ator e Atriz. Também o primeiro filme de Terror na História do OSCAR a ganhar o prêmio máximo. Produzido por uma firma que logo depois abriria falência, a Orion, o projeto foi primeiro desenvolvido por Gene Hackman e Michelle Pfeiffer (ambos desistiram por causa da violência).

Embora o diretor Jonathan Demme tivesse mais experiência com comédias, acertou inteiramente nesse projeto ousado e soturno, dos filmes mais angustiantes jamais realizados. Na época, a fita chegou a ser perseguida e criticada por organizações gays que a acusavam de dar uma imagem negativa deles (talvez por isso logo depois, Demme tenha feito uma fita sobre AIDS, FILADÉLFIA em 1993). Embora Hopkins apareça relativamente pouco na fita, sua presença é dominante e inesquescível.

Spoiler Rating: 86
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Shine a Light

2008-02-08T09:39:00.000-02:00

SHINE A LIGHT é basicamente um show filmado. Um filme que tem qualidades para agradar mesmo quem não seja fã do cineasta norte-americano ou da banda inglesa - se existir alguém assim...

Em torno do show que os Stones fizeram no Beacon Theatre em Nova York, Scorsese acrescentou elementos de suspense, de história, de humor e até de intriga -principalmente na rivalidade entre os guitarristas Keith Richards e Ronnie Woods.

Começa com imagens em preto-e-branco de Scorsese no Beacon Theatre e de Jagger num escritório, em Londres, paralelamente. Enquanto o diretor estuda onde posicionar as câmeras, Jagger diz, vendo a maquete do teatro: "Parece uma casa de bonecas". De fato, com “apenas” 2.400 lugares, o Beacon Theatre é pequeno demais para uma banda habituada a platéias de milhões. E as "desavenças" entre os Stones e Scorsese sobre locais e músicas ocupam a primeira parte do filme, que logo depois se torna colorido.

E é numa das cenas iniciais, no quarto de hotel que Mick Jagger cantarola: “Quero champanhe/quando estou com sede”. Mais tarde, “Champagne and Refresh” será o mais vibrante dos números, um diálogo de guitarras no palco que inclui a participação de Buddy Guy. Não há nada parecido! Não é a performance ao vivo, mas Scorsese com uma epopéia de câmeras e tomadas e cenas e planos e frames, justamente para tentar captar toda a eletricidade de um show ao vivo. E por isso mesmo, o filme, como insinua a sinopse, não é um show dos Stones, mas um filme de Scorsese. E acima disso, um tributo à longevidade da banda e do próprio diretor.

Spoiler Rating: 83
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Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

Dança com Lobos

2008-02-07T07:07:00.000-02:00

A primeira cena de DANÇA COM LOBOS mostra os pés de John Dunbar (Kevin Costner) em carne viva. Ouve-se a voz de alguém dizendo que devem ser amputados. Dunbar se levanta, monta seu cavalo e, num ato de heroísmo, cruza a linha de tiro que separa os soldados confederados dos civis.

Dunbar/Costner, assim, não sai de cena. Trata-se de uma referência do ator e diretor a sua pseudo participação no filme O REENCONTRO, de 1983, cuja sequência em que Costner aparecia num caixão (e apenas os pés) foi eliminada na montagem final.

DANÇA COM LOBOS foi indicado para doze categorias do Oscar e levou sete, incluindo melhor filme, roteiro e direção, a primeira de Costner. A história se passa durante a Guerra Civil Americana, quando o soldado John Dunbar é enviado a um posto avançado e lá conhece uma tribo de índios sioux, da qual acaba fazendo amizade e tornando-se um deles.

Apesar das três horas, boa parte delas falada na língua indígena, Costner realizou um filme intenso que tem todos os ingredientes de autêntico faroeste: fala de lutas, domínio do branco sobre os índios, descobertas, coragem, amizade e amor.

Além de todas as belas imagens (a caçada de búfalos é exemplar), o que chama atenção é que Costner encontrou uma narrativa em que personagem e espectador compartilham das mesmas surpresas. E elas são muitas. O diretor fez uma versão para vídeo com 237 minutos.

Spoiler Rating: 79
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Conduzindo Miss Daisy

2008-02-07T07:06:00.000-02:00

Atlanta, 1948. Uma rica viúva judia de 72 anos, Miss Daisy (Jessica Tandy), já não consegui dirigir como antes e joga acidentalmente o seu Packard novo em folha no premiado jardim do vizinho.

Ela se recusa a admitir o fato de que já não pode mais dirigir e por isso, quando o seu filho lhe contrata um motorista, Hoke (Morgan Freeman), ela lhe opõe uma resistência terrível. No entanto, pouco a pouco Hoke vai ganhando o seu espaço, bem como a confiança e a amizade da senhora.

O filme cobre vinte e cinco anos deste relacionamento, durante os quais os dois se ajudam, dividem sofrimentos (como o preconceito) e superam as suas diferenças. É uma história com abrangência universal, pois todos podem identificar-se com a situação retratada no filme: um parente querido vai ganhando idade e perdendo parte do discernimento, das capacidades físicas e da lucidez, exige mais compreensão e carinho e, quando o recebe, sabe retribuir com juros.

CONDUZINDO MISS DAISY é um verdadeiro poema sobre a arte de envelhecer. E a sólida atuação do elenco, sobretudo de Morgan Freeman, torna este filme imperdível.

Spoiler Rating: 84
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Rain Man

2008-02-07T07:04:00.000-02:00

Um vendedor ambicioso descobre no enterro de seu pai que tem um irmão mais velho e autista que vive num sanatório (e que o chama de Rain Man, porque o nome dele é Raymond), capaz de rasgos de inteligência matemática. Daí vem a idéia de levá-lo a Las Vegas para ganhar dinheiro.

Foi brilhante quem teve a idéia e quem achou que Dustin Hoffman e Tom Cruise realmente poderiam interpretar irmãos (eles são parecidos se você prestar atenção e se completam como atores).

Um filme de grande sucesso que ganhou Oscar de Filme, Direção (Levinson faz ponta como médico), Ator (o segundo para Dustin) e Roteiro Original. Acaba virando "Road Movie", mas sempre funciona (desta vez, sem restrições até mesmo para Hoffman - que com frequencia erra).

Spoiler Rating: 79
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O Último Imperador

2008-02-07T07:03:00.000-02:00

História de Pu Yi, O ÚLTIMO IMPERADOR da China. Orientado por um professor inglês, ele se torna virtual prisioneiro do palácio quando sai vencedora a Revolução Comunista.

Superespetáculo que ganhou nove Oscars, incluindo melhor Filme, Diretor, Roteiro, Fotografia, Direção de Arte, Edição, Figurino, Trilha Musical e Som. Foi o primeiro filme Ocidental a ter permissão para ser rodado na chamada Cidade Proibida, o Palácio Imperial (até mesmo porque o italiano Bertolucci sempre teve suas tendências comunistas).

A edição nacional em DVD, anuncia-se tradicional (a cópia é ruim), mas a americana é a chamada Director´s Cut, com cerca de uma hora a mais de projeção, cenas que ele teve de cortar (a pedido da Columbia que distribuiu o filme originalmente). São cenas que expandem detalhes do herói com sua ama e servem para explorar melhor a explêndida fotografia de Vitorio Storaro (que tem certas cores predominantes conforme o momento), e que tornam o filme mais lento, mas como nunca foi visto assim no cinema é uma curiosidade.

Spoiler Rating: 88
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Platoon

2008-02-07T07:00:00.000-02:00

PLATOON é um dos melhores filmes já feitos sobre a Guerra do Vietnã (e também sobre qualquer guerra). Foi o primeiro filme americano sobre o tema que deu uma idéia do que é estar bem no meio de um combate. Os heroísmos não parecem ensaiados, porque o roteirista e diretor Oliver Stone lutou realmente no Vietnã e, sendo assim, tudo é muito autêntico.

Os heróis-soldados dormem em pé, são incomodados por insetos, pela chuva e pelas armadilhas. Atiram a esmo, por puro desespero de não poderem ver o inimigo durante a noite na selva. Não há discursos. Os soldados são capazes, mesmo apavorados, de matar e eliminar uma aldeia a sangue frio. É difícil ficar impassível diante do que ocorre no filme.

Causa choque, raiva, emoção. Assim como APOCALIPSE NOW (que era mais um pesadelo, portanto menos realista), também foi rodado nas Filipinas. Narrado, inicialmente, por cartas para a avó, depois mergulha de cabeça no inferno.

Oliver Stone conseguiu a melhor interpretação do então galã Tom Berenger no papel de um psicopata (ele foi indicado ao Oscar). No outro extremo, Willem Dafoe, que tem cara de bandido, acabou sendo o sargento bom, Elias. Um filme forte e notável que foi a primeira parte de uma trilogia sobre a guerra - depois vieram NASCIDO EM 4 DE JULHO (1989) e ENTRE O CÉU E A TERRA (1993).

Premiado com os Oscars de melhor filme, direção, montagem e som.

Spoiler Rating: 82
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Entre Dois Amores

2008-02-07T06:58:00.000-02:00

ENTRE DOIS AMORES conta o romance entre a escritora Karen Blixen e o misterioso caçador Denys Finch Hatton, um aristocrata inglês, entre 1918-31, enquanto vivia no Quênia, na África, com o marido infiel.

Em fins dos anos 70, o projeto de filmar a vida da escritora Karen Blixen já havia sido planejado por Orson Welles e David Lean. O curioso é que Pollack procurou fazer um filme à maneira de Lean, com imagens bonitas, produção requintada (30 Milhões, bastante na época), mas narrado de forma lenta. Para comprovar como a narrativa é arrastada, basta dizer que o casal tem seu primeiro encontro depois de uma hora e meia de projeção. A reconstrução de época é impecável, quase um desfile de moda. Mas o austríaco Brandauer tem pouco a fazer.

Melhor está Kitchens como o amigo ambíguo de Denys. Streep está contida e Redford se limita a interpretar o único papel em que é realmente mestre: o de Redford (e não convence como inglês). Têm ainda três ou quatro finais. Um poema pastoral à Africa, superstimado em sua época, que curiosamente melhorou (talvez porque nos acostumamos a filmes longos). Premiado com os Oscars de Melhor filme, Diretor, Roteiro Adaptado, Fotografia, Trilha Musical, Direção de Arte e Som, foi ainda indicado para Atriz Coadjuvante (Klaus Maria Brandauer), Montagem e Figurino.

Spoiler Rating: 69
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Amadeus

2008-02-07T06:56:00.000-02:00

Ao morrer em 1823, o ciumento compositor Salieri afirma ter assassinado Mozart. Baseado no sucesso teatral de Peter Shaffer, remontado na Broadway com David Suchet, esta biografia do gênio musical Wolfgang Amadeus Mozart inventa, com inteligência uma rivalidade (em sua maior parte, fictícia) com o medíocre compositor contempôraneo Salieri

Não esconde as vulgaridades e limitações do homem Amadeus, mas também deixa claro seu brilhantismo como artista. Teve excelente produção rodada em Praga (muito bem fotografada por Miroslav Ondricek). Ganhou 8 Oscars: Filme, Direção, Ator (F. Murray Abraham, que interpreta Salieri), Roteiro Adaptado, Maquiagem, Direção de Arte, Som e Figurino. Indicado até mesmo para os que não conhecem ou não apreciam música clássica.

No final de 2002, saiu a edição especial, versão do diretor, em dois discos, com vinte minutos a mais de cenas inéditas, além de trailer de cinema, making of e comentários em video auxiliar.

Spoiler Rating: 89
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Laços de Ternura

2008-02-07T06:55:00.000-02:00

Aurora (Shirley MacLaine) e Emma (Debra Winger), mãe e filha, caminham juntas pela vida, mas por vias diferentes, pois ambas são distintas no comportamento. Aurora começa a acordar um pouco para a vida de mãe na época do casamento da filha. O filme acompanha vários anos de suas vidas, mostrando como elas continuam a viver e ter prazer nisso, embora haja muitas dificuldades.

Emma se vê diante da dificuldade de criar os filhos, manter o casamento e finanças não lá muito boas. Aurora redescobre a vida, conhecendo um astronauta aposentado, Garrett (Jack Nicholson, impagável), meio maluco e com fome de vida. Até que tudo parece desmoronar quando Emma se descobre portadora de grave doença. E todos vêem que podem encontrar o amor das mais variadas e contraditórias formas possíveis.

O filme marcou a década de 80, sendo o grande vencedor do Oscar de 83 nas categorias melhor filme, diretor para James L. Brooks, atriz para Shirley MacLaine, ator coadjuvante para Jack Nicholson e roteiro adaptado (prêmios também conseguidos no Globo de Ouro). Debra Winger também foi indicada como melhor atriz, e John Lithgow para ator coadjuvante.

Spoiler Rating: 73
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Gandhi

2008-02-07T06:47:00.000-02:00

GANDHI resistiu bem ao tempo. Este que é o melhor filme da carreira como diretor do ator britânico Richard Attenborough. Talvez porque tenha levado quase vinte anos para conseguir realizar o projeto, mas certamente por acertar na escolha do ator protagonista, uma interpretação estupenda, das mais antologicas já vistas no Cinema, de Ben Kingsley, um desconhecido ator teatral que realmente "encarna" o personagem real com absoluta perfeição.

Tão bem que faz transcender o filme, que poderia ter sido apenas uma convencional biografia mostrando como o herói estudou na Inglaterra, encontrou o preconceito em sua própria terra e aos poucos foi desenvolvendo uma política e uma filosofia que mudaram o mundo (e que deveria ser mais imitada hoje em dia). É também uma explêndida produção: Feita antes dos efeitos digitais, movimenta verdadeiras massas humanas em cenas impressionantes como o funeral, o massacre de Amristar - em que os ingleses atiraram em 15 mil pessoas - e a famosa marcha até o mar na qual Gandhi liderou as pessoas para demonstrar que o sal marinho pertencia a todos.

Um elenco igualmente competente cerca Kingsley, de tal forma que não parecem injustiça os Oscars que o filme levou: Melhor Filme, Ator, Diretor, Direção de Arte, Figurino, Roteiro, Fotografia e Montagem.

Spoiler Rating: 81
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Carruagens de Fogo

2008-02-07T06:44:00.000-02:00

CARRUAGENS DE FOGO narra a história real de Harold Abrahms, Eric Liddel e a equipe britânica que participou das olimpiadas em Paris, mostrando a luta de um jovem escocês religioso e de um judeu para se tornarem campeões.

Famoso por causa de sua trilha musical, de Vangelis (que de tanto tocada acabou ficando por demais brega) e por ter ganho quatro Oscars: Melhor Filme, Roteiro Original (Colin Welland), Trilha Musical e Figurino. Foi indicado também para ator coadjuvante (Ian Holm), Direção (Hugh Hudson perdeu para Warren Bety por REDS) e Edição.

Produzido por David Puttnam e Dodi Fayed, o filme fez inesperado sucesso. Mas numa revisão envelheceu mal. Mesmo o OSCAR poderia ter ido para outros concorrentes, todos superiores a ele (REDS, NUM LAGO DOURADO, ATLANTIC CITY e OS CAÇADORES DA ARCA PERDIDA). Além da cópia estar sofrível, o filme se confirma altamente convencional e academico, prejudicado também por uma edição em DVD abaixo da média.

Spoiler Rating: 73
LBC Rating: ~

Gente como a Gente

2008-02-06T10:28:00.000-02:00

O titulo do filme já leva a crer que a intenção foi contar uma historia que representasse uma situação universal, retratando problemas de uma típica família de alta classe media americana, no começo do que, mais tarde, alguns chamariam de "Era Reagan".

Os Jarrets são republicanos protestantes que tiveram sucesso financeiro sem grandes sacrifícios, apesar de pouca satisfação espiritual. Calvin (Donald Sutherland) é o pai. Advogado especializado em Direito fiscal, ganha muito dinheiro administrando o dinheiro alheio. Não é propriamente um ganancioso, mas dinheiro é a essência de sua vida, mexer com ele é o que sabe fazer bem.

Beth (Tyler Moore) é a mãe. Uma lady com muita classe, competente e fria, gosta de ordem e, para ela, tudo tem que ser perfeito.

Conrad (Timothy Hutton) é o filho de 18 anos. Não faz muito tempo, tentou suicídio. Não conseguiu deixar de se culpar por ter sobrevivido a um acidente de barco, no lago Michigan, há um ano e meio, em que seu irmão Buck (Scott Doebler) morreu.

Ele representa, por isso, para Beth, a desordem que ela odeia. A desordem mental que a bela fachada da mansão de Lake Florest, em Chicago, não pode esconder. Quando Conrad não consegue reassumir sua vida normal - mesmo tentando voltar às atividades escolares, como a equipe de natação -, fica dolorosamente obvio para o pai que ele precisa de ajuda profissional.

Beth procura aparentar que tudo esta bem. Ela continua jogando bridge e golfe, fazendo compras e se dedicando às suas obras de caridade. Mas Calvin sabe que, se não fizer alguma coisa rapidamente, acabarão perdendo o filho que lhes resta.

Duas pessoas influenciam positivamente o rapaz. Jeannine (Elizabeth McGovern), sua namorada, lhe mostra que ele é uma pessoa melhor do que imagina. E, principalmente, o Dr. Gerber (Judd Hirsch), um afetuoso e dedicado psiquiatra judeu, que conversa francamente com ele. Mas o de que ele realmente sente falta é do apoio paterno, de que alguém que o convença de que ele não é culpado pela tragédia da família.

Na realidade, há uma total incapacidade, entre os membros da família, de se comunicar uns com os outros. Alem de um ótimo e angustiado desempenho de Hutton, que lhe valeu o premio de melhor coadjuvante - apesar de ser o ator principal do filme -, dois outros se destacam, inclusive com mudanças radicais nos tipos de personagens de seus interpretes. Ate então, Mary Tyler Moore era sempre associada a comedias leves, ate pela serie de televisão que levava seu nome. Neste filme, ela consegue passar o desespero que carrega sob uma aparência plácida e fria. E Donald Sutherland, que, na década anterior, encarnou varias vezes personagens antiautoritarios, intelectuais, à margem das leis, vive um verdadeiro símbolo do establishment.

Spoiler Rating: 78
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Kramer vs. Kramer

2008-02-06T10:26:00.000-02:00

Ted Kramer é um homem recém-divorciado, para quem o trabalho vem antes da família. Por isso Joanna, sua ex-mulher, o deixou. Ted descobre a vida de dono-de-casa, pois o filho do casal, Billy, ficara com ele, e uma nova realidade lhe é apresentada.

Quando começa a se acostumar com a nova vida e as responsabilidades concernentes a ela, Joanna ressurge, requerendo a guarda de Billy. O pai se recusa a ceder e tem início um sério litígio no tribunal.

Foi o grande vencedor do Oscar de 1980, levando os prêmios de melhor filme, ator (Dustin Hoffman), atriz coadjuvante (Merly Streep), diretor, roteiro adaptado - os mesmos quesitos em que foi premiado no Globo de ouro do mesmo ano. O garotinho Justin Henry, que fez o filho do casal, foi indicado para ator coadjuvante, também para as duas premiações.

Spoiler Rating: 82
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O Franco-Atirador

2008-02-06T10:23:00.000-02:00

Mike (Robert De Niro), Steven (John Savage) e Nick (Christopher Walken) são amigos, numa comunidade de imigrantes russos ortodoxos, numa cidadezinha da Pensilvânia. Eles trabalham numa usina de aço e costumam beber juntos ou caçar veados.

Festejam o casamento de Steven com Ângela (Rutanya Alda), alguns dias antes de sua partida para lutar no Vietnã, onde suas ilusões de gloria seriam substituídas rapidamente pelos horrores da guerra.

Lá, juntamente com outros soldados, eles são feitos prisioneiros por guerrilheiros vietcongues e submetidos a terrível tortura moral. De dois em dois, sentados em extremidades opostas de uma mesa, são obrigados a participar de uma terrível roleta russa. Vários americanos e chineses morrem nesse jogo e, quando chega a vez de Steven, ele quase enlouquece de pavor.

Mike imagina um ousado plano de fuga. Desafia os inimigos a carregar as armas com três balas em vez de uma, para tornar a competição mais excitante. Mas, quando eles aceitam a idéia, Mike atira contra eles e conseqüentemente foge com Nick, rio abaixo, levando Steven ferido.

Mais tarde, os três se separam. Exausto, Nick desmaia e só acorda num hospital. Apesar do simpático atendimento da equipe medica, sua mente entra em processo de desintegração, devido à experiência como prisioneiro. Semanas depois, ao sair do hospital, é atraído, compulsivamente, para os lugares de jogatina de Saigon. Ali, jovens chineses se enfrentam na roleta russa para divertimento de homens de negócios que chegam à cidade.

Mike volta para casa são e salvo, mas sentindo-se incapaz de encarar as pessoas, exceto Linda (Streep), a antiga namorada do Nick. Os dois acabam se tornando amantes.

E é por ela que ele fica sabendo que Steven esta invalido, internado num hospital de veteranos. Mike vai visitá-lo. Fica sabendo que eles esta recebendo dinheiro de alguém no Vietnã.

Imaginando que é Nick que esta mandando esse dinheiro, Mike volta ao Vietnã, quando as tropas americanas estão se retirando. Em Saigon, contrata um guia para ajudá-lo encontrar o amigo. É levado, então, a um dos subterrâneos do jogo, onde encontra Nick, agora campeão de roleta russa do lugar. Nick, transformado num zumbi, viciado em drogas, nem reconhece Mike.

Num esforço para fazê-lo recuperar a memória, Nick insiste em jogar com ele. Os dois estão frente a frente, na mesa e a multidão em volta faz as apostas. Mas antes que a memória de Nick volte, ele explode os miolos com um tiro, afinal.

Mike fica arrasado emocionalmente. Mais tarde, ele leva o corpo de Nick para a sua cidadezinha. Depois do enterro, os amigos se reúnem no bar de John (Dzundza) para homenagear o morto cantando "Deus salve a América".

Danny Peary, em seu "Guide for the film Fanatic", lamenta a visão rascista de Cimino, que apresenta todos os vietnamitas como feras, comparando-as com o retrato dos japoneses feito pelos filmes americanos durante a Segunda Guerra. E estranha o uso de roleta russa como metáfora da insanidade da guerra, achando que "ele quer nos fazer acreditar que nossos soldados eram submetidos a isso, quando, na verdade, nunca houve tal referencia a tal coisa, no Vietnã. É estranho que ele use uma falsa realidade para nos dar uma interpretação daquele conflito". Mas acrescenta que "o filme tem força visual e uma interpretação convincente de Walken, alem de alguns bons momentos em cenas entre De Niro e Streep, depois que ele volta da guerra".

Spoiler Rating: 82
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Por Fernando Albagli ("Tudo Sobre o Oscar" - Ed. Zit)

Noivo Neurótico, Noiva Nervosa

2008-02-06T10:18:00.000-02:00

Alvy Singer, comediante nova-iorquino, é apresentado por seu melhor amigo a uma cantora de night club, Annie Hall. Quando ela se envolve com outro e vai para Los Angeles, ele resolve segui-la.

O filme mais famoso e premiado de Woody Allen, vencedor do OSCAR de Melhor Filme, Direção - que por sinal ele não foi receber porque no dia tocava em sua banda de jazz! - Roteiro Original e Atriz (Diane Keaton).

Inspirado na própria vida de Diane e sua família (até nas roupas dela e na relação que os dois tiveram como namorados e musa). O filme foi aperfeiçoado na edição e está repleto de grandes momentos e frases inteligentes. Junto com MANHATTAN é, sem dúvida, sua obra-prima (ele se dá ao luxo de trazer futuros astros em pontas, inclusive Sigourney num plano distante, difícil de enxergar na cena final).

Spoiler Rating: 82
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Rocky, O Lutador

2008-02-06T10:13:00.000-02:00

Em 1976, os americanos estavam descontentes: havia o clima de derrota na guerra do Vietnã, o escândalo de Watergate; enfim, a vergonha de ser americano. Foi preciso o cinema criar um herói como Rocky Balboa, um símbolo ufanista, aquele que mostraria que a América ainda continuava sendo uma terra de oportunidades.

Stallone escreveu o roteiro de ROCKY já havia alguns anos. Como não era ninguém ainda na indústria de Hollywood, demorou para conseguir vender sua idéia. Até que conheceu os produtores Irwin Winkler e Robert Chartoff.

Ambos gostaram da história, mas precisavam de um ator famoso para interpretar o humilde mas perseverante lutador de boxe que se torna um mito ao vencer o campeão mundial (Weathers).

Mas Stallone era o próprio personagem e precisava de uma chance: negociou a venda do roteiro por míseros cinco mil dólares, faria o personagem de graça e ganharia participação nas bilheterias. Deus certo.

O filme, que custou um milhão, rendeu perto de 60 milhões de dólares somente nos Estados Unidos e colocou o nome de Sly (o carinhoso apelido de Stallone) em evidência, sendo indicado pela Academia como melhor ator e roteirista. ''Rocky'' recebeu os Oscars de melhor filme do ano, direção e montagem - ainda teve mais quatro continuações, três delas dirigidas por Stallone.

Spoiler Rating: 80
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Um Estranho no Ninho

2008-02-06T09:32:00.000-02:00

Num asilo de loucos, McMurphy é um rebelde amoral que finge estar louco para não ser preso por estupro. Mas acaba provocando confusões com os outros doentes e entra em conflito direto com a enfermeira-chefe, que deseja fazer uma lobotomia nele.

Um livro famoso de Ken Kesey que durante anos Kirk Douglas tentou levar à tela. Mas foi recusado por todos os estúdios. Até que, velho demais para o papel, deu os direitos para o filho Michael Douglas, que conseguiu produzi-lo independentemente (por Saul Zaentz, o mesmo de AMADEUS e O PACIENTE INGLÊS). O resultado é que o filme foi apenas o segundo na história a ganhar todos os Oscars principais: Melhor Filme (para Douglas também), Ator (o primeiro de três para Nicholson), Atriz (Luise Fletcher que logo virou coadjuvante), Roteiro e Diretor (o tcheco Forman).

Em tom de comédia macabra, o filme pretende ser um grito à liberdade do indivíduo diante da opressão, uma forma diferente de apresentar a velha luta tantas vezes explorada pelo cinema: Homem contra Sistema. O enredo é altamente eficaz em retratar o sanatório, o uso de drogas, os eletrochoques e a lobotomia como métodos de repressão ao livre-arbítrio humano. Numa época em que a crença é a submissão, o desempenho de Nicholson vence e prevalece enquanto representação do espírito purificador, que vez em quando, aparece para nos renovar.

Spoiler Rating: 88
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Golpe de Mestre

2008-02-06T09:29:00.000-02:00

Num ano em que a nostalgia invadia os Estados Unidos (e, de lá, o mundo inteiro), a Academia premiou o tipo de filme que tinha feito tanto sucesso nos dias gloriosos de Hollywood: leve, divertido, bem produzido, com um belo visual - fotografia e direção de arte impecável - musica envolvente, ótimo elenco de apoio e uma dupla de atores cuja bilheteria já tinha sido provada antes (com o mesmo diretor e personagens aparentados) - Paul Newman e Robert Redford em BUTCH CASSIDY de 1969.

Tudo isso e um roteiro engenhoso, mas que não exigia qualquer espécie de reflexão: Em Joliet, Illinois, o velho trapaceiro negro Luther Colleman (Jones) e seu jovem protegido Johnny Hooker (Redford) conseguem enganar um trouxa, ficando com sua grana. Mais tarde, ficam sabendo que a vitima é um capanga de Doyle Lonnegan (Shaw), poderoso gangster de Chicago e verdadeiro dono do dinheiro.

Quando Luther é assassinado por um pistoleiro de Doyle, Hooker procura Henry Gondorff (Newman), em Chicago. Gondorff é amigo do morto e apontado por ele como o maior de todos na profissão.

Mesmo já se considerando aposentado, Gondorff concorda em ajudar Hooker, pondo em pratica um plano contra Doyle. Sabendo que o gangster tem um fraco por jogo, particularmente por corridas de cavalos, Gondorff joga cartas com ele, numa viagem de trem, para travar conhecimento. Depois, monta, com a ajuda de vários amigos contratados, uma casa de aposta falsa, onde Doyle começa a fazer pequenas apostas, que Gondorff e Hooker arranjam para que ele sempre ganhe.

Não muito tempo depois, Hooker procura Doyle e o aconselha a jogar tudo que puder num cavalo chamado Syphon, antes que a casa feche. Conta que foi procurado por um agente do FBI chamado Polk (Dana Elcar) que lhe propôs não prendê-lo se ele o ajudasse a prender Gondorff em flagrante. Doyle segue o conselho de Hooker. Mas quando esta apostando um milhão de dólares na corrida falsa, os agentes do FBI entram na casa e prendem Gondorff. Este percebe que foi traído e atira em Hooker, mas no mesmo instante é atingido por Polk. Assustado com os dois homens mortos, Doyle foge, deixando o dinheiro. Logo Gondorff e Hooker se levantam, ilesos. Tudo tinha sido uma farsa, nem Polk era agente federal, mas amigo dos mortos. A vingança tinha sido completa. Na surpresa final, o próprio expectador se sente (gostosamente) trapaceado.

A excelente reconstituição de época vai a pormenores, como o próprio logotipo da Universal, no principio do filme, que não era usado desde a década de 1940.

O resultado é que foi o grande premiado em seu ano com sete Oscars, incluindo Melhor Filme, Roteiro, Diretor, Trilha Musical, (utilizando temas de Scott Joplin, rearranjados por Marvin Hamlish). Embora um pouco longo, o filme é charmoso, com astros em plena forma, com senso de humor e suspense. Um clássico moderno.

Spoiler Rating: 83
LBC Rating: ~

O Poderoso Chefão

2008-02-06T09:20:00.000-02:00

O PODEROSO CHEFÃO trata da saga da família Siciliana dos Corleones que emigraram para a América. Na Primeira parte, Don Corleone está velho e preocupado com a sucessão de seu império entre os filhos. Na Segunda parte, Michael assumiu os negócios com a morte do irmão mas tem problemas com a abertura para o tráfico de drogas enquanto também se conta a história da chegada do pai à América e seu primeiro envolvimento com a Organização. Na Terceira, agora é Michael que pensa na sucessão familiar, retornando para sua terra na Sicília e pensando num sobrinho como herdeiro.

Ficaram lendárias as histórias por trás do GODFATHER, as pressões que Coppola sofreu por parte do produtor Robert Evans, que não desejava aceitar suas escolhas no elenco. Al Pacino era um desconhecido, James Caan por demais judeu para fazer um italiano e a carreira de Marlon Brando na época estava em plena decadência. Mas ele queria tanto o papel que aceitou fazer um teste, colocando algodão nas bochechas, e convenceu todo mundo que ele era a pessoa ideal para interpretar Don Corleone, o Grande Capo.

Outro problema foi a fotografia de Gordon Willis, que era considerada tão escura que nem sequer foi indicada ao Oscar. Mas Coppola sempre teve uma personalidade de chefão (cá entre nós, não houve um momento vendo esta saga em que você achou que estavam até fazendo propaganda da Máfia? Ou ao menos era "a favor" dela?) e foi capaz de impor suas vontades, inclusive em casos flagrantes de nepotismo.

No papel da filha de Brando, está sua irmã Talia Shire, o sobrenome veio do casamento dela com o compositor David Shire. Na trilha musical assinada pelo "felliniano" Nino Rota teve a ajuda do pai maestro dele, Carmine Coppola, que no segundo filme já assumiu toda a responsabilidade. E no terceiro filme, quando Winona Ryder ficou doente, ele colocou no papel a própria filha Sofia Coppola, feia e péssima atriz, que praticamente derrubou o filme. Em compensação, mais tarde, ela demonstrou grande talento como diretora em AS VIRGENS SUICIDAS e ENCONTROS E DESENCONTROS.

O primeiro "Chefão" ganhou apenas Oscars de filme, roteiro e ator para Marlon Brando (que recusou o prêmio, mandando uma índia receber por ele, em protesto ao tratamento que o povo americano deu aos índios em toda sua história). Mas fez história quando dois anos depois fizeram uma continuação tão boa quanto a primeira e que também levou o Oscar de melhor filme, caso único na história, ou pelo menos até 2003 com O SENHOR DOS ANÉIS.

Além de (novamente) roteiro, direção, trilha musical e ator coadjuvante, para Robert De Niro, que está brilhante fazendo o papel de Marlon Brando jovem, copiando seu jeitão, falando muito italiano mas sem nunca cair em caricatura (única vez em que dois atores ganharam Oscar fazendo o mesmo personagem). Os três filmes do "Chefão" foram reunidos numa única edição em DVD.

Aliás, eles foram os primeiros filmes do cinema moderno a utilizar o "Segunda Parte", "Terceira Parte" (não obviamente o Primeiro porque não se sabia que a fita seria sucesso e teria continuações). Antes eram usados recursos como "A Volta" ou "O Retorno de..." Isso porque a trilogia foi escrita, concebida e dirigida por um mesmo homem: Francis Ford Coppola.

O grande achado do roteiro de Coppola é ter mostrado a Máfia como uma grande empresa familiar que tem que se transformar. Ele tinha uma tese: todo "Big Business", todo capitalismo no fundo é uma espécie de Máfia. Ou seja, no fundo o filme é uma grande alegoria do capitalismo selvagem norte-americano, que é capaz de tudo, até de matar, para ganhar dinheiro.

É uma tese sem dúvida discutível mas fascinante que fez com que todo homem de negócios visse a fita com outros olhos. No primeiro capítulo, o que impressiona é que para os excessos de Brando, há a discrição de Pacino. A seqüência de tiroteio no restaurante é realmente espetacular. E mesmo a violência da fita parece justificada. E a porta se fechando na cena final é perfeita.

O segundo filme contava as duas tramas paralelas, a da chegada do jovem Corleone à América e como Michael (Al Pacino) consolidou seu poder. Um dos atores que fazia o irmão dele (John Cazale), que interpreta o traidor naquela altura, já sofria de um caso avançado de câncer que logo o mataria. O terceiro "Chefão" já não foi tão brilhante, veio bem mais tarde, em 1990, e Pacino já fazia um chefão cansado, separado da mulher (Diane Keaton) e passando o poder para o sobrinho (Andy Garcia).

Era a mesma equipe, teve várias indicações ao Oscar mas não levou nenhum. Foi o final apenas mediano de uma Saga fascinante, que transcende às meras convenções do gênero policial.

O PODEROSO CHEFÃO - PARTE I
Spoiler Rating: 91
LBC Rating: ~

O PODEROSO CHEFÃO - PARTE II
Spoiler Rating: 90
LBC Rating: ~

O PODEROSO CHEFÃO - PARTE III
Spoiler Rating: 85
LBC Rating: ~

Operação França

2008-02-06T09:17:00.000-02:00

Baseado em fatos reais acontecidos dez anos antes, é a historia de dois detetives do Departamento de Narcóticos de Nova York - Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman) e Buddy Russo (Roy Scheider) que interceptam um carregamento de heroína no valor de mais de 30 milhões de dólares e destroem a quadrilha sediada em Marselha, na França, apesar da decisão do Tenente Simonson, chefe do departamento, de encerrar o caso.

Na França, Alain Charnier (Fernando Rey), o chefe da quadrilha, espertamente, contrata Deveraux (Frederic de Pasquale), popular astro da televisão, para ajudá-lo a entregar a droga nos Estados Unidos. Calculando que a policia americana não suspeitaria do ator. Charnier esconde a heroína no carro de Deveraux, transportando-o para Nova York.

Lá, Doyle fica sabendo Charnier por seus informantes, e passa a vigiá-lo quando ele chega à cidade. Mas o francês percebe que esta sendo seguido e ordena a seu cúmplice Pierre Nicoli (Marcel Bozzuffi) que elimine o policial. Mas ele falha e é perseguido pelo detetive que acaba matando-o. A heroína é localizada, mas, na captura dos traficantes, o chefão escapa, e Doyle mata um colega por acidente. Sabe-se mais tarde, que Charnier nunca foi apanhado.

Uma das maiores qualidades do filme é a montagem ágil e precisa, inclusive com as seqüências de perseguição no trecho de superfície do metro - o traficante no trem, desgovernado depois que mata o maquinista, e o detetive, de carro - uma das maiores na historia do cinema

As locações de Nova York, suas imagens e sons, as tomadas com câmera na mão e luz natural, dão grande autenticidade ao filme. Os policiais são mostrados como brutais e vulgares, e "Popeye" quase como um sádico obsessivo - bravo, mas não propriamente um herói.

Uma curiosidade: os verdadeiros detetives que realizaram a captura da droga participaram do filme como atores - Eddie Egan (como Simonson) e Sonny Grosso (como agente do FBI). Por algum tempo, eles foram os oficiais de policia mais respeitados e temidos de Manhattan, sendo objeto de artigos e reportagens. Mas Egan foi afastado da policia, por não ter devolvido ao departamento todo o narcótico apreendido. Mudou-se então, para a Califórnia, onde foi contratado pela Paramount para dar idéias e consultoria em filmes policiais.

Foi o vencedor dos OSCARs de Melhor Filme, Diretor, Ator (Hackman), Roteiro Adaptado e Montagem

Spoiler Rating: 79
LBC Rating: ~

Patton: Rebelde ou Herói?

2008-02-06T09:14:00.000-02:00

Biografia do general americano George Patton, uma figura polêmica que foi um dos responsáveis pelo sucesso da invasão da Europa, vencendo os nazistas. Mas teve problemas ao esbofetear um soldado...

Embora seja lembrado hoje em dia mais porque George C. Scott recusou o Oscar de Melhor Ator que ganhou pela fita (afirmando não acreditar em prêmios), este é um dos melhores filmes de guerra já realizados, vencedor de outros 6 Oscars (Filme, Diretor, Roteiro Original - de Francis Ford Coppola e Dmund North -, Direção de Arte, Montagem e Som), a capinha do DVD fala erroneamente em 8! Feita em plena guerra do Vietnã, é um caso único de uma fita que agradou aos pacifistas tanto quanto os belicosos (no documentário que o acompanha, Oliver Stone chega a acusar o filme de ter influenciado o Presidente Nixon a invadir o Camboja, provocando assim o massacre do Khmer Vermelho). Sua intenção fica bem clara no título nacional (que é uma pergunta), já que o roteiro pinta um retrato humano, cheio de contradições de uma figura notável, cheia de defeitos e qualidades, um lider nato (que cometeu muitos erros).

É famoso também por sua incrível cena de abertura onde ele faz um discurso saindo de uma bandeira americana - de backgound - e dizendo que "nenhum bastardo ganhou uma guerra morrendo pelo seu país, mas fazendo os outros bastardos morrerem". A fita não teria funcionado não fosse a interpretação impressionante de Scott no papel título. Ma stambém é um belo trabalho do diretor Schaffner que também fez PLANETA DOS MACACOS, mas hoje está esquescido. Produção cara com 72 locações, rodado na Espanha.

Spoiler Rating: 81
LBC Rating: ~

Perdidos na Noite

2008-02-05T09:07:00.000-02:00

Lavador de pratos numa cidadezinha do Texas, Joe Buck (Jon Voight) resolve ir para Nova York, com sua vestimenta de cowboy, convencido de que, lá, poderia viver às suas custas de mulheres ricas e solitárias, a quem venderia seus favores sexuais.

Mas a vida na grande metrópole não e o que ele pensava. Seu sonho se desfaz. Passando por uma prostituta, uma religiosa fanática, uma grã-fina entediada e um homossexual, acaba conhecendo, na Times Square, Enrico "Ratso" Rizzo (Dustin Hoffman), um aleijado tuberculoso que vive de pequenos expedientes e cujo sonho é ir para Miami, lugar de muito sol, abandonando aquela terra fria em todos os sentidos. Os dois acabam grandes amigos, e Rizzo leva Buck para morar com ele, num edifício em ruínas, do Bronx, o bairro mais pobre da cidade. Lutando juntos pela sobrevivência, eles tentam cuidar um do outro.

Apesar de seu um filme essencialmente sobre a solidão, tem momentos de humor e calor humano. Mas um final trágico. Joe acaba roubando duas passagens de ônibus para Miami, com o intuito de realizar o sonho do amigo cada vez mais doente. Mas quando, finalmente, chegam lá, o pequeno Rizzo já esta morto.

O filme foi um grande sucesso, principalmente pela interpretação dos atores principais. Voight atingiu o estrelato da noite para o dia. Hoffman, numa caracterização completamente diferente do filme anterior, recebeu sua segunda indicação para o OSCAR, surpreendendo todos que acreditavam que o seu Bem, de A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM, tinha sido pura sorte de quem foi escalado para fazer um personagem que parecia com ele mesmo.

Premiado com o OSCAR de Melhor Filme, Roteiro e Diretor. Indicado como Ator (Voight e Dustin) e Coadjuvante (Sylvia Miles). Foi o único filme com cotação X (proibido para menores) a ganhar o Oscar de Melhor Filme (essa categoria foi substituida por NC-17). Foi o primeiro trabalho de Hoffman logo depois de A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM, fazendo um tipo completamente diferente, e o lançamento de John Voight como astro. Na verdade é uma história sobre solidão, dois perdidos na cidade grande.

O filme não desaba num romantismo por causa da dupla central. Dustin não consegue fugir a uma certa caricatura, mas Voight consegue passar o ser humano de trás da limitações da inteligência do personagem. A direção é bem de epóca, com efeitos barrocos. Lançou uma canção que se tornou sucesso: "Everbody´s Talking".

Spoiler Rating: 79
LBC Rating: ~

Oliver!

2008-02-05T09:04:00.000-02:00

Nas ruas de Londres do século 19, um rapaz, Oliver Twist, que foi vendido à um orfanato, foge e se envolve com um grupo de meninos de rua que são dominados por um ladrão, Fagin, que os obriga a roubar como batedores de carteiras. Mas ele tem um segredo de família.

Versão musical feita por Lionel Bart do livro clássico "Oliver Twist", de Charles Dickens, sucesso no palco e dirigido com tranquilidade pelo veterano e excelente Carol Reed (tio de Oliver Reed, que faz o vilão Bill Sykes e é autor de O TERCEIRO HOEM). Ron Moody interpreta de forma caricatural (mas adequada) o papel de Fagin, e para o papel-título encontraram um menino com a figura certa - Marc Lester (que faria certa carreira como ator, mas sumiria como adulto).

Foi feito com clima de superprodução em grandes sets na Inglaterra e ganhou Oscars de Melhor Filme, Direção, Direção de Arte, um especial de coreógrafia para Oona White, Som e Trilha Musical. Mas é um filme difícil de ver para quem não gosta de musicais teatrais.

Spoiler Rating: 76
LBC Rating: ~

No Calor da Noite

2008-02-05T08:58:00.000-02:00

Numa cidadezinha do estado sulista de Tenessee chega um oficial policial negro da Filadelfia, Virgil Tibbs, para ajudar o xerife racista local a resolver um caso de assassinato de um importante homem de negócios.

É preciso situar-se em sua epóca, em plena luta pelos direitos civis, quando ainda era corajoso, ousado e polêmico criticar o rascismo e defender os negros, para entender o sucesso desse filme que ganhou 5 OSCARs: Melhor Filme, Ator (Rod Steiger), Roteiro, Edição (O futuro diretor Hal Ashby, muito elogiado por seu trabalho) e Som. Mas não ganhou diretor para Norman Jewison. Ele perdeu para Michael Nichols por A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM. Décadas depois ele levou um Oscar especial da Academia.

Na verdade, os prêmios estavam errados, Steiger ganhou por consolação (ele merecia por O HOMEM DO PREGO (1965), merecia mais Poltier (que já tinha ganho em 1961 por UMA VOZ NAS SOMBRAS). Também a trilha musical de Quincy Jones é marcante, assim como a excelente fotografia de Haxwell Wexler. A fita deu origem depois a uma série de TV com Carroll O´Connor (de 1988 a 1990).

O filme revela os sinais de uma época, na fotografia (com o uso pioneiro da lente zoom, que muda o foco no meio de uma tomada) e em certos confrontos. Mas ainda é bem dirigida e eficiente, desde a chegada do policial (que por ser negro é imediatamente preso) até a frase famosa de Poltier: "They call me Mr. Tibbs", aliás, ele voltaria representar o mesmo personagem em duas fitas inferiores, em NOITE SEM FIM (1970) e A ORGANIZAÇÃO (1971). Steiger, como de hábito, super-representa, mas tem uma presença marcante. Traz música-tema homônima de Quincy Jones, interpretada por Ray Charles.

Spoiler Rating: 81
LBC Rating: ~

O Homem que Não Vendeu sua Alma

2008-02-05T08:53:00.000-02:00

Parece extremamente oportuno - nessa época em que os homens públicos têm pouca ou nenhuma preocupação com a verdade, a consciência ou os escrúpulos - rever este multipremiado drama histórico baseado na famosa disputa entre Sir Thomas More (ou Morus) e o rei Henrique 8º, da Inglaterra.

A trama se baseia justamente na força necessária para se contrapor a um governante déspota ou a um ambiente de interesses que estimula a ambição e a adulação. More (feito pelo grande ator de teatro Paul Scofield), popular e amigo do rei, se recusa a prestar o juramento que daria seu importante apoio à separação entre a Inglaterra e a Igreja Católica. Henrique 8º havia tomado essa decisão para poder se divorciar de sua primeira esposa, Catarina de Aragão, devota e inteligente, mas que não lhe deu um filho homem. O objetivo do monarca era se casar com a bela Ana Bolena (uma pequena participação especial de Vanessa Redgrave, pela qual ela não aceitou pagamento). O episódio resultaria no surgimento da Igreja Anglicana.

More luta, então, para sobreviver e proteger sua família do furacão provocado por sua rebeldia. É necessário relevar as liberdades tomadas com os acontecimentos históricos e, em especial, o retrato idealizado de More. O filme ignora seu fanatismo religioso, que pregava o ódio aos protestantes, suas reservas em relação ao papado, sua defesa da morte na fogueira para os hereges, sua participação ativa nas intrigas palacianas do dia-a-dia (mesmo assim a Igreja Católica o canonizou). No filme, ele é um símbolo de integridade e crença na força da fé e da consciência.

Baseado em peça teatral de Robert Bolt, que também fez o roteiro, o filme tem pouca movimentação e se baseia no cuidadoso diálogo, dando oportunidade para as grandes atuações de Scofield (que lhe deu um merecido Oscar), Wendy Hiller (como a esposa de More, Alice) e Robert Shaw, ambos indicados como coadjuvantes, além de John Hurt, Leo McKern, Susannah York e Orson Welles, que aparece rapidamente no começo como o cardeal Wolsey. Na cerimônia do Oscar, ganhou os prêmios de melhor filme, direção, roteiro adaptado, fotografia e figurino. A direção é do sempre competente Fred Zinnemann, o mesmo de A UM PASSO DA ETERNIDADE.

Spoiler Rating: 81
LBC Rating: ~

A Noviça Rebelde

2008-02-05T08:41:00.000-02:00

O que há de tão extraordinário em NOVIÇA REBELDE (1965), que encanta tanto os espectadores? História romântica, presença de crianças, uma trilha musical agradável, belas paisagens, será só isso? Não creio, existem muitos outros filmes com estes mesmos elementos que hoje amargam o esquecimento. Para entender o que torna o filme tão especial, é melhor ir por partes...

Talvez o elemento que mais fascine seja o fato de que quase tudo que é visto no filme, aconteceu de verdade. É fato que Maria, candidata a freira pouco ortodoxa, foi trabalhar como governanta na casa de Georg Von Trapp, viúvo e pai de sete filhos. Capitão reformado da marinha, Georg tenta reorganizar sua vida após a perda da primeira mulher. Ao conhecer Maria Kutscher, rompe o noivado com uma nobre vienense e casa-se com ela. Como está no filme, afronta o domínio nazista na Áustria e foge ao ser convocado para integrar a marinha alemã. Tudo isso está lindamente exposto no filme, personificado por Julie Andrews, Christopher Plummer e um grupo de talentosas crianças.

A NOVIÇA REBELDE foi um filme notável não apenas pela história que contava. Há também a trilha musical que foi exaustivamente elaborada, pois além do filme ser um musical, estava retratando uma família que era famosa por sua musicalidade.

A fotografia é algo surpreendente, não só nas tomadas ao ar livre nos Alpes, mas também nas filmagens em cenário, em especial as noturnas. Observem as cenas no cemitério do convento e também quando Maria e Georg se entendem no jardim. Uma curiosidade sobre esta cena: Julie e Plummer não conseguiam conter o riso quando iam filmar e depois de trinta tomadas, resolveram fazer a cena em contraluz, que rendeu uma imagem fantástica.

Para a 20th Century Fox, A NOVIÇA REBELDE representou o renascimento do estúdio. Quando todos esperavam a falência do grupo, que vinha de um fracasso monumental que foi CLEOPATRA, Ernest Lehman, o roteirista de O REI E EU e AMOR SUBLIME AMOR foi contratado para escrever o script do novo filme. O primeiro diretor contratado, William Wyler, que vinha do megasucesso BEN-HUR queria fazer uma história de guerra, com canhões, tanques e bombas. Por fim, Robert Wise, o mesmo diretor de AMOR SUBLIME AMOR foi escolhido.

A NOVIÇA REBELDE foi um filme onde tudo deu certo. Uma boa história, um bom roteiro, uma direção segura, trilha musical impecável, elenco profissional e fotografia primorosa. A resposta da crítica e do público não poderia ser diferente do que foi. O filme ganhou cinco Oscars: Melhor Filme, Direção, Edição, Trilha Musical e Arranjos. Em todos os países do mundo a recepção foi calorosa, com a única exceção da Alemanha. Lá só foi exibida uma versão sem o terço final do filme. É curioso, pois em 56 e 58 foram rodados lá os primeiros filmes sobre a família Trapp.

Spoiler Rating: 93
LBC Rating: ~

My Fair Lady

2008-02-05T08:27:00.000-02:00

Na antiga Londres, um professor de línguas defende a teoria de que as pessoas são julgadas pelo modo que falam. Para provar sua tese, aposta que é capaz de pegar uma florista de rua, que trabalha no Convent Garden, o mercado central, e transformá-la numa verdadeira dama.

Inspirado na lenda grega de Pigmalião e baseada na peça homônima de Bernad Shaw, que é seguida praticamente a risca na versão de Alan Jay Lerner e Frederick Loewe, a qual fez sucesso durante anos na Broadway com Rex Harrinson e a novata Julie Andrews.

A fita foi produzida pelo próprio dono do estúdio, Jack Warner, que relutou em chamar Harrison (acabou sendo forçado por pressões sociais, já que era impossível imaginar o personagem do professor Higgins sem ele) e não quis Julie Andrews (ironicamente no mesmo ano, Disney a lançou em "Mary Poppins" e ela ganharia o Oscar de atriz, quase como uma desculpa por ter perdido o papel). Audrey nem sequer foi indicada, mas foi à Festa e se comportou como uma dama. Mesmo porque o problema é que mesmo como florista, ela continua sendo uma dama. O filme poderia ter mais números de dança, mas a produção é suntuosa, utilizando a mesma equipe de montagem teatral com figurinos de Cecil Beaton (GIGI).

Ganhou 8 Oscars: Melhor Filme, Direção, Ator, Fotografia, Figurinos, Trilha Musical Adaptada, Direção de Arte e Som.

Spoiler Rating: 83
LBC Rating: ~

As Aventuras de Tom Jones

2008-02-05T08:23:00.000-02:00

Tony Richardson, produtor e diretor do filme, teve dificuldades em conseguir quem o financiasse. A United acabou bancando e distribuindo aquela que foi uma das mais caras produções inglesas até então. Mas o risco valeu a pena. O filme proporcionou grandes bilheterias em todo o mundo e foi o primeiro filme inteiramente realizado na Inglaterra a ganhar um Oscar principal, depois de HAMLET, 15 anos antes.

Passada no século 18, em Somerset e Londres, a historia é sobre o filho ilegítimo de uma criada, o jovem Tom (Albert Finney, em vibrante interpretação), personagem que mescla ingênua inocência com alegre imoralidade. A disposição do publico em aceitar um herói tão ambíguo e contraditório mostra que já estava preparado para fugir dos clichês e convenções da maior parte das produções que Hollywood exportava para o mundo.

Adotado por um fidalgo, Tom acaba expulso de casa e leva uma vida de aventuras, nas quais as mulheres desempenham importante papel, ate que, no final, acusado injustamente de roubo, consegue escapar com força.

À primeira vista, John Osborne não parecia a pessoa mais indicada para adaptar às telas o romance pitoresco de Henry Fielding. Autor de peças de protesto social, ele ficara conhecido como o mais franco dentre os dramaturgos do movimento conhecido como dos "Angry Young Men". Mas, aqui, provou sua versatilidade como escritor, ao mesmo tempo em que descobriu novas maneiras de expor idéias, sem abrir mão da consciência social que marcava suas obras. E isso foi possível porque Fielding também estava interessado em sátira social. A construção de personagens como Western (Hugh Griffith) e outros representantes da nobreza da época deu chance para que Osborne escrevesse um roteiro de comedia, mas que contem, igualmente, serias observações sociais.

A direção de Richardson procurou se adequar ao espírito do texto. E ele fez isso usando (e, às vezes, até abusando) muitos recursos cinematográficos - truques de lentes, câmeras rápidas, congelamento de imagens, montagem frenética e personagens que falam diretamente para a câmera.

Algumas seqüências são excelentes, como a inicial, onde o bebê Tom aparece pela primeira vez; a da caça a raposa através dos bosques e campos, filmada como uma comedia muda de Keystone e intercalando tomadas com a câmera na mão com outras de helicópteros; a da refeição que Tom faz com Mrs. Waters (Redman), na estalagem, prenuncio de uma relação sexual entre os dois, quando Tom cobre a câmera com o chapéu, para não serem vistos pelos espectadores.

Boa solução também é a ocasional e espirituosa narração de Michael MacLiammoir, comentando os acontecimentos. O filme marca a estréia de Lynn Redgrave (a caçula das Redgrave), ao lado de sua mãe. Rachel Kempson.

Spoiler Rating: 72
LBC Rating: ~

Lawrence da Arábia

2008-02-05T08:20:00.000-02:00

Dentro dos filmes mais bonitos, mais bem fotografados, mais perfeitos, reserve sempre um lugar para as obras de David Lean. LAWRENCE DA ARÁBIA é até hoje o exemplo perfeito de como se fotografar um filme no deserto. Ninguém conseguiu fazer melhor, nem acredito que tentará. Este é um filme definitivo também como biografia, que mostra muito e explica muito pouco. Falando de um personagem controvertido e ambíguo, que teve um papel político confuso, é um verdadeiro milagre que sustente o interesse e por vezes até empolgue. É sempre graças ao trabalho do diretor, que fotografa as dunas de maneira irretócavel, que se dá ao luxo de utilizar o calor da areia formando o que primeiro parece uma miragem e que aos poucos vai tomando forma, é a primeira aparição de Omar Sharif no filme. Grandioso sem ser grandiloquente, épico sem cair em exageros, histórico sem se tornar didático, Lawrence é uma obra-prima no gênero, de tal forma que fia díficil pensar num deserto sem imaginar na fotografia de Freddie Young e a música de Maurice Jarre.

Antes de sua morte, David Lean ainda teve tempo de supervisionar a restauração desse seu filme, que foi relançado em versão completa (inclusive com uma cena polêmica em que o herói era estrupado pelo árabe Jose Ferrer, deixando mais clara a opção homossexual posterior do protagonista). Foi Lawrence que lançou o pouco conhecido irlandês Peter O´Toole, depois de terem sido considerados Albert finney, Anthony Perkins e Guiness (que era velho demais para o papel). Com seu cabelo pintado, ficando mais loiro (e ainda uma operação plastica para tornar mais reto o seu nariz!), ele teve também de controlar suas lendárias bebedeiras para que Lean o aceitasse no papel. Mas foi díficil, pois durante as filmagens ele teve uma longa sucessão de queimaduras, ligamentos quebrados e outros problemas semelhantes. Além de ter sido mordido e derrubado por camelos diversas vezes.

Na cena do acidente de moto, a última filmada, quase que o ator realmente morreu quando o veículo se desmontou inteiro. Dizem que ao final das filmagens ele se retirou apra um hospital para descansar. O filme transformou em astro mundial um ator egipcio, que era astro em sua terra natal, Omar Sharif que mais tarde interpretaria, com o mesmo diretor, o papel-título de DR. JIVAGO. Todas as cidades (Damasco, Cairo, Jerusalém) foram recriadas na Espanha e, para interpretar mulheres muçulmanas, algumas foram realmente levadas do Egito.

O filme ganhou 7 Oscars, inclusive Melhor Filme, Diretor, Direção de Arte, Fotografia, Montagem, Trilha Musical e Som, mas não para ator (O´Toole perdeu para Gregory Peck), nem coadjuvante (Sharif perdeu para Ed Begley). A fita custou na época a fortuna de 15 milhões de dólares.

Spoiler Rating: 86
LBC Rating: ~

Amor Sublime Amor

2008-02-05T08:19:00.000-02:00

No bairro Oeste de Nova York, duas gangues de jovens porto-riquenhos, os Sharks e os Jets, lutam pelo controle do lugar. Mas um rapaz que largou a gangue dos Jets se apaixona por Maria, irmã do líder dos Shanks, provocando uma tragédia.

Versão musical de "Romeu e Julieta" de Shakeaspeare para o palco por Arthur Laurents e depois para o cinema por Ernest Lehman, com o mesmo coreográfo Jerome Robbins, que fez parceria com o diretor Robert Wise. Na verdade, o filme é melhor que a peça, dramaticamente mais ajustado e muito cinemático.

Embora Natalie e Richard tenham sido dublados (respectivamente por Marnie Nixon e Jim Bryant), isso não perturba o esplêndido resultado, que inclui os letreiros de abertura, o final de Saul Bass (a fita tinha overture, como era moda na época), e a idéia genial de começar a narrativa do outro lado do rio e depois contar a rivalidade entre as Gangues por meio de uma longa coreografia.

Premiado com dez OSCARs: de Melhor Filme, Direção, um especial de coreografia de Robbins, Atores Coadjuvantes (Rita e George), Fotografia, Figurino, Direção de Arte, Montagem e Arranjos Musicais.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Se Meu Apartamento Falasse

2008-02-05T08:15:00.000-02:00

Ao mesmo tempo comedia de situações e sátira social, foi o ultimo filme em preto e branco a ganhar o Oscar de Melhor Filme, até 1993, quando Steven Spielberg produziu e dirigiu A LISTA DE SCHINDLER.

É a historia de um jovem e solitário executivo de segundo escalão de uma grande companhia nova-iorquina, C.C. "Bud" Baxter (Jack Lemmon), que empresta seu apartamento de solteiro a superiores casados, para encontros mais seguros e confortáveis com suas amantes. Em troca, prometem-lhe uma futura promoção que eles garantem conseguir com o chefão Jeff D. Sheldrake (Fred MacMurray).

Baxter já esta quase desistindo dessas promessas e, agora, só pensa em conseguir marcar um encontro com a atraente ascensorista da firma, Fran Kubelik (Shirley MacLaine), por quem esta apaixonado.

De repente, porém, sai a promoção. O rapaz é transferido para uma sala só dele, com secretaria particular e sala só dele. Mas, certa noite, Baxter encontra Fran inconsciente em seu apartamento. Descobre, então, que ela é amante de Sheldrake. E tinha tentando o suicídio porque ele se recusava a deixar a mulher.

Como em todos os filmes em que foram parceiros de roteiro, Wilder e Diamond optam por um sinal moralista, nessa fabula sobre personagens imorais. Os velhos valores se reafirmam, depois que Fran é tratada com carinho por Baxter e descobre o verdadeiro amor. E ele pede demissão da companhia.

O filme encara as fraquezas humanas com humor e compreensão. Os jovens e excelentes protagonistas se completam. Ela, comovente e vulnerável, ele, patético e engraçado, como na chapliniana cena em que usa uma raquete de tênis como escorredor de espaguete.

Spoiler Rating: 83
LBC Rating: ~

Ben-Hur

2008-02-04T09:03:00.000-02:00

Durante muito tempo a superprodução da Metro BEN-HUR foi campeã absoluta em prêmios da academia, recebendo onze Oscars. TITANIC de 1997, dirigido por James Cameron e SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI, de Peter Jackson, empataram com o clássico, quase 40 anos depois.

Estão incluídos na lista melhor filme, diretor e ator, para Charlton Heston no papel de Judá Ben-Hur. Ele é um rico judeu que vive na Jerusalém do início da Era Cristã. Preocupado em evitar o domínio de Roma, acaba se unindo a seus compatriotas mas cria inimizade com o romano Messala.

Hollywood sempre apostou nos épicos religiosos como esse. E BEN-HUR, um enorme sucesso na época, inaugurou o gênero aventura nos moldes que conhecemos hoje.

Uma das sequências mais famosas é a da corrida de bigas, onde também apresenta uma série de novas técnicas em efeitos especiais. Na corrida, boa parte da platéia que se vê foi criada em maquetes e sobreposição de imagens. O resultado é impressionante. São 15 minutos excepcionais e ainda não superados. As belas imagens e enquadramentos, além da direção de Wyler, naturalmente, se devem à excelente fotografia de Robert Surtees (também levou o Oscar).

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Gigi

2008-02-04T08:55:00.000-02:00

Na Paris da chamada Belle Époque, uma adolescente - GIGI - está sendo criada pela avó e pela tia para ser uma perfeita cortesã e ter muitos amantes ricos. Mas um solteirão cobiçado se apaixonou por ela.

Baseado no livro de Colette, que Audrey Hepburn interpretou no palco (escolhida pela própria autora) e Daniele Delorme num filme francês (1948), este é o único musical composto especialmente para o cinema pela dupla de MY FAIR LADY, Alan Jay Lerner e Frederic Loewe (ainda por cima com a participação do figurinista e diretor de arte daquele sucesso, o lendário Cecil Beaton, que desta vez se supera). Dirigido com muita elegância por Vicent Minnelli, trouxe de volta o astro francês Maurice Chevalier, que havia sido sucesso nos EUA nos anos 30, e que por este filme ganhou o OSCAR especial e continuou a carreira até o fim da vida.

É ele que conta diretamente para a câmera a história da adorável GIGI e seus problemas românticos (feita por Leslie Caron, de SINFONIA EM PARIS e LILLI, que tem um charme todo especial, ainda que ajudada nas canções pela voz de Betty Wand). O filme foi quase todo rodado em Paris e tem um visual espetacular. É uma pequena jóia de um mundo elegante e sofisticado que não existe mais. A trama também é ousada e divertida, afinal Gigi está sendo treinada para explorar os homens de quem seria amante. Má, inclusive, com uma mãe que nunca aparece em cena. Jourdan saiu-se bem cantando/falando suas músicas, inclusive a canção título que ganhou o OSCAR. O filme mereceu outros OSCARs, Melhor Filme, Direção, Roteiro, Fotografia, Trilha Musical Adaptada (para Andre Previn), Direção de Arte, Figurino. Entre os pontos altos está o dueto "I Remember it Well", e Chevalier agradecendo por não ser mais novo ("I´m Glad I´m not Young Anymore").

Spoiler Rating: 74
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A Ponte do Rio Kwai

2008-02-04T08:51:00.000-02:00

Durante a Segunda Guerra Mundial, soldados britânicos são forçados a construir uma ponte sobre o Rio Kwai na Tailândia. Mas acabam ficando orgulhosos demais de sua obra enquanto comandos aliados tentam explodir a ponte.

Antes desse filme, David Lean ainda não era conhecido como o diretor de grandes espetáculos. Baseado no livro de um francês, Pierre Boulle, o mesmo autor de "O Planeta dos Macacos". O roteiro foi escrito inicialmente por Carl Foreman, mas Lean não gostou do resultado e chamaram outro americano exilado pela lista negra do macarthismo, Michael Wilson. No final das contas, nenhum deles pôde ser creditado, e quem absurdamente acabou ganhando o OSCAR foi Boulle. Só mais de quarenta anos depois é que a injustiça foi corrigida.

Para o papel do americano líder do comando que tenta destruir a ponte pensaram no inglês Cary Grant, mas quem ficou com o papel foi William Holden, que se tornou, com a fita, o ator mais bem pago do cinema. Seu agente, lhe conseguiu, além dos 300 mil dólares, 10% dos lucros, o que deixou Holden rico para o resto de sua vida. Para interpretar o Coronel, pensaram em Noel Coward, Laurence Olivier, James Mason, Ray Milland, Charles Laughton, porém, Lean conseguiu convencer seu velho amigo e parceiro de outros filmes Alec Guiness. E para interpretar o comando japonês do campo foi chamado o veterano astro de cinema mudo Sessue Hayakawa, que chegou a ser indicado como coadjuvante no Oscar.

O engraçado é que ele aprendeu os dialogos foneticamente e nunca se deu ao trabalho de ler o roteiro completo, não tinha a menor idéia do que os outros estavam falando. As filmagens no antigo Ceilão, hoje Sri Lanka, foram muito contubardas. Outra imposição dos produtores: Criaram um interesse romântico superflúo, de que Lean nunca gostou, de Holden por uma enfermeira interpretada por Ann Sears, irmã de outra atriz da época, Heather Sears. Foi preciso construir para o filme, uma ponte de verdade, que teria de ser explodida no final, o que aconteceu sem efeitos especiais (Foi para valer mesmo!), ao contrário do livro, no qual isso não sucede. Houve outros problemas: Lean entrou em conflito com o elenco britanico, que era rebelde e não queria usar como tema a antiga marcha militar Coronel Bogney porque ela ficaria conhecida por colocarem nela versos escatólogicos. A solução de Lean foi brilhante: pôs todo mundo assobiando, e a melódia virou desde então um clássico. Premiado com Oscars de Melhor Filme, Ator (Alec Guiness), Roteiro Adaptado, Fotografia, Montagem, Trilha Musical e Diretor.

Spoiler Rating: 84
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A Volta ao Mundo em Oitenta Dias

2008-02-04T08:30:00.000-02:00

A VOLTA AO MUNDO EM 80 DIAS só se tornou realidade devido à ambição de um homem: Michael Todd. Produtor de peso do show business na Broadway, Todd ganhou milhões produzindo os maiores espetáculos musicais dos anos 40/50. Entrou no mundo do cinema na transição do cinema mudo para o falado, fundando um estúdio sonoro, mas só em 1956 lançara o seu primeiro e único filme. A partir de um roteiro que todos tinham a certeza de ser uma bomba, Todd acatou o desafio e decidiu produzir A VOLTA AO MUNDO EM 80 DIAS com dinheiro do próprio bolso, após vender a sua parte do Cinerama (o início do WideScreen). O resultado fora uma obra imortalizada com cinco Oscar: Melhor Filme, Roteiro Adaptado, Montagem, Fotografia e Trilha Musical.

O filme, ambientado no final do século XIX, gira em torno de Phileas Fogg (David Niven, em seu papel predileto), um milionário que freqüenta um clube requintado de almofadinhas em Londres. Fogg é mais conhecido por sua extrema pontualidade, por ter vários relógios em casa e por suas obsessões, como apenas comer a torrada em uma temperatura exata e dividir o armário em roupas para manhã, tarde e noite e de acordo com as estações do ano. E é nesse clube que ele aceita uma aposta com os membros esnobes do igualmente esnobe Reform Club: Dar a volta ao mundo em oitenta dias...

Junto com Passepartout seu fiel e mulherengo mordomo, Fogg, usa toda sua riqueza, em sua viagem, tendo que lidar com o resgate da princesa Auoua, na Índia, com o ataque de índios nos Estados Unidos, com a perseguição do detetive Fix, que acredita piamente que o sr. Fogg é um ladrão de bancos profissional, com os indianos que consideram a vaca um animal sagrado e com muitas outras confusões.

A VOLTA AO MUNDO EM 80 DIAS é um excelente filme de aventuras que conta com um elenco estelar onde, entre muitos, encontram-se David Niven, Buster Keaton, Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Charles Boyer e Trevor Howard. Cantinflas, o famoso comediante mexicano, em sua primeira aparição num filme americano, está maravilhoso. David Niven e Shirley MacLaine merecem igual destaque.

Spoiler Rating: 78
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Marty

2008-02-04T08:26:00.000-02:00

MARTY foi o primeiro filme baseado numa telepeça a fazer sucesso no cinema. Originalmente apresentado no respeitado programa "Playhouse 90", o texto de Paddy Chayefsky, dirigido por Delbert Mann e estrelado por Rod Steiger, foi adaptado para a tela grande por insistência do produtor Harold Hecht. Com o mesmo diretor e Borgnine no lugar de Steiger, a historia sofreu algumas modificações, por simples razões comerciais, como transformar o açougueiro Marty, do Bronx, de judeu, em ítalo-americano, porque a colônia italiana, é bem maior que a judaica, nos EUA.

A historia é simples. O gordo Marty é sempre atormentado pela família, por ainda estar solteiro, aos 34 anos. Certa noite, num salão de baile público, conhece Clara, uma professorinha solteirona (Betsy Blair, na época mulher de Gene Kelly), sensível, mas nada atraente, que acaba de levar um "bolo" num encontro. Os dois se apaixonam. Mas a Sra. Pilletti (Minciotti), mãe de Marty, não tem a menor simpatia pela moça, que não é descendente de italianos. O resto da família e os amigos do açougueiro também tentam convencê-lo de que ele merece coisa melhor. Nas seqüências finais, ele se liberta da influencia de todos e marca um segundo encontro com a moça, chegando à conclusão de que ela é a melhor coisa que ele lhe aconteceu na vida. Satisfeito com o que considera uma vitória pessoal, o desarticulado Marty manifesta sua felicidade dando um soco numa placa de "Pare", o que é bem significativo como um símbolo da sua atitude independente.

As locações em Nova York, fotografadas em preto-e-branco pelas câmeras de Joseph LaShelle, dão autenticidade visual ao filme.

E as perceptivas observações de Chayefsky sobre a forma de gente comum encarar a vida são mantidas, inclusive em alguns deliciosos diálogos, como aquele em que a turma de Marty comenta romances de seu escritor preferido -Mickey Spillane-, vibrando à medida que recordam passagens sanguinolentas das historias, que soam absurdas pelas descrições.

O orçamento da produção foi de apenas 343 mil dólares. A finalidade da empresa produtora, a Hetch and Lancaster´s Steven Productions, de Harold Hetch e Burt Lancaster, era fazer um filme que desse algum prejuízo para descontar nos impostos, dos lucros de outros projetos. Mas quando começou o sucesso de critica e de bilheteria, foram empregados mais de 350 mil em promoção e publicidade

Spoiler Rating: 77
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Sindicato de Ladrões

2008-02-04T08:20:00.000-02:00

Depois da morte de seu irmão, um jovem estivador luta contra a organização mafiosa que controla as Docas de Nova York. SINDICATO DE LADRÕES foi premiado com os Oscars de Melhor filme, Roteiro, Direção, Fotografia, Direção de Arte, Ator (Marlon Brando) e Atriz Coadjuvante (Eva Marie). Foi indicado nas categorias de Melhor Música e Ator Coadjuvante (Lee J.Cobb, Karl Malden e Rod Steiger). O dramaturgo Arthur Miller recusou continuar participando do roteiro porque brigou com o diretor Kazan, quando este delatou seus ex-colegas de Partido Comunista perante a comissão de inquérito do Congresso. Schulberg, o roteirista, também foi um dos que delataram os amigos. Por isso, o filme é considerado uma justificativa da delação. A principio o próprio Brando não quis fazer o papel (mas só aceitou porque Kazan era seu descobridor e eles já tinham feito duas fitas juntos). Grace Kelly foi convidada para o papel central mas preferiu rodar JANELA INDISCRETA.

Houve problemas ainda na famosa cena do táxi entre Brando e Rod Steiger, quando ele diz a famosa frase "I Could Be a Contender!" (algo como ''Eu Poderia ser alguém que disputaria os primeiros lugares). Conta-se que durante sete takes Brando não colaborou; e depois, quando foram rodar os closes de Steiger, Brando não participou das cenas - durante anos Steiger nunca mais falou com Brando. A maior parte dos personagens foi inspirada em pessoas reais: Brando em Anthony Di Vicenzo, Malden no padre John M. Corrigan e Lee J. Cobb no gângster Albert Anastasia. Muitos estivadores de verdade trabalharam como figurantes. Foi a estréia de Eva Marie e Balsam, além de ter sido a primeira trilha musical composta para o cinema do maestro Leonard Bernstein (autor de AMOR SUBLIME AMOR e CANDIDE).

Por mais que se admire o diretor Kazan, não há como negar que aqui ele faz uma justificativa ou apologia da delação. O que é no mínimo discutível. Sua inegável importância é mais devido ao fato dele ser grande influência no estilo de representar de toda uma geração, influenciada pelo chamado "Método" de representação do Actor´s Studio. Foi um filme pesquisado, baseado numa série de reportagens, e o autor fez um roteiro exemplar, ficando num meio termo entre documentário e romance. É um filme de denúncia em que certas cenas são admiráveis, assim como a fotografia de Kauffman (irmão de Dziga Vertov), em especial na fuga noturna.

Spoiler Rating: 84
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A um Passo da Eternidade

2008-02-04T08:16:00.000-02:00

A UM PASSO DA ETERNIDADE narra, às vesperas do bombardeio na base de Pearl Habor, a vida de oficiais e soldados, seus amores e problemas. Um oficial tem um caso com a esposa do comandante, outro soldado é perseguido pelos colegas e envolse-se com uma prostituta. Até que acontece o inesperado ataque japonês, em 7 de dezembro de 1941, que dá início a entrada dos americanos na Segunda Guerra Mundial.

Premiado com 8 Oscars: Filme, Diretor, Roteiro, Ator Coadjuvante (Sinatra), Atriz Coadjuvante (Donna), Fotografia, Montagem e Som. Indicado também para Ator (Clift, Lancaster), Atriz (Deborah) e Trilha Musical. Há várias lendas sobre a escalação de Sinatra para este papel que salvou sua carreira, na época em decadência. A mais famosa é a lenda de que a máfia teria ajudado matando um dos cavalos de raça do produtor e colocado sua cabeça na cama do homem (cena que foi reproduzida no primeiro filme dO PODEROSO CHEFÃO). De qualquer forma, era Eli Wallach que havia sido escalado para o papel. Sinatra fez o teste e surpreendeu. Para o papel de Prewitt, o chefe do estúdio queria John Derek ou Aldo Ray, e só aceitou Clift porque o diretor Fred Zinneman ameaçou se demitir e o autor Jones também pressionou.

Jones não gostou da fita porque disse que o estúdio "puxou o saco" do Exercito para que eles cooperassem com ela. Curiosamente, a Marinha proibiu a fita em seus quartéis por considera-la ofensiva ao Exercito. O papel do sargento foi oferecido à Edmond O´Brien, mas Lancaster acabou aceitando por 120 Mil Dólares. Joan Crawford iria interpretar a amante de Burt, porém recusou quando não aprovoram seus figurinos (ela queria manter o estilo com ombreiras). Debora Kerr ficou loira e mudou de tipo para esse filme (ela tinha fama de inglesa fria), em que fez uma famosa cena de beijo na praia com Burt (que acabou virando um ícone no filme).

Donna Reed que sempre fazia a boazinha, aqui interpretou a prostituta (Julie Harris havia sido a primeira escolha e Shelley Winters recusou). Borgnine, o vilão, dali a dois anos ganharia o Oscar de Ator como o bonzinho MARTY. Em 1979, foi transformado em minissérie de TV com Kim Basinger.

Numa revisão, a fita não chega a ser tão excepcional como os prêmios fazem parecer. Até a famosa cena de beijo na praia é rápida e malfilmada. Só mesmo Sinatra confirma um inesperado talento. O filme pretende ser um grande painel da base norte-americana no Havaí no momento do ataque japonês, e é infinitamente superior a versão de 2001, de Michael Bay, PEARL HARBOR

Spoiler Rating: 78
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O Maior Espetáculo da Terra

2008-02-04T08:06:00.000-02:00

Não há como negar que o Oscar é um prêmio polêmico: distribuído através de votação realizada entre os integrantes do meio cinematográfico, freqüentemente acaba esquecendo grandes artistas e suas obras. Como ignorar que Alfred Hitchcock jamais foi premiado como Melhor Diretor? Como aceitar o fato que CIDADÃO KANE foi praticamente ignorado? Como compreender os critérios para conceder a distinção de Melhor Ator para Roberto Benigni que, por melhor que seja A VIDA É BELA, simplesmente repetiu o mesmo tipo que vem fazendo há mais de uma década?

O motivo que me leva a constatar o óbvio pela enésima vez é simples: ao rever recentemente O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA, senti a terrível frustração de lembrar que esta pretensiosa produção de Cecil B. DeMille tomou o Oscar de Melhor Filme do infinitamente superior MATAR OU MORRER, além de conseguir a proeza de tirar o inesquecível CANTANDO NA CHUVA da competição. Todavia, não há como evitar absurdos como este em eventos que dependem do julgamento humano, sempre sensível ao que ocorre em determinado momento: assim, era previsível que Cecil B. DeMille visse seu filme sair vitorioso da cerimônia, já que naquela noite também estava recebendo o prêmio Irving G. Thalberg (justamente pelo conjunto de sua obra - quatro anos antes de dirigir seu último e mais marcante trabalho, OS DEZ MANDAMENTOS).

Assim, é ironicamente triste constatar que este seu mediano esforço foi o primeiro a lhe render o Oscar de Melhor Filme. Estrelado por um elenco de primeiríssima linha, O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA gira em torno da incrível determinação necessária para se manter um circo funcionando. Logo de início, descobrimos que os executivos por trás do espetáculo não querem realizar uma longa temporada, já que isso fatalmente geraria prejuízos. Preocupado com seus artistas, que dependem daquele trabalho para viver, o administrador/gerente/diretor Brad Braden (Charlton Heston) convence seus patrões a esticarem a temporada ao contratar um verdadeiro 'ás do trapézio', o mulherengo Sebastian (Cornel Wilde). Infelizmente para Brad, isso significa tirar a apresentação de sua namorada, Holly (Betty Hutton), da arena central - algo que a magoa terrivelmente (especialmente por lhe provar que Brad só se preocupa com o show). Decidida a recuperar a atenção do público, Holly passa a se arriscar cada vez mais em suas performances e Sebastian, ao mesmo tempo em que tenta conquistá-la, entra na competição e também realiza malabarismos de tirar o fôlego. O suspense criado por este 'duelo' representa alguns dos melhores momentos do filme.

Simultaneamente, somos apresentados ao gentil palhaço Buttons (James Stewart). Sempre com uma palavra de consolo para oferecer, ele tem a estranha mania de andar constantemente maquiado - mesmo quando o circo não está se apresentando em lugar algum. O segredo que Buttons esconde é outro ponto positivo da trama (e é dele um dos poucos diálogos memoráveis do filme: 'Palhaços são pessoas engraçadas', ele diz para Holly. 'Só amam uma vez').

Infelizmente, O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA também gasta um tempo precioso desenvolvendo uma sub-trama completamente dispensável que foi obviamente criada para justificar o impressionante acidente de trem ocorrido no terceiro ato (algo que poderia acontecer sem a necessidade de se colocar a Máfia na história). Além disso, somos obrigados a escutar uma narração pretensiosa e óbvia que, além de não informar nada de novo, acaba tirando o impacto das cenas em que vemos a enorme quantidade de pessoas necessária para se manter o circo funcionando. Para completar, o triângulo amoroso formado por Sebastian-Holly-Brad funciona de maneira inversa: enquanto o roteiro nos pede para torcer por Brad, é Sebastian quem se destaca como a opção mais divertida para o espectador, já que o personagem de Heston afasta qualquer tipo de simpatia com seu tipo durão (característica constante no trabalho do ator).

Sempre adepto de um bom show, Cecil B. DeMille não poupa o espectador de assistir a vários números circenses - alguns dos quais, sejamos honestos, são muito bons. Porém, também somos obrigados a assistir aos números sem graça dos palhaços (que funcionam um pouco melhor ao vivo) e, o que é pior, a um interminável desfile temático protagonizado por personagens da Disney, cavalos e elefantes. Para tornar tudo ainda pior, o diretor não se cansa de mostrar os rostos 'maravilhados' do público que assiste ao espetáculo e estas inserções constantes acabam irritando - além de comprometerem o ritmo do filme (nem as pontas de Bing Crosby e Bob Hope as justificam). Como se não bastasse, DeMille ainda acrescenta dois entediantes números musicais, incluindo um terrivelmente dublado por Hutton e Stewart enquanto saltam em uma cama elástica. Seja como for, os figurinos criados por Edith Head e suas colegas são deslumbrantes e - desta vez, sim - deveriam ter sido premiados com o Oscar (perderam para as roupas de época exibidas em MOULIN ROUGE).

O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA nos reserva, ainda, um impressionante desastre ferroviário. Infelizmente, esta 'virada' na trama não combina em nada com o que acontecera até então, parecendo pertencer a um outro filme. Além disso, a radical mudança no comportamento de Holly nos minutos finais é apresentada de forma pouco convincente, demonstrando ser uma óbvia tentativa por parte do roteiro de nos fazer aceitar a resolução de um história de amor que, na verdade, jamais conseguiu atrair nossa atenção.

O Cinema está sempre nos ensinando algo: talvez a lição, desta vez, seja a constatação de que nem sempre um filme deve ser cegamente alardeado como 'clássico' - mesmo que tenha recebido o prêmio máximo da indústria e contado com a direção de um dos maiores cineastas da história.

Spoiler Rating: 67
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Sinfonia de Paris

2008-02-04T08:01:00.000-02:00

SINFONIA DE PARIS conta a estória de um pintor americano, em Paris, sustentado por uma mulher rica que se apaixona por uma modelo-bailarina.

Trata-se de um musical clássico da Metro (que pertence à Turner e, portanto agora a Warner) que ganhou sete OSCARs, inclusive de Melhor Filme, Roteiro, Fotografia, Trilha Musical Adaptada, Direção de Arte, Figurino e um especial para Gene Kelly pela Coreografia. Produzido por um gênio do gênero, Arthur Freed, praticamente todo rodado em estúdio.

O filme é célebre por ter lançado a francesinha Leslie Caron (descoberta por Kelly) e ter um longo balé final no qual se reproduzem quadros de pintores famosos ao som da musica título de Gerswhin (alías, toda a trilha musical reúne obras já então clássicas do compositor)

Um pouco artificial e pedante, mesmo assim o filme tem momentos mágicos, como a dança do casal à beira do Sena ("Our Love is Here to Stay"). A edição daqui e dos EUA não traz qualquer extra, fora o trailer, mas a capinha reproduz o pôster original.

Spoiler Rating: 73
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A Malvada

2008-02-04T07:51:00.000-02:00

Durante a entrega de um prêmio teatral para Eve Harrington (Anne Baxter), várias pessoas que a conheceram e ajudaram - e foram traídas de alguma forma - relembram sua ascensão.

A MALVADA é uma comédia dramática. Um clássico do gênero e até hoje recordista de indicações ao Oscars (14), tendo levado os prêmios de Melhor Filme, Direção, Roteiro (o mesmo Joseph L. Mankiewicz), Ator Coadjuvante (George Sanders), Som e Figurinos. Anne Baxter e Bette Davis foram ambas indicadas, mas perderam para Judy Holliday. O papel de Bette deveria ser de Claudette Colbert, mas ela se machucou e saiu do projeto).

Um dos melhores textos sobre o mundo do teatro, vagamente inspirado em fato real acontecido com a estrela Tallulah Bankhead (Bette em certos momentos até a imita) e que serve de padrão para qualquer personagem que deseja subir na vida a qualquer preço, mesmo traindo amigos e parceiros. Um elenco excepcional inclui até mesmo uma pontinha de Marilyn Monroe, estrelinha em ascensão. Sempre um prazer sofisticado.

Spoiler Rating: 84
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A Grande Ilusão

2008-02-03T08:47:00.000-02:00

A GRANDE ILUSÃO narra a ascensão e queda de um político do interior, Willie Stark (Crawford), que começa exigindo reformas e justiça social, mas acaba embriagado pelo próprio poder.

O romance de Robert Penn Waren (ganhador do Pullitzer), em que o roteiro é baseado, se inspira claramente na carreira de um governador de Lousiana chamado Huey Long. Willie Stark tem o dom da oratória e é ajudado me sua campanha, por um jornalista intelectual (John Ireland), cuja ótica o espectador acompanha a historia, e por uma esperta mulher (Mercedes McCambridge) que coordena seus movimentos políticos. A ambição do corrupto Governador lhe custa a vida familiar e o respeito do filho adotivo (John Derek). Finalmente ele consegue escapar de um impeachment, em pleno caminho para a presidência, mas não das balas de um assassino (Shepperd Strudwick), cujo pai, um juiz, Stark arruinara.

O estilo de narração imita um documentário, fazendo com que as seqüências domesticas mostrem mais os efeitos de personalidade do protagonista do que o impacto que envolve a histéria e a violência das multidões. Mas isso não chega a prejudicar o que foi, com certeza, uma das grandes denuncias de chicana política que se fez no cinema.

O orçamento não chegou a um milhão de dólares, sendo o salário de Robert Rossen, para escrever, dirigir e produzir, de apenas 25 mil. Alem da coragem na escolha do argumento (Rossen já era encarado com desconfiança por suas simpatias esquerdistas), também foi corajosa a escolha do elenco pensando apenas nos melhores interpretes para cada papel. Seu método de trabalho era igualmente original: os atores só leram o roteiro uma vez; depois, tudo foi feito de improviso.

Ganhou 3 Oscar (Melhor Filme, Melhor Ator - Broderick Crawford e Melhor Atriz Coadjuvante - Mercedes McCambridge) e outras 7 indicações.

Spoiler Rating: 76
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Hamlet (1948)

2008-02-03T08:42:00.000-02:00

Filmes baseados em obras de Shakespeare sempre atraíram mais diretores do que publico. Só de 1905 (MACBETH) ate meados da década de 50, foram feitos 66 filmes de 22 peças do genial inglês. Mesmo com nomes que já eram ídolos, como Mary Pickford, James Cagney, Dick Powell, Norma Shearer, as bilheterias não registravam grandes rendas.

Foi quando, em 1946, o sucesso de crítica e de publico que Laurence Olivier conseguiu com HENRIQUE V O animou a fazer este HAMLET. Olivier filmou em preto e branco: "Vejo-o mais como uma gravura do que como uma pintura". Muita coisa teve que ser cortada (os personagens Fortinbras, Rosencrantz e Guidenstern foram sacrificados) ou modificada (os solilóquios se transformaram em monólogos interiores). De uma peça de quatro horas e meia, restaram duas horas e 35 minutos de filme.

O rei da Dinamarca morreu. Seu fantasma aparece ao próprio filho, o príncipe Hamlet, para dizer-lhe que foi assassinado, e sua mãe se casou com o assassinato. HAMLET é considerado a grande tragédia da vingança.

Aos 18 anos, Jean Simmons faz Ofélia. Com 27, Eileen Herlie é a Rainha Gertrude, mãe de Hamlet (Olivier estava com 41). E foi a primeira vez que um filme não-americano ganhou o Oscar principal.

Segundo a critica Pauline Kael, "mesmo que achemos que algumas cenas deveriam ter sido realizadas de outra forma, nunca se fez essa peça tão bem, no cinema. Mesmo com omissões e cortes, nunca veremos, com certeza, produção mais emocionante e viva de "Hamlet" nas telas".

Na opinião de Bosney Crowther (The New York Times, em 1948), "assim como o engenhoso e espetacular "Henrique V", de Olivier, propôs novos limites visuais para as peças históricas de Shakespeare, o seu HAMLET nos oferece uma nova visão para as grandes tragédias de Bardo".

Spoiler Rating: 80
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A Luz é para Todos

2008-02-03T08:37:00.000-02:00

Elia Kazan ainda era um diretor relativamente neófito em Hollywood quando ganhou os Oscars de melhor filme e direção de 1947 por A LUZ É PARA TODOS. Dois anos depois da 2ªGuerra, o mundo ainda assimilava o horror da revelação do Holocausto quando Darryl Zanuck, o todo-poderoso executivo da Fox, quis fazer esse drama sobre o anti-semitismo do americano médio. Personagem controvertido, esse Zanuck. Foi, para o melhor e o pior, o responsável pelos filmes de conteúdo mais social que a Fox produziu entre os anos 40 e 50. E não foi fácil produzir A LUZ É PARA TODOS.

A oposição ao projeto veio justamente da rica comunidade judaica americana. Harry Warner organizou uma reunião com seus representantes, à qual Zanuck foi convidado. Entre drinques e elogios, tentaram demovê-lo de adaptar o romance de Laura Z. Robson. Disseram que a situação estava muito boa para todos, que não era bom reabrir feridas que recém iam cicatrizando. No livro com a entrevista que concedeu ao crítico francês Michel Ciment, Kazan conta que Zanuck foi curto e grosso - disse àqueles senhores que, de cinema, entendia ele. Ia fazer o filme e pronto.

Para Kazan, foi uma oportunidade e tanto. Ele ainda engatinhava em Hollywood, seguindo uma carreira ziguezagueante que chegava ao quarto filme. Kazan, diretor americano de origem turca, nascido em 1909, havia sido um dos fundadores do lendário Group Theater, que atravessou os anos 30 com uma avançada proposta estética e política. Foi o Group Theater que introduziu Stanislavski no teatro americano, tendo sido a base para o que viria a ser depois, nos 40, o Actor's Studio. Kazan não andava muito satisfeito com sua carreira. Laços Humanos, Mar Verde e O Justiceiro (Boomerangue), seus filmes precedentes, exageravam nos clímaxes e ele não sabia como administrar a interferência dos estúdios no seu trabalho.

Vale lembrar uma história divertida que Kazan também contou a Michel Ciment. Em 1936, ele fez uma viagem preliminar a Hollywood. Como ator, havia recebido um convite para atuar em Beco sem Saída (Dead End), de William Wyler. A Fox implicou com seu nome. Achou que, como Elia Kazan, não poderia fazer carreira no cinema. Foi encaminhado a um especialista do estúdio para ser rebatizado. O cara sugeriu que Kazan virasse Cézanne e, como primeiro nome, algo bem americano, sugeriu Elliott. Embaraçado, Kazan disse ao cara que já havia um grande pintor francês com o nome de Cézanne. A frase do sujeito é imortal - "Depois de um par de filmes, ninguém vai se lembrar do outro Cézanne."

Gregory Peck já era um astro na Fox, mas A LUZ É PARA TODOS foi decisivo na sua evolução para se tornar o artista consciente que foi. Ele faz um escritor que se passa por judeu, como parte de uma pesquisa. Descobre que o anti-semitismo é muito forte entre os americanos. Kazan queria que o roteiro fosse escrito por Paul Osborne e Lillian Hellman. Mas a Fox impôs Moss Hart e o diretor diz que ele fez um trabalho honesto, embora não tão duro e doloroso quanto o fariam os outros dois.

Uma cena do roteiro é exemplar. É o diálogo entre um judeu e a mulher do protagonista. São interpretados por John Garfield e Dorothy MacGuire. Kazan acha que a cena ficou prejudicada porque Garfield não tem "physique du rôle", mas a cena é forte. Dorothy conta que foi a uma festa com todos aqueles anti-semitas. Diz que foi horrível. Ele pergunta o que ela fez. Dorothy insiste no desgosto que aquilo lhe provocou. Ele também insiste - e o que ela fez? Nada.

Kazan foi comunista de carteirinha, mas nunca aceitou o stalinismo do partido. Desligou-se e até colaborou com o macarthismo. Era o primeiro a dizer que não gostava do que havia feito. A delação poderia ter destruído sua carreira. Ele se tornou ainda mais crítico da sociedade americana. Ganhou os Oscars de melhor filme e direção de 1954, por SINDICATO DE LADRÕES, e - sob vaias e aplausos - outro Oscar especial, por sua carreira, em 1999. Morreu em 2003, amargurado e pessimista como sempre viveu.

Spoiler Rating: 73
LBC Rating: ~

Os Melhores Anos de Nossas Vidas

2008-02-03T08:31:00.000-02:00

Muita gente achava que as platéias americanas não gostariam de ficar sendo lembradas dos acontecimentos da recém terminada Segunda Guerra Mundial. Mas OS MELHORES ANOS DE NOSSAS VIDAS, produzido pelo veterano Samuel Goldwyn e dirigido por William Wyler, é tão sensível e retrata tão bem os problemas enfrentados pelos soldados que voltavam da guerra para a vida civil, encontrando um mundo diferente daquele que tinham deixado, que foi um sucesso de crítica e publico, ganhando sete oscars e outros prêmios importantes, dentro e fora dos EUA.

A historia é sobre três militares que se conhecem no avião que os esta levando da frente de batalha para sua cidade natal. Um sargento do Exercito (Fredric March), devotado homem de família, voltando para sua mulher (Myrna Loy) e para um emprego que não o satisfaz; um capitão da Força Aérea (Dana Andrews) vai se reencontrar com sua esposa (Virginia Mayo), com quem estivera casado apenas durante poucas semanas antes de ir para a guerra, anos antes; e um marinheiro (Harold Russel) que volta sem as duas mãos, decepadas em combate e substituídas por ganchos, e vai reunir-se a namorada de infância (Cathy O'Donnell).

Os três enfrentam crises diferentes - que, na realidade, simbolizam as que os combatentes enfrentaram ao voltar para casa.

A idéia do filme partiu de Goldwyn, ao ler um artigo sobre a volta dos veteranos na revista Time. Pediu, então, a MacKinlay Kantor, que acabara de regressar da Inglaterra, onde servira como correspondente da Força Aérea, que transformasse suas experiências pessoais numa historia de ficção. O resultado foi um livro de mais de 400 paginas chamado "Glory For Me".

O filme chegou às telas dois anos e meio após sua concepção e mais de um ano depois do fim da guerra, a um custo de três milhões de dólares.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Farrapo Humano

2008-02-03T08:26:00.000-02:00

FARRAPO HUMANO percorre três dias na vida de um romancista fracassado (Ray Milland) que se entrega à bebida, até chegar à beira do suicídio. Sua luta para livrar-se do alcoolismo, sem conseguir, apesar de ajuda e da compreensão da noiva (Jane Wyman). Ele vai piorando, a ponto de furtar e empenhar a própria maquina de escrever, seu instrumento de trabalho. Ao contrario do romance, e como única modificação maior na historia, o filme termina com uma cena de esperança. Alem disso, o livro sugere a razão para a dipsomania do herói e uma inconsciente indecisão de sua libido masculina, enquanto o filme só explica como decorrência momentânea pela incapacidade de escrever, o que talvez fosse uma conseqüência e não uma causa.

Referindo-se a essa diferença, o critico Bosley Crowther do "The New York Times" de 03/12/45, pondera que "essa simplificação é um defeito, menor num filme chocantemente realista e morbidamente fascinante como este". E mais adiante: "O filme se iguala aos melhores e mais perturbadores estudos da personalidade já levados à tela. FARRAPO HUMANO é realmente uma obra prima da arte cinematográfica". E, na conclusão: "Não recomendaríamos o filme para alegre noitada na cidade. Mas ele é, certamente um drama irresistível, que todo espectador adulto deveria assistir".

São impressionantes as seqüências do "delirium tremens" quando ele imagina um morcego atacando um rato num buraco da parede, a do encarceramento numa enfermaria e a do grande close do olho direito do escritor injetado de sangue. Boa parte das filmagens aconteceu na Terceira Avenida, em Nova York (com câmeras e equipe escondidas para não atraírem a curiosidade publica), e no Hospital Bellevue. Uma seqüência do escritor caindo da escada foi feita com uma câmera amarrada ao seu peito.

Mas incrivelmente, o filme estava para não ser lançado. As primeiras exibições prévias para convidados tiveram péssima repercussão. A Paramount quase aceitou uma proposta dos representantes de um sindicato de destilarias, que ofereceu 5 milhões de dólares para que o publico não visse o que eles consideravam uma grande propaganda contra seu negocio. As coisas começaram a mudar quando o filme foi mostrado a críticos de Nova York, que logo aclamaram a direção de Wilder, o roteiro de Wilder e Brackett e a interpretação de Milland. A idéia de engavetar o filme foi logo abandonada. No lançamento, a boa bilheteria foi surpreendente.

Spoiler Rating: 82
LBC Rating: ~

Por Fernando Albagli ("Tudo Sobre o Oscar" - Ed. Zit)

O Bom Pastor

2008-02-03T08:22:00.000-02:00

O Padre Chuck O´Malley (Bing Crosby) é enviado por superiores para salvar a Igreja de Santa Domenique, que vai ser penhorada, caso não se pague a hipoteca. O pároco local é o velho Padre Fitzgibbon (Barry Fitzgerald), que administra a Igreja há 45 anos. A missão de O´Malley é ajudar o companheiro, sem que ele perceba, para não lhe ferir os sentimentos. Mas seus métodos e atitudes modernas irritam Fitzgibbon que, ao queixar-se aos superiores, acaba sabendo a verdade. Com o tempo, entretanto, ele passa a gostar de O´Malley, mas sem querer deixar transparecer.

O tema principal do filme é o relacionamento entre dois religiosos, que o diretor Leo McCarey nunca deixa cair em sentimentalismo barato, apesar de, às vezes, se arriscar, chegando bem próximo disso.

Interessado em esportes e musica, O´Malley transforma um bando de meninos desordeiros num belo coro, dá jeito num romance complicado, vende uma canção de sua autoria para pagar a hipoteca, dá novo alento na vida do colega mais velho. Mas a igreja pega fogo, e mais dinheiro é necessário para reconstruí-la. O´Malley consegue sensibilizar um construtor local e unir a comunidade. Missão cumprida, ele faz as malas e vai embora.

O bom roteiro e as musicas contribuíram muito para o sucesso do filme, inclusive nas bilheterias, proporcionando uma renda de seis milhões e dólares no mercado interno, o que era muito para a época.

Spoiler Rating: 75
LBC Rating: ~

Rosa da Esperança

2008-02-03T08:15:00.000-02:00

ROSA DA ESPERANÇA narra as desventuras de uma família inglesa de alta classe media - os Miniver - durante a Segunda Guerra, resistindo aos ataques alemães e sobrevivendo à retirada de Dunquerque. Greer Garson e Walter Pidgeon são o casal, com um filho adulto (Richard Ney) que vai para frente de batalha, dois filhos menores (Christopher Severn e Clare Sanders) e a noiva do filho (Dame May Whitty).

É Um filme de propaganda, típico da época, que mobilizava os americanos, angariando-lhes a simpatia em relação aos ingleses - Churchill chegou a dizer que um filme assim valia muitas naves de combate.

Curiosamente é um filme de guerra sem cenas de batalha. A luta é mostrada através das reações daqueles que não estão no front. Enfrentando a adversidade (mortes, edifícios destruídos por bombardeios, medo), os ingleses são fortes e unidos, polidos e nobres, chegando a freqüentar exposições de flores entre um ataque e outro. É claro que esses ingleses não existem. São personagens de filmes de Hollywood. Mas são o tipo de pessoas, do qual, os espectadores americanos se identificavam, em 1942. E isso era o que mais interessava.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Por Fernando Albagli ("Tudo Sobre o Oscar" - Ed. Zit)

Como Era Verde Meu Vale

2008-02-03T08:11:00.000-02:00

Um velho galês de 60 anos relembra sua vida quando era garoto numa família cuja vida girava em torno de uma mina de carvão, com todos os dramas e problemas.

O grande vencedor dos Oscars do mesmo ano de CIDADÃO KANE (que ganhou como roteiro e geralmente é considerado o melhor filme de todos os tempos). Mesmo assim é um belo e comovente drama familiar baseado num best-seller autobiográfico de Richard Llewellyn. Ganhou nas categorias de Melhor Filme, Ator Coadjuvante (Donald Crisp), Direção, Direção de Arte e Fotografia.

O DVD poderia ter algum documentário sobre Ford... Mas a edição nacional traz somente o trailer do filme e de outros clássicos da Fox. Em 2003 saiu nos EUA a edição especial com novos extras - comentários em áudio auxiliar de Anna Lee Nathan e do historiador de cinema Joseph McBride, documentário do canal American Movie Classic, galeria de imagens e trailer de cinema.

Spoiler Rating: 79
LBC Rating: ~

Rebecca - A Mulher Inesquescível

2008-02-03T07:51:00.000-02:00

Em 1939, ao decidir sair da Inglaterra, onde já era um diretor respeitado, com destino aos Estados Unidos, Alfred Hitchcock talvez não soubesse o que iria encontrar em Hollywood. Mas logo sentiu a força de seu contratante, o produtor David O. Selznick.

Acostumado a ter ampla liberdade em seu trabalho nos estúdios de Londres, o cineasta, então com 40 anos, teve de enfrentar o temperamento forte, autoritário e as vezes cruel de seu inteligente produtor que vivia a recente glória de ter feito E O VENTO LEVOU.

Foi em meio de um embate de personalidades que nasceu e surgiu REBECCA - A MULHER INESQUECÍVEL. Apesar dos choques de temperamentos e vontades e de certa frustração assumida anos depois por seu diretor, o filme é um autêntico Hitchcock. E, passados tantos anos, uma criação estupenda dotada de uma força e comunicação incríveis.

Os primeiros dez minutos atestam a impressionante capacidade de síntese do realizador, algo que ainda faz falta no cinema atual. Uma voz feminina evoca a mansão dos De Winter. No quinto minuto, o espectador já conhece a dona da voz (Joan Fontaine) e percebe que Maxim De Winter (Laurence Olivier) é um personagem perturbado. Com razão, conforme demonstra a trama em seguida, ao seu encontro no penhasco com aquela jovem tímida (Fontaine), cujo nome nunca é anunciado no filme. Quando alguém se refere a ela, é como darling (querida) ou Sra. DeWinter.

Mas essa condição é um tanto parcial. Mesmo casada com Maxim, ela não é senhora da mansão dos DeWinter, chamada Madelyn, onde passam a morar. Externamente, quem mais colabora para isso é Mrs.Denver (Judith Anderson), a governanta da mansão. Sempre que pode, ela menospreza a atual patroa e louva a anterior, Rebecca, a falecida esposa de Maxim. E esta, sem jamais aparecer no filme, se torna a grande personagem da história. Se isso ocorre é porque Hitchcock foi além do que havia no romance. Com achados essencialmente cinematográficos, enfatiza a ambigüidade de Rebecca.

Até os últimos momentos fica difícil saber exatamente qual era seu caráter e também se Maxim é um culpado autêntico ou um falso culpado, ou seja, o sujeito que não cometeu o crime que gostaria de ter cometido, algo freqüente na filmografia do diretor de PSICOSE. Mas, com seus precisos e sugestivos movimentos de câmera e tons sombrios (que traz a influência do cinema expressionista alemão), Hitchcock fez um filme de clima sinistro, doentio. Esse aspecto é acentuado na conduta de Mrs. Denver, principalmente naquela cena ousada para a época em que a governanta acaricia de forma libidinosa a roupa íntima de Rebecca.

Hitchcock impôs Joan Fontaine no papel principal. Com natural candura, ela transmite o amor por Maxim e a sua fragilidade diante das provocações enfrentadas na mansão dos De Winter. A rejeição vivida por sua personagem, a atriz também sentiu durante as filmagens.

Outra grande presença é a de Judith Anderson, em meio de um elenco comandado por Laurence Olivier, já então famoso. Com música romântica-misteriosa de Franz Waxman (o mesmo de O CREPÚSCULO DOS DEUSES), REBECCA é uma obra-prima do cinema norte-americano.

Spoiler Rating: 84
LBC Rating: ~

E o Vento Levou

2008-02-02T11:17:00.000-02:00

E O VENTO LEVOU de 1939 apresenta uma visão sentimental da Guerra Civil norte-americana, na qual o “Velho Sul” toma o lugar de Camelot, e onde a guerra não foi travada para derrotar a Confederação e libertar os escravos, mas para dar à senhorita Scarlett O´Hara uma merecida reprimenda. Sabemos disso há muito tempo: a danosa nostalgia vem com o território. Todavia, depois de todos esses anos, o filme continua sendo um dos pilares do cinema, porque conta uma boa história e a conta magnificamente bem.

Scarlett é uma mulher de 1930. Uma mulher moderna, obstinada e de espírito livre. O caminho dela foi aberto pelas garotas petulantes da era do jazz de Fitzgerald, pelas arrojadas atrizes daquele período e pela dura realidade econômica da depressão. A lascívia de Scarlett tem muito pouco em comum com o mito das delicadas flores sulistas, e tudo a ver com os símbolos sexuais dos filmes que forjaram a sua criadora: Margaret Mitchell.

É claro que Scarlett não poderia sair impune de três casamentos, de cobiçar o marido da meiga Melanie, de matar um saqueador ianque e de banir o terceiro marido da cama do casal, a fim de proteger a sua fina cintura do peso de uma gravidez. Isso fascinou (e ainda fascina) o publico que viu seu temperamento desafiar o chauvinista universo masculino, mas por fim, ela é punida, e é disso que “Francamente, querida, eu não ligo nem um pouco” se trata.

Clark Gable e Vivian Leigh caíram com perfeição nos dois papéis mais cobiçados da época. Sem dúvida, o filme ainda estará por aqui, por muitos anos, um estupendo exemplo da arte de Hollywood e uma cápsula do tempo da desagregação do sentimentalismo para um Civilização que o vento levou, está bem - levou, mas não esqueceu...

Spoiler Rating: 92
LBC Rating: ~

Por Roger Ebert

Do Mundo Nada se Leva

2008-02-02T11:11:00.000-02:00

Adaptação da peça de Moss Hart e George S. Kaufman, premiada com o Pulitzer, DO MUNDO NADA SE LEVA foi o sexto sucesso seguido de Frank Capra. Harry Cohn pagou a quantia (recorde para a Columbia) de 200 mil dólares, a fim de comprar os direitos da historia, que é a comedia da classe media por excelência. Segundo o próprio Capra, é "a historia de uma família felizarda de rebeldes, vivendo em perfeita harmonia, encontrando a felicidade na expressão individual: fazendo as coisas que eles sempre tinham querido fazer, embora as façam mal".

Os membros da excêntrica família Vanderhof acreditam em viver fazendo apenas aquilo de que se gosta. Eles moram num velho casarão onde essa regra é quase lei. Vovô Vanderhof (Lionel Barrymore) não paga impostos por que não acredita neles. Largou o emprego há 35 anos e nunca mais voltou. Agora, ele pinta, e não se importa se a sua pintura não e de grande qualidade. Sua filha Penny (Spring Byington) se tornou escritora porque uma maquina de escrever foi entregue na casa por engano. O marido dela (Samuel S. Hinds) fabrica fogos de artifício no porão. Essie (Ann Miller), filha dos dois, é uma dançarina de balé medíocre, cujo professor é Kolenkhov (Mischa Auer), um autocrata russo, e o marido (Dub Taylor) toca xilofone e imprime dinheiro. O melhor amigo de Vanderhof, Mr. Poppins (Donald Meek), inventa coisas.

A única que tem comportamento normal é Alice (Jean Arthur), apaixonada por Tony (James Stewart), que é filho de Mr. Kirby (Edward Arnold), inimigo do velho Vanderhof porque este não lhe quer vender a casa, ultima que falta, no quarteirão, para que ele possa ampliar sua fabrica de armas.

A comedia se acelera quando Alice convida Tony e seus pais para uma visita à sua estranha família. A principio, o encontro entre eles é desastroso, mas os dois velhos acabam se acertando para um alegre final feliz.

Capra sempre empregava temas políticos para sublinhar suas comedias. Nesta, ele faz, da família Vanderhof, a representante dos pobres e humildes do mundo, dando um tom afetuoso e terno ao que poderia ser apenas uma comedia maluca.

Spoiler Rating: 80
LBC Rating: ~